Al momento 20th Century Studios non ha ancora annunciato ufficialmente il progetto, ma le nuove informazioni suggeriscono che lo sviluppo sarebbe ormai a uno stadio molto avanzato.

Secondo le indiscrezioni, il sequel vedrà il ritorno delle due protagoniste originali, Megan Fox e Amanda Seyfried, che nel primo film interpretarono Jennifer Check e Needy Lesnicki.

Alla regia dovrebbe tornare anche Karyn Kusama, mentre la sceneggiatura sarebbe nuovamente affidata a Diablo Cody, premio Oscar per Juno e autrice del film originale.

Già nell’ottobre 2025 Kusama aveva confermato che Cody stava lavorando allo script del sequel, alimentando le speranze dei fan dopo anni di rumor.

Uscito nel 2009, Jennifer’s Body non ottenne il successo sperato al botteghino. Con il passare degli anni, però, il film è stato completamente rivalutato grazie all’home video e allo streaming, fino a essere considerato da molti uno dei cult horror più importanti degli anni Duemila.

La storia seguiva Jennifer, una liceale sacrificata durante un rituale satanico che tornava in vita trasformandosi in una creatura demoniaca costretta a nutrirsi di ragazzi per sopravvivere. Accanto a lei c’era Needy, la migliore amica destinata a diventare l’unica in grado di fermarla.

Per Karyn Kusama il progetto rappresenterebbe anche il ritorno alla regia cinematografica dopo oltre sette anni di assenza.

Negli ultimi anni la regista si è dedicata principalmente alla televisione, lavorando come produttrice esecutiva della serie Yellowjackets. Parallelamente continua a sviluppare anche Stan, nuovo progetto con Daisy Edgar-Jones e Drew Starkey.

Tra i suoi film più apprezzati figurano anche The Invitation, Girlfight e Destroyer.

Nonostante le indiscrezioni siano sempre più insistenti, Jennifer’s Body 2 non è ancora stato annunciato ufficialmente da 20th Century Studios.

Se le informazioni dovessero essere confermate, le riprese inizieranno già a ottobre con il ritorno del team creativo originale, un elemento che rappresenta probabilmente la notizia più attesa dai fan del film.

Dopo oltre quindici anni, Jennifer Check potrebbe quindi essere pronta a tornare sul grande schermo.

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Ospite del The Rich Eisen Show, Damon ha spiegato che il progetto non è ancora pronto, ma che il confronto con Berger avrebbe finalmente portato a individuare una possibile direzione narrativa.

«Sto parlando con un grande regista di nome Ed Berger. Ha diretto Niente di nuovo sul fronte occidentale. È un regista meraviglioso e ne stiamo discutendo. Stiamo cercando di definire la storia, perché mi piacerebbe davvero farlo».

Il motivo per cui il nuovo film ha richiesto così tanto tempo non dipende soltanto dalle difficoltà produttive. Damon non vuole tornare nel ruolo per nostalgia o per rilanciare meccanicamente il franchise.

L’attore considera infatti i primi tre film — The Bourne Identity, The Bourne Supremacy e The Bourne Ultimatum — un ciclo narrativo compatto, costruito intorno alla ricerca dell’identità del protagonista e alle conseguenze del programma Treadstone.

«Se lo faremo, vogliamo che sia come i primi tre. Non è costruito come James Bond, dove ogni film rappresenta una missione separata».

La differenza indicata da Damon è importante. Jason Bourne non può essere semplicemente inviato verso una nuova minaccia, come se ogni capitolo potesse ripartire da zero. La saga ha bisogno di una storia legata al passato del personaggio e capace di aggiungere qualcosa alla sua evoluzione.

Nonostante la sceneggiatura non sia ancora definitiva, Damon sembra più fiducioso rispetto agli aggiornamenti degli ultimi anni. L’attore ritiene che lui e Berger abbiano finalmente intravisto un modo convincente per riportare Bourne sul grande schermo.

«Spero che riusciremo a trovare la soluzione. Credo che ora abbiamo una direzione abbastanza chiara su come farlo».

Non si tratta ancora di un annuncio ufficiale o di una conferma dell’inizio delle riprese, ma è un passo significativo per un progetto discusso da molto tempo senza mai riuscire a superare la fase di sviluppo.

Anche Edward Berger aveva già chiarito che il proprio coinvolgimento sarebbe dipeso dalla disponibilità di Matt Damon e dalla qualità della sceneggiatura.

«Lo farò se Matt vorrà farlo. Dovremo avere davvero la sensazione di aggiungere qualcosa di nuovo ai grandi film di Bourne che esistono già. Sarà necessario per convincere Matt a tornare e anche per convincere me a dirigerlo».

Le posizioni dell’attore e del regista appaiono quindi perfettamente allineate. Nessuno dei due sembra interessato a un’operazione basata soltanto sulla popolarità del marchio.

L’obiettivo è trovare una ragione narrativa forte che renda necessario il ritorno di Bourne dopo quasi dieci anni di assenza.

Nel marzo 2025 Universal ha riacquisito i diritti della saga con l’intenzione di riportarla al cinema. Tra le possibilità inizialmente considerate figurava anche un reboot, ma il coinvolgimento di Matt Damon e Berger suggerisce che lo studio stia ancora lavorando a una continuazione con il protagonista originale.

L’ultima bozza nota della sceneggiatura sarebbe stata scritta da Joe Barton, autore di Black Doves. Non è chiaro quanto di quel materiale sia ancora presente nel progetto attualmente discusso da Damon e Berger.

Nel corso di cinque film, la saga ha incassato complessivamente circa 1,64 miliardi di dollari nel mondo. I primi tre capitoli con Damon sono generalmente considerati il punto più alto del franchise, mentre The Bourne Legacy e Jason Bourne hanno ottenuto reazioni più tiepide.

Jason Bourne è apparso per l’ultima volta al cinema nel 2016 nel film omonimo diretto da Paul Greengrass. Il progetto segnò il ritorno del regista e di Damon dopo la conclusione della trilogia originale.

Il film superò i 400 milioni di dollari al botteghino mondiale, ma non riuscì a replicare l’entusiasmo critico suscitato dai capitoli precedenti. Proprio quella reazione avrebbe contribuito alla prudenza mostrata da Damon negli anni successivi.

L’attore non sembra disposto a tornare finché non esisterà una storia capace di giustificare davvero un nuovo capitolo. Le ultime dichiarazioni, però, suggeriscono che quella storia potrebbe essere finalmente più vicina.

Jason Bourne 6 non è ancora ufficiale, ma per la prima volta dopo anni Matt Damon sembra vedere una strada concreta per riportare il personaggio sul grande schermo.

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La nuova versione della celebre serie creata da Chris Carter vedrà protagonisti Danielle Deadwyler e Himesh Patel nei panni di due agenti dell’FBI molto diversi tra loro, chiamati a riaprire una divisione ormai abbandonata che indaga su casi inspiegabili e fenomeni paranormali.

L’aspetto più sorprendente riguarda però il formato di ripresa. Secondo i report, Coogler avrebbe deciso di girare il pilot in 65mm, affidandosi alla direttrice della fotografia Autumn Durald Arkapaw, già sua collaboratrice in Sinners.

Si tratta di una scelta molto rara per una produzione televisiva. Il 65mm è infatti un formato normalmente riservato ai grandi kolossal cinematografici, grazie alla sua straordinaria definizione e alla resa particolarmente immersiva sul grande schermo.

Non è chiaro se anche gli eventuali episodi successivi adotterebbero lo stesso formato, considerando gli elevati costi di produzione.

L’altra indiscrezione riguarda il destino del pilot. Secondo le fonti, Ryan Coogler avrebbe chiesto a Disney di valutare un’uscita cinematografica del primo episodio, trasformandolo di fatto in un lungometraggio prima dell’eventuale debutto della serie.

Al momento non sarebbe stata presa alcuna decisione. La serie, infatti, non è ancora stata ufficialmente approvata e tutto dipenderà dalla valutazione del pilot da parte dello studio.

L’idea non sorprende del tutto. Coogler è da sempre uno dei maggiori sostenitori dell’esperienza cinematografica e un’uscita nelle sale, anche limitata, sarebbe perfettamente in linea con la sua filosofia.

Oltre ai due protagonisti, il pilot includerebbe anche Amy Madigan, Steve Buscemi e Ben Foster.

Continuano inoltre a circolare voci su un possibile coinvolgimento di David Duchovny e Gillian Anderson, storici interpreti di Mulder e Scully. Per il momento, però, si tratta soltanto di indiscrezioni e non esistono conferme ufficiali.

Reduce dall’enorme successo di Sinners, Ryan Coogler dovrebbe dedicarsi a Black Panther 3 una volta concluso il lavoro su X-Files. Il nuovo capitolo del Marvel Cinematic Universe è attualmente indicato come uno dei principali progetti del regista per il 2027, con un’uscita nelle sale che viene già ipotizzata per l’estate del 2028.

Per ora, però, l’attenzione resta tutta sul misterioso ritorno di X-Files, un progetto che, se le indiscrezioni fossero confermate, potrebbe debuttare al cinema prima ancora che in streaming.

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Secondo quanto raccontato a Entertainment Weekly dal suo storico agente Philip Grenz, Neill aveva addirittura girato quattro progetti consecutivi nell’ultimo anno, tutti destinati ad arrivare sul grande schermo o in streaming nei prossimi mesi.

Tra i progetti già confermati figura The Last Resort, commedia romantica diretta da Donald Petrie (Miss Detective) con protagonisti Daisy Ridley e Alden Ehrenreich. Il film rappresenta una delle ultime interpretazioni completate dall’attore.

Neill apparirà inoltre in Godzilla x Kong: Supernova, nuovo capitolo del MonsterVerse attualmente previsto per marzo 2027. Anche in questo caso il suo lavoro era già stato completato prima della scomparsa.

Gli altri due titoli citati dal suo rappresentante non sono stati ancora annunciati ufficialmente, ma dovrebbero essere presentati nei prossimi mesi, permettendo al pubblico di vedere ancora una volta l’attore sullo schermo.

Per milioni di spettatori Sam Neill resterà sempre il volto del paleontologo Alan Grant, protagonista di Jurassic Park e poi tornato nella saga a distanza di decenni. Quel personaggio ha segnato la sua carriera, ma rappresenta soltanto una parte di una filmografia costruita nell’arco di oltre quarant’anni.

Neill ha attraversato con naturalezza generi molto diversi, lasciando il segno nell’horror fantascientifico di Event Horizon, nel visionario Il seme della follia di John Carpenter, nel thriller Ore 10: calma piatta, nel dramma premio Oscar Lezioni di piano e, più recentemente, nella serie Peaky Blinders, dove interpretava il maggiore Chester Campbell.

La sua forza è sempre stata la capacità di passare da personaggi rassicuranti a figure inquietanti, mantenendo una presenza scenica sobria ma estremamente autorevole. Non cercava mai di dominare una scena con l’eccesso: bastavano uno sguardo, una pausa o una battuta pronunciata con il suo inconfondibile accento per renderlo immediatamente memorabile.

I quattro film completati prima della sua morte rappresentano quindi qualcosa di più di semplici uscite postume. Saranno le ultime occasioni per vedere un attore che ha attraversato oltre quattro decenni di cinema internazionale, collaborando con registi come Steven Spielberg, Jane Campion, John Carpenter e Andrzej Żuławski.

In attesa che vengano annunciati anche gli ultimi due progetti rimasti finora riservati, il pubblico potrà salutare ancora una volta Sam Neill attraverso i personaggi che aveva già portato a termine. Un’eredità artistica che continuerà a vivere sullo schermo ancora per diversi mesi.

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Prime Video non ha rilasciato dichiarazioni ufficiali sulla vicenda, ma la produzione punta a riprendere i lavori entro l’autunno, una volta individuato il nuovo interprete del celebre Dio della Guerra.

Ryan Hurst era stato annunciato come protagonista della serie e, lo scorso febbraio, Prime Video aveva persino diffuso la prima immagine ufficiale dell’attore nei panni di Kratos. L’infortunio subito a giugno ha però cambiato radicalmente i piani della produzione.

Secondo quanto riportato da Deadline, l’attore avrebbe riportato la rottura di un bicipite durante l’esecuzione di uno stunt. Hurst è già stato sottoposto a un intervento chirurgico e sta affrontando il percorso di riabilitazione.

Secondo le indiscrezioni, i tempi di recupero sarebbero però incompatibili con il calendario della produzione. Per questo motivo Amazon MGM Studios e Sony Pictures Television avrebbero deciso di procedere con il recasting del protagonista, pur considerando prioritaria la completa guarigione dell’attore.

La decisione comporterà inevitabilmente la ripetizione di tutte le sequenze già girate con il personaggio principale, con possibili conseguenze sul calendario della serie.

Secondo Deadline, al momento dell’incidente erano già stati completati quattro episodi. Tutte le scene che coinvolgono Kratos dovranno quindi essere rigirate con il nuovo interprete.

L’obiettivo di Amazon è individuare rapidamente il nuovo Kratos per rimettere in moto la produzione entro la metà di ottobre. Non è stato ancora reso noto se il cambio di protagonista influirà anche sulla finestra d’uscita della serie.

Accanto al futuro Kratos resterà invece confermato il resto del cast, guidato da Callum Vinson nel ruolo del giovane Atreus. Completano il gruppo Max Parker (Heimdall), Ólafur Darri Ólafsson (Thor), Mandy Patinkin (Odino), Alastair Duncan (Mimir), Danny Woodburn e Jeff Gulka nei panni di Brok e Sindri, oltre a Ed Skrein nel ruolo di Baldur.

L’adattamento televisivo racconterà gli eventi degli ultimi due videogiochi della saga, seguendo il viaggio di Kratos e del figlio Atreus attraverso i regni della mitologia norrena.

Al centro della storia ci sarà il rapporto tra padre e figlio, impegnati a esaudire l’ultimo desiderio di Faye mentre affrontano dèi, creature leggendarie e il peso del passato di Kratos. La serie è stata già ordinata per due stagioni, con Ronald D. Moore nel ruolo di showrunner e Frederick E.O. Toye alla regia dei primi due episodi.

L’uscita di scena dell’attore sorprende anche perché Hurst aveva già un legame diretto con il franchise videoludico. In God of War Ragnarök, infatti, aveva prestato voce e motion capture a Thor, uno dei personaggi più importanti della saga sviluppata da Santa Monica Studio.

Per prepararsi al ruolo di Kratos, l’attore aveva inoltre affrontato una lunga trasformazione fisica, mettendo circa 18 chili di massa muscolare e lavorando per mesi alle impegnative scene d’azione previste dalla serie.

Negli ultimi anni Hurst ha preso parte anche a produzioni come The Walking Dead, S.W.A.T. e The Mysterious Benedict Society, mentre sul grande schermo è ora in Odissea di Christopher Nolan.

Per Prime Video si tratta ora di una corsa contro il tempo. Sostituire il protagonista di una produzione già avviata rappresenta sempre un’operazione complessa, soprattutto quando il personaggio è iconico come Kratos.

La scelta del nuovo interprete sarà quindi uno dei passaggi più delicati nello sviluppo di una delle serie tratte da un videogioco più attese degli ultimi anni.

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Il dato è significativo non soltanto per le dimensioni, ma perché mostra quanto rapidamente la tecnologia sia entrata nel normale processo produttivo. Netflix ha citato interventi sulle folle digitali, sulle battaglie storiche, sulle inquadrature d’ambientazione e sulla costruzione di mondi che, con metodi tradizionali, sarebbero risultati più costosi o difficili da completare nei tempi previsti.

L’impiego dell’IA non riguarda un’unica fase. Gli strumenti possono intervenire nella progettazione, nella previsualizzazione, negli effetti visivi, nella continuità tra le inquadrature, nella correzione dell’illuminazione e nel lavoro finale sull’immagine.

Il co-CEO Ted Sarandos ha indicato come esempio The American Experiment, serie contenente circa 17 minuti di immagini elaborate con strumenti generativi. Secondo il dirigente, quel materiale sarebbe stato completato in metà tempo e con circa la metà dei costi rispetto alle alternative disponibili.

«Ci ha permesso di ampliare la portata della serie in modi che prima non sarebbero stati praticabili».

Sarandos ha inoltre sostenuto che, in assenza di queste tecnologie, alcune produzioni avrebbero rinunciato completamente alle sequenze più complesse per ragioni economiche o logistiche. L’IA, nella lettura di Netflix, non servirebbe quindi soltanto a spendere meno, ma a realizzare immagini che altrimenti non sarebbero entrate nel montaggio definitivo.

La strategia della piattaforma non si limita all’utilizzo occasionale di software esterni. Nel marzo 2026 Netflix ha acquisito InterPositive, società tecnologica fondata da Ben Affleck e specializzata in strumenti di intelligenza artificiale pensati per la produzione cinematografica.

La tecnologia di InterPositive lavora su elementi come continuità visiva, illuminazione, correzione del colore e problemi emersi durante le riprese. Netflix ha presentato l’operazione come un investimento in strumenti destinati ad affiancare i cineasti, non a sostituirne il lavoro creativo. Affleck è rimasto coinvolto come consulente senior.

È proprio qui, però, che la questione diventa più complessa. Operazioni un tempo affidate a squadre di artisti ed eseguite fotogramma per fotogramma possono ora essere parzialmente automatizzate. Il miglioramento dei tempi e dei costi rischia quindi di avere conseguenze dirette sul lavoro nella post-produzione e negli effetti visivi.

Da anni una parte del pubblico e della critica utilizza l’espressione “Netflix look” per descrivere l’aspetto di molte produzioni della piattaforma: immagini particolarmente pulite, illuminazione uniforme, movimenti fluidi, colori levigati e una post-produzione molto visibile.

È però importante distinguere i fatti dalle ipotesi. Netflix non ha dichiarato che l’IA sia responsabile di questa uniformità estetica, né ha pubblicato l’elenco completo dei 300 titoli interessati. Non è quindi possibile collegare automaticamente l’aspetto di una determinata serie o di un film all’impiego della GenAI.

Il “Netflix look” precede inoltre l’attuale diffusione degli strumenti generativi. Può dipendere da numerosi fattori: specifiche tecniche richieste dalla piattaforma, fotografia digitale, compressione dello streaming, color grading, tempi di lavorazione, formati destinati a schermi molto diversi e modelli produttivi condivisi.

L’IA potrebbe accentuare questa tendenza, soprattutto se utilizzata per uniformare luce, colori e continuità, ma al momento si tratta di una deduzione, non di una prova. Il rischio maggiore non è necessariamente che tutte le immagini vengano “create da un algoritmo”, quanto che gli stessi strumenti, applicati su centinaia di produzioni, favoriscano soluzioni visive sempre più simili.

Il dibattito sul “Netflix look” rischia comunque di nascondere una questione più importante. Sapere che circa 300 titoli hanno utilizzato l’intelligenza artificiale generativa dice molto sull’estensione del fenomeno, ma poco sulle modalità concrete.

Un intervento per moltiplicare una folla, correggere una luce incoerente o completare un’inquadratura mancante non equivale alla generazione di una scena completa. Senza maggiore trasparenza, tuttavia, il pubblico e i professionisti non possono sapere dove finisca l’assistenza tecnica e dove inizi una sostituzione più estesa del lavoro umano.

Netflix considera questi strumenti un modo per aumentare l’impatto di ogni dollaro investito. È una posizione comprensibile dal punto di vista industriale, soprattutto per produzioni che devono rispettare tempi e budget rigidi. Ma la stessa logica può spingere verso un cinema progettato sempre più in funzione dell’efficienza, dove la soluzione più rapida e meno costosa diventa automaticamente quella preferibile.

Il dato dei 300 titoli non dimostra che l’intelligenza artificiale abbia creato il “Netflix look”. Dimostra però che la tecnologia è già molto più presente di quanto lo spettatore possa percepire. La vera domanda non è più se verrà usata, ma quanto Netflix sarà disposta a raccontare del modo in cui sta cambiando le immagini che vediamo.

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La nuova Director’s Cut avrà una durata di 158 minuti, otto in più rispetto alla versione distribuita lo scorso anno. Tra le scene reintegrate dovrebbe esserci anche una sequenza di circa sette minuti che del Toro aveva deciso di eliminare su consiglio di James Cameron, oltre ad altri momenti tagliati durante il montaggio finale e citati dal regista negli ultimi mesi.

L’edizione, in uscita il 27 ottobre, sarà composta da quattro dischi in formato 4K UHD e Blu-ray e includerà numerosi contenuti speciali.

Tra gli extra figurano un nuovo commento audio di Guillermo del Toro, un ampio documentario sul making of, approfondimenti dedicati agli effetti, alla scenografia e al lavoro del cast, sessioni di domande e risposte moderate da Martin Scorsese e Patti Smith, oltre a un’intervista con il compositore Alexandre Desplat.

Si tratta della settima collaborazione tra Criterion e Guillermo del Toro, dopo le edizioni dedicate a Cronos, La spina del diavolo, Il labirinto del fauno, La forma dell’acqua, La fiera delle illusioni – Nightmare Alley e Pinocchio.

Prodotto da Netflix con un budget superiore ai 120 milioni di dollari, Frankenstein aveva debuttato con una distribuzione limitata nelle sale prima dell’arrivo in streaming, ottenendo nove candidature agli Oscar, tra cui Miglior film, Miglior attore non protagonista, Migliore sceneggiatura non originale e Migliore fotografia.

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Secondo quanto riportato da Deadline, TriStar Pictures, etichetta di Sony Pictures, ha acquisito i diritti cinematografici di Cartoon Cat con un accordo preventivo, evitando così una nuova guerra di offerte tra studios.

Il progetto è già considerato una priorità e TriStar starebbe cercando rapidamente il regista a cui affidare l’adattamento.

Creato da Trevor Henderson il 4 agosto 2018, Cartoon Cat è una delle figure più note del suo universo narrativo, insieme a Siren Head e Long Horse.

L’aspetto richiama quello dei personaggi animati degli anni Venti e Trenta: sorriso enorme, corpo elastico, guanti bianchi e una silhouette nera apparentemente innocua. Dietro quella maschera familiare, però, si nasconde qualcosa di molto più antico.

Henderson lo ha descritto come “qualcosa di molto vecchio, una fame vuota nascosta dietro un sorriso fuori moda”. Non si tratterebbe quindi di un semplice animale mostruoso, ma di un’entità cosmica che utilizza l’immaginario dei vecchi cartoni animati come passaggio per entrare nella nostra realtà.

Secondo la mitologia costruita dall’autore, Cartoon Cat può manifestarsi finché esistono persone in grado di riconoscere o ricordare quel linguaggio visivo. La memoria collettiva diventa così una sorta di varco dimensionale: più l’immagine è familiare, più la creatura trova spazio per assumere una forma fisica.

Cartoon Cat viene descritto come un parassita filtrato attraverso i vecchi media, capace di indossare la forma di una mascotte animata come se fosse un costume consumato.

Il gatto nero non sarebbe nemmeno il suo vero corpo, ma soltanto una manifestazione temporanea. Henderson ha spiegato che la creatura potrebbe aver assunto altre sembianze in passato e potrebbe adottarne di nuove in futuro, scegliendo forme riconoscibili come gatti, topi o cani perché sono tra le immagini più immediate associate ai cartoon per bambini.

Questa idea offre già una base molto più inquietante di quella di un comune mostro cinematografico. Cartoon Cat non imita semplicemente l’animazione: usa la cultura popolare come un involucro, trasformando qualcosa di rassicurante in un veicolo per entrare nel mondo reale.

Le sue capacità seguono la logica impossibile dei cartoni animati classici. Cartoon Cat può allungarsi, deformarsi, cambiare dimensioni e alterare la propria anatomia senza limiti apparenti.

È inoltre in grado di manipolare i suoni, attraversare dimensioni e piegare la realtà circostante. Alcune descrizioni suggeriscono che possa emergere direttamente da immagini bidimensionali, passando da una superficie disegnata al mondo fisico.

Questa libertà lo rende particolarmente difficile da contenere. Non è vincolato dalle leggi della fisica e può trasformare qualunque ambiente in uno spazio governato dalla cosiddetta cartoon physics, dove deformazioni assurde e violenza convivono senza conseguenze per la creatura.

Henderson lo ha inoltre indicato come uno degli esseri più potenti e malvagi del proprio mythos. A differenza di altre creature, Cartoon Cat sarebbe pienamente consapevole delle proprie azioni e commetterebbe atrocità per puro divertimento.

L’accordo con TriStar rappresenta il secondo importante risultato ottenuto dall’artista canadese nel giro di poche settimane.

Warner Bros. si era infatti assicurata i diritti di Siren Head al termine di una contesa tra cinque studios. Quel progetto sarà diretto da Brian Duffield, che firmerà la sceneggiatura insieme a Zach Cregger.

Il crescente interesse per Henderson conferma una tendenza ormai evidente: Hollywood guarda sempre più spesso alle proprietà intellettuali nate online, soprattutto dopo il successo di fenomeni come Backrooms di Kane Parsons e Iron Lung di Markiplier.

Proprio Markiplier fu tra i primi creator di grande richiamo a dare visibilità a Siren Head, contribuendo alla diffusione internazionale del lavoro di Henderson.

La produzione di Cartoon Cat sarà affidata a Roy Lee, Steven Schneider, Scott Glassgold, J. Todd Harris, Thomas Pettinelli e Marc Marcum.

Lee e Glassgold sono coinvolti anche nel film di Siren Head, un dettaglio che potrebbe contribuire a mantenere una certa coerenza produttiva tra i due adattamenti, pur appartenendo a studios differenti.

Nicole Brown e Malcolm Gray supervisioneranno invece lo sviluppo per TriStar. Sony conosce già il lavoro di Henderson, che aveva collaborato come concept artist a Tarot, prodotto da Screen Gems.

Cartoon Cat sembra particolarmente adatto al cinema perché nasce da un’idea visiva semplice ma ricca di possibilità: una figura infantile e nostalgica che usa proprio quella familiarità per ingannare le vittime.

La sfida sarà evitare che il film si limiti a trasformarlo in un comune slasher digitale. La mitologia originale offre molto di più: un’entità extradimensionale, una riflessione sulla memoria collettiva e un mostro capace di manipolare la realtà attraverso le regole dell’animazione.

Se TriStar riuscirà a preservare questi elementi, Cartoon Cat potrebbe diventare uno dei personaggi horror più originali della nuova stagione hollywoodiana. Non soltanto perché è nato online, ma perché trasforma la nostalgia per i vecchi cartoon in qualcosa di profondamente ostile.

Con Siren Head in sviluppo presso Warner Bros. e Cartoon Cat entrato nell’orbita Sony, Trevor Henderson sta rapidamente passando da illustratore di culto a creatore di un nuovo immaginario cinematografico.

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Per questo motivo le dichiarazioni di Andy Serkis su Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum erano particolarmente attese. L’attore e regista ha infatti confermato che il film utilizzerà l’intelligenza artificiale, ma soltanto in un ambito molto specifico.

Intervistato da Variety, Serkis ha spiegato che il machine learning verrà impiegato esclusivamente come supporto ai processi di de-aging, necessari per ringiovanire digitalmente alcuni personaggi che torneranno dalla trilogia originale.

“Al momento no, se non per una parte del ringiovanimento digitale. C’è un po’ di de-aging per alcuni personaggi e il machine learning fa parte di quel processo“, ha dichiarato il regista.

Serkis non ha rivelato quali protagonisti saranno interessati da questo intervento, ma considerato che il film si colloca cronologicamente tra gli eventi della trilogia cinematografica di Peter Jackson, è plausibile che diversi volti già noti debbano apparire più giovani rispetto agli attori che li interpreteranno oggi.

Secondo il regista, parlare di intelligenza artificiale come di qualcosa di completamente nuovo rischia però di essere fuorviante.

Serkis ha ricordato come già durante la lavorazione della trilogia de Il Signore degli Anelli Peter Jackson avesse utilizzato tecnologie all’epoca rivoluzionarie, citando in particolare MASSIVE, il software sviluppato per animare migliaia di orchi e soldati dotati di comportamenti autonomi durante le grandi battaglie.

“Se ci pensate, nei film originali Peter Jackson creò MASSIVE, un programma che permetteva a migliaia di orchi di avere una propria individualità. È stato uno straordinario esempio di utilizzo dell’intelligenza artificiale”, ha spiegato.

Anche se oggi il termine IA viene associato soprattutto ai sistemi generativi, il concetto di algoritmi in grado di simulare comportamenti complessi accompagna il cinema digitale da molti anni.

La parte più rassicurante per molti fan riguarda però il resto della produzione.

Serkis ha infatti escluso l’utilizzo dell’intelligenza artificiale per generare scene o sostituire il lavoro creativo della troupe.

“Non stiamo creando inquadrature con l’IA. Ogni scena del film viene realizzata in modo tradizionale. Una delle cose che desideravo davvero era riportare in primo piano tutte quelle grandi tecniche cinematografiche, dalle miniature ai prostetici, combinandole con gli strumenti moderni. È questo il tipo di cinema che amo”, ha spiegato.

Si tratta di una filosofia perfettamente in linea con quella che contribuì al successo della trilogia originale, dove effetti pratici, scenografie reali, modellini e CGI lavoravano insieme per dare vita a una Terra di Mezzo ancora oggi considerata un punto di riferimento nel fantasy cinematografico.

Negli ultimi mesi numerosi progetti hollywoodiani hanno alimentato il dibattito sull’impiego dell’intelligenza artificiale, soprattutto quando utilizzata per generare immagini o replicare volti e interpretazioni.

Serkis, che sarà coinvolto anche nel film Young Washington, ritiene invece che questa tecnologia possa rappresentare uno strumento utile, purché venga impiegata con responsabilità.

“Credo che l’intelligenza artificiale, come strumento creativo, sia preziosa finché non diventa uno strumento di sfruttamento, non danneggia le persone, non le diffama e non diffonde falsità”, ha affermato.

Per il momento, quindi, Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum sembra voler seguire la strada tracciata da Peter Jackson: sfruttare le innovazioni tecnologiche quando possono migliorare il risultato finale, senza rinunciare a quel mix di effetti pratici, prostetici e lavorazione artigianale che ha contribuito a rendere la Terra di Mezzo una delle ambientazioni più amate della storia del cinema.

Attualmente in produzione, Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum è atteso nelle sale il 17 dicembre 2027.

L'articolo Il Signore degli Anelli: The Hunt for Gollum userà l’IA, ma Andy Serkis rassicura i fan proviene da Il Cineocchio.

Il progetto nascerà sotto Paramount Primal, la nuova etichetta dello studio dedicata ai film di genere, e sarà realizzato in collaborazione con l’eredità del regista, rappresentata dalla vedova Iya Labunka e dal figlio Jonathan Craven, che produrranno il film insieme all’avvocato Marc Toberoff, protagonista della battaglia legale che ha consentito alla famiglia di riottenere i diritti dell’iconico film del 1984.

Per il momento Paramount non ha rivelato né il titolo ufficiale né il regista del progetto, ma ha confermato che la storia sarà ambientata nell’universo del primo Nightmare on Elm Street e prenderà direttamente spunto dalla sceneggiatura originale scritta da Wes Craven.

Questo significa che al centro del racconto tornerà inevitabilmente Freddy Krueger, il serial killer dal volto sfigurato e dal celebre guanto artigliato che dal 1984 è diventato una delle icone assolute del cinema horror.

Non è ancora chiaro se si tratterà di una nuova versione delle vicende originali, di un sequel ambientato nello stesso universo narrativo o di una reinterpretazione completamente inedita.

L’annuncio rappresenta un passaggio importante anche dal punto di vista creativo. Per la prima volta dopo molti anni, infatti, il nuovo capitolo verrà sviluppato con il coinvolgimento diretto della famiglia di Wes Craven.

“Jonathan e io siamo entusiasti di collaborare con Paramount Primal”, ha dichiarato Iya Labunka. “Non vediamo l’ora di portare il mondo di Nightmare on Elm Street a una nuova generazione di spettatori. Wes sarebbe stato felice di vedere come il cinema horror abbia finalmente conquistato il riconoscimento culturale che meritava“.

Il reboot sarà uno dei primi progetti prodotti da Paramount Primal, la nuova divisione dello studio guidata dai produttori J.D. Lifshitz e Raphael Margules, già dietro titoli horror come Barbarian, Weapons, Companion e Friendship.

L’obiettivo dell’etichetta è sviluppare film horror, fantascientifici, action e comedy dal budget contenuto ma con una forte identità autoriale, puntando sia su nuovi talenti sia su registi già affermati.

L’ultima apparizione cinematografica di Freddy Krueger risale al reboot del 2010 diretto da Samuel Bayer, con Jackie Earle Haley nel ruolo reso celebre da Robert Englund. Nonostante recensioni piuttosto negative, il film incassò oltre 117 milioni di dollari nel mondo a fronte di un budget di circa 35 milioni.

La saga, nata nel 1984 con il capolavoro di Wes Craven, comprende finora nove film, una serie televisiva, videogiochi e numerosi prodotti derivati, contribuendo a trasformare Freddy Krueger in uno dei volti più riconoscibili dell’horror moderno.

Al momento non è stata annunciata una data d’uscita e resta da capire chi raccoglierà l’eredità di Robert Englund, la cui interpretazione ha definito il personaggio per oltre venticinque anni. Una scelta che, inevitabilmente, sarà uno degli aspetti più delicati dell’intero progetto.

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La notizia è stata annunciata attraverso un comunicato pubblicato sul profilo Instagram ufficiale dell’interprete. La famiglia ha descritto la scomparsa come «improvvisa e inaspettata», senza rendere nota la causa della morte, precisando però che Neill era ancora libero dal tumore del sangue che gli era stato diagnosticato nel 2022.

«È con immensa tristezza che la whānau di Sam Neill annuncia la sua scomparsa, avvenuta lunedì 13 luglio a Sydney, in Australia. Sam era circondato dalla famiglia e se n’è andato con la dignità che ha caratterizzato tutta la sua vita.»

Nel messaggio, i familiari hanno inoltre ringraziato il personale del St Vincent’s Private Hospital per le cure ricevute e chiesto che la loro riservatezza venga rispettata durante il lutto.

«La perdita è stata improvvisa e inaspettata, ma siamo grati che Sam sia rimasto libero dal cancro. Ulteriori dettagli saranno condivisi in seguito; per ora chiediamo, a nome della famiglia, che venga rispettata la loro privacy mentre affrontano questa perdita incommensurabile.»

Dagli esordi in Nuova Zelanda al cinema internazionale

Nato nel 1947 a Omagh, nell’Irlanda del Nord, con il nome di Nigel John Dermot Neill, si trasferì in Nuova Zelanda con la famiglia nel 1954. Cominciò a farsi chiamare Sam durante l’adolescenza, anche per distinguersi dagli altri ragazzi di nome Nigel presenti nella sua scuola.

Dopo un anno di studi in legge, da lui stesso definito in seguito «catastrofico», scelse definitivamente la recitazione. Lavorò inizialmente in teatro a Wellington, entrando nella compagnia del Downstage Theatre, prima di ottenere alcune parti nelle produzioni televisive e cinematografiche locali.

La svolta arrivò con Sleeping Dogs del 1977, diretto da Roger Donaldson e ricordato come il primo film neozelandese distribuito negli Stati Uniti. Due anni dopo recitò accanto a Judy Davis in La mia brillante carriera di Gillian Armstrong, imponendosi come uno degli interpreti emergenti del cinema australasiano.

Da quel momento costruì una carriera estremamente varia, passando con naturalezza dal dramma romantico all’horror, dalla fantascienza al thriller politico e al grande cinema hollywoodiano.

Possession e l’incontro con il cinema più estremo

Nel 1981 Sam Neill interpretò Damien Thorn in Conflitto finale, terzo capitolo della saga de Il presagio. Nello stesso anno affrontò uno dei ruoli più difficili e memorabili della sua carriera in Possession di Andrzej Żuławski.

Nel film, diventato nel tempo un autentico cult, Neill interpreta Mark, un uomo che assiste alla disintegrazione del proprio matrimonio e precipita insieme alla moglie Anna, interpretata da Isabelle Adjani, in un incubo di gelosia, violenza e orrore corporeo.

La sua interpretazione nervosa, febbrile e progressivamente fuori controllo dimostrò molto presto che Neill non era soltanto un elegante protagonista romantico. Era un attore disposto a esporsi, deformarsi e attraversare territori emotivi estremi senza cercare di rendere il proprio personaggio necessariamente rassicurante.

Negli anni successivi lavorò in produzioni come Ivanhoe, la miniserie Reilly, l’asso delle spie, Un grido nella notte con Meryl Streep e Caccia a Ottobre Rosso, nel quale interpretò il comandante sovietico Vasilij Borodin.

Il 1993 e la consacrazione con Jurassic Park e Lezioni di piano

Il 1993 segnò il momento decisivo della sua carriera internazionale. Nello stesso anno Neill apparve in due film molto diversi, entrambi destinati a diventare fondamentali nella storia del cinema.

In Lezioni di Piano di Jane Campion interpretò Alisdair Stewart, proprietario terriero neozelandese e marito della protagonista Ada, interpretata da Holly Hunter. Neill costruì un uomo rigido, possessivo e incapace di comprendere davvero la donna che ha sposato, evitando tuttavia di ridurlo a una figura semplicemente mostruosa.

Pochi mesi dopo divenne uno dei volti più riconoscibili del cinema degli anni Novanta grazie al ruolo del paleontologo Alan Grant in Jurassic Park di Steven Spielberg.

Il personaggio era stato inizialmente proposto a Harrison Ford, ma fu Neill a trasformarlo in uno scienziato credibile, pragmatico e ironicamente insofferente verso i bambini, capace di esprimere insieme meraviglia e terrore davanti ai dinosauri riportati in vita.

La reazione di Grant alla prima apparizione del brachiosauro è diventata una delle immagini simbolo del cinema spettacolare moderno. Lo stupore del personaggio accompagna quello dello spettatore e rende credibile una rivoluzione tecnica che, senza una risposta autenticamente umana, avrebbe rischiato di ridursi a semplice dimostrazione di effetti visivi.

Neill tornò a interpretare Alan Grant in Jurassic Park III nel 2001 e, più di vent’anni dopo, in Jurassic World – Il dominio, che lo riunì a Laura Dern e Jeff Goldblum.

Dall’orrore cosmico di Carpenter a Punto di non ritorno

La popolarità conquistata con Spielberg non lo spinse ad abbandonare il cinema di genere più inquieto. Nel 1994 fu protagonista di Il seme della follia di John Carpenter, dove interpretò l’investigatore assicurativo John Trent.

Il film, costruito tra orrore lovecraftiano, crisi dell’identità e dissoluzione della realtà, offrì a Neill uno dei suoi personaggi più riusciti: un razionalista convinto di poter spiegare ogni cosa, costretto gradualmente ad accettare di essere parte di una narrazione più grande di lui.

Nel 1997 affrontò nuovamente l’orrore fantascientifico in Punto di non ritorno, nel ruolo del dottor William Weir, creatore di una nave spaziale tornata da una dimensione infernale. Anche in questo caso seppe trasformare un personaggio apparentemente controllato in una presenza sempre più disturbante, fino a diventare il volto stesso dell’incubo.

Tra gli altri titoli della sua filmografia figurano Ore 10: calma piatta, L’uomo che sussurrava ai cavalli, L’uomo bicentenario, The Dish, Daybreakers – L’ultimo vampiro, Escape Plan – Fuga dall’inferno e Peter Rabbit.

Sam Neill in Peaky Blinders e in televisione

La sua carriera televisiva fu altrettanto ricca. Dopo la candidatura al Golden Globe ottenuta per la miniserie del 1983 Reilly, l’asso delle spie, Neill apparve in produzioni come I Tudors, Merlin e The Twelve.

Uno dei suoi ruoli televisivi più popolari fu quello del maggiore Chester Campbell in Peaky Blinders. Funzionario corrotto, violento e ossessionato dal controllo, Campbell divenne uno dei primi grandi avversari di Tommy Shelby.

Neill gli conferì un’autorità minacciosa senza rinunciare alle contraddizioni del personaggio: dietro l’uomo di legge si nascondevano desiderio, ipocrisia e una crescente incapacità di dominare le proprie ossessioni.

Prestò inoltre la voce a personaggi di I Simpson e Rick and Morty, dimostrando anche sul piccolo schermo la stessa disponibilità a muoversi tra registri e generi molto differenti.

La rinascita con Hunt for the Wilderpeople

Nel 2016 Sam Neill conquistò una nuova generazione di spettatori con Selvaggi in fuga di Taika Waititi. Nel film interpreta Hector, un uomo burbero e solitario costretto a fuggire nella natura selvaggia neozelandese insieme al giovane Ricky.

Il ruolo sfruttava perfettamente il suo umorismo asciutto, la capacità di apparire scontroso senza perdere tenerezza e quella naturale autorevolezza che gli permetteva di comunicare molto anche con pochissime parole.

La collaborazione con Waititi proseguì con brevi apparizioni in Thor: Ragnarok e Thor: Love and Thunder, nei quali interpretava ironicamente un attore asgardiano incaricato di impersonare Odino nelle rappresentazioni teatrali organizzate da Loki.

La malattia e le parole sulla morte

Nel libro autobiografico Did I Ever Tell You This?, pubblicato nel 2023, Neill rivelò di aver ricevuto l’anno precedente una diagnosi di linfoma angioimmunoblastico a cellule T al terzo stadio, una rara forma di tumore del sangue.

Dopo che la chemioterapia aveva smesso di funzionare, l’attore si sottopose a ulteriori trattamenti e a una terapia sperimentale. Nell’aprile 2026 aveva annunciato di essere libero dal cancro.

Durante un’intervista concessa al Guardian</em nel 2023, aveva parlato della possibilità della morte con la consueta ironia:

«Non ho paura di morire, ma mi darebbe fastidio.»

Neill aveva spiegato di desiderare ancora tempo per vedere crescere gli alberi piantati nella propria tenuta e soprattutto i nipoti:

«Mi piacerebbe avere altri dieci o vent’anni. Abbiamo costruito queste bellissime terrazze, abbiamo gli ulivi e i cipressi e vorrei essere qui per vederli maturare. E ho i miei meravigliosi nipotini: vorrei vederli diventare grandi. Ma quanto al morire, non potrebbe importarmene di meno.»

La famiglia ha chiarito che la sua morte è stata improvvisa e che Neill era ancora libero dal tumore. Al momento dell’annuncio non è stata comunicata una causa precisa.

Il vigneto, gli animali e l’umorismo fuori dal set

Lontano dal cinema, Sam Neill viveva tra l’Australia e la Nuova Zelanda e dedicava una parte importante del proprio tempo a Two Paddocks, la tenuta vinicola situata nella regione di Central Otago.

Descriveva il vigneto come un’attività enormemente dispendiosa in termini di tempo e denaro, ma anche troppo soddisfacente e divertente per potervi rinunciare.

La sua ironia emergeva anche nei nomi scelti per gli animali della proprietà, spesso ispirati ad amici e colleghi: tra questi figuravano una gallina chiamata Laura Dern, un’anatra chiamata Kylie Minogue e una mucca battezzata Helena Bonham Carter.

Negli ultimi anni aveva utilizzato frequentemente i social per condividere immagini della vita in campagna, riflessioni sul lavoro e video caratterizzati da un umorismo discreto e autoironico, contribuendo a far conoscere al pubblico un volto molto diverso da quello dei suoi personaggi più severi.

Gli omaggi della Nuova Zelanda e dell’Australia

Il primo ministro neozelandese Christopher Luxon ha ricordato Sam Neill come uno dei grandi protagonisti culturali del Paese, sottolineando il suo ruolo nella crescita dell’industria cinematografica nazionale:

«Ha iniziato quando in questo Paese esisteva appena un’industria cinematografica. Per oltre cinquant’anni ha portato le storie della Nuova Zelanda nel mondo e il suo talento ha contribuito a rendere il nostro cinema ciò che è oggi: una delle nostre più grandi esportazioni culturali. Il suo lavoro continuerà a essere visto e amato molto dopo di noi.»

Anche il primo ministro australiano Anthony Albanese gli ha reso omaggio:

«Sam Neill ha recitato in tante storie australiane amate dal pubblico e si è guadagnato un posto speciale nel cuore degli australiani. Ironico e asciutto, riflessivo e laconico, Sam ha affrontato la malattia con la stessa dignità, lo stesso umorismo e la stessa convinzione che davano forza a ogni sua interpretazione. Sarà profondamente compianto e ricordato a lungo.»

La scrittrice Kathy Lette lo ha descritto come un uomo affascinante, gentile, intelligente e meravigliosamente autoironico. L’attore David Wenham lo ha ricordato invece come un amico generoso, dispettoso e sempre pronto a sostenere chi gli stava vicino.

Oltre 150 ruoli in cinquant’anni di carriera

Sam Neill ha accumulato oltre 150 crediti tra cinema e televisione, attraversando più di cinque decenni senza lasciarsi imprigionare da un solo genere o da una precisa immagine.

Fu protagonista romantico, agente segreto, scienziato, contadino, uomo politico, prete, villain, investigatore e perfino incarnazione dell’Anticristo. Nel 1986 sostenne anche un provino per interpretare James Bond dopo Roger Moore, ma il ruolo venne infine assegnato a Timothy Dalton.

Nel 1991 fu nominato Ufficiale dell’Ordine dell’Impero Britannico per i servizi resi alla recitazione. Nel 2007 ricevette l’onorificenza di Distinguished Companion dell’Ordine al merito della Nuova Zelanda e nel 2022 accettò il titolo di cavaliere.

Gli sopravvivono quattro figli e otto nipoti.

L’eredità di Sam Neill

Per milioni di spettatori Sam Neill resterà inevitabilmente il dottor Alan Grant, l’uomo che si toglie gli occhiali davanti a un dinosauro vivo, incapace di nascondere la meraviglia. Ma ridurre la sua carriera a Jurassic Park significherebbe ignorare gran parte di ciò che lo ha reso un interprete così prezioso.

Neill poteva incarnare la rispettabilità e lasciarne affiorare lentamente la violenza. Poteva essere rassicurante senza diventare prevedibile, minaccioso senza bisogno di alzare la voce e ironico senza cercare continuamente la battuta.

Da Possession a Il seme della follia, da Lezioni di piano a Selvaggi in fuga, i suoi personaggi erano spesso uomini apparentemente solidi che nascondevano crepe, fragilità o zone oscure. Anche nei blockbuster riusciva a evitare la posa della star, mantenendo quella concretezza che rendeva credibile perfino l’incontro con creature estinte da milioni di anni.

Sam Neill lascia una filmografia vastissima, attraversata con eleganza, curiosità e una rara assenza di vanità. È stato uno dei volti più familiari del cinema contemporaneo, ma anche uno di quegli attori capaci di scomparire davvero dentro un ruolo. Il suo lavoro continuerà a vivere tanto nei grandi film che hanno segnato generazioni di spettatori quanto nelle interpretazioni meno celebri, nelle quali la sua intelligenza e la sua discrezione emergevano forse ancora più chiaramente.

Fonti: comunicato della famiglia pubblicato sul profilo Instagram ufficiale di Sam Neill; Reuters; The Guardian; dichiarazioni pubbliche di Christopher Luxon e Anthony Albanese; autobiografia Did I Ever Tell You This?.

Il post della famiglia:

 

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Tra i soggetti che avrebbero avviato i primi colloqui figurerebbero anche il fondo di private equity TPG e l’imprenditore e investitore Alexis Ohanian, cofondatore di Reddit.

Secondo quanto riportato da Puck, nelle ultime settimane sarebbero iniziate le prime discussioni esplorative per valutare un’eventuale acquisizione della piattaforma.

Attualmente Letterboxd è controllata al 60% dalla holding canadese Tiny, che ha acquisito la quota di maggioranza nel 2023. Il restante 40% appartiene ancora ai fondatori Matthew Buchanan e Karl von Randow.

L’operazione, se dovesse concretizzarsi, valuterebbe la società intorno ai 250 milioni di dollari.

Nata come semplice diario digitale per gli appassionati di cinema, Letterboxd è cresciuta enormemente durante gli anni della pandemia, trasformandosi in uno dei principali punti d’incontro della community cinefila internazionale.

Nel giugno 2026 la piattaforma ha superato i 30 milioni di utenti registrati, dopo aver aggiunto circa 10 milioni di nuovi iscritti nell’arco degli ultimi dodici mesi.

Oltre a consentire di recensire film, creare liste personali e seguire altri utenti, Letterboxd è ormai considerata uno degli strumenti più influenti nel generare passaparola e discussioni sulle nuove uscite cinematografiche.

Proprio questo è l’aspetto che sta facendo discutere maggiormente.

Se ad acquistare Letterboxd fosse realmente uno studio cinematografico o una piattaforma di streaming, inevitabilmente si aprirebbe il dibattito sull’indipendenza del servizio.

Pur non esistendo alcuna indicazione che un eventuale proprietario possa intervenire sulle recensioni degli utenti o sugli algoritmi della piattaforma, il semplice fatto che uno dei principali produttori e distributori di film controlli uno dei luoghi più influenti della conversazione cinematografica potrebbe essere percepito come un potenziale conflitto d’interessi.

È anche per questo motivo che, almeno per ora, la notizia viene osservata con cautela dalla comunità di Letterboxd.

Al momento nessuna delle aziende coinvolte ha confermato pubblicamente l’esistenza di trattative o di un accordo imminente.

Si tratterebbe quindi di una fase preliminare, nella quale diversi soggetti starebbero semplicemente valutando la possibilità di acquisire la piattaforma.

Se la vendita dovesse davvero andare in porto, rappresenterebbe una delle operazioni più importanti degli ultimi anni nel settore dei servizi dedicati ai cinefili e potrebbe cambiare profondamente il futuro di Letterboxd, oggi considerata da molti l’equivalente di un social network per chi ama il cinema.

L'articolo Netflix vuole comprare Letterboxd? La piattaforma dei cinefili sarebbe in vendita proviene da Il Cineocchio.

La notizia non equivale però a una cancellazione definitiva. Il progetto potrebbe essere rielaborato in futuro con un altro sceneggiatore e un’impostazione differente, più vicina alla direzione cercata dalla rete.

Al momento, è importante precisarlo, HBO e DC Studios non hanno comunicato ufficialmente né lo stop né l’eventuale ripartenza della serie. L’aggiornamento proviene da alcune fonti citate dall’insider Jeff Sneider nella sua newsletter The InSneider.

Secondo la ricostruzione, Pete Jackson avrebbe consegnato una versione di V per Vendetta caratterizzata da un’impostazione storica. HBO, invece, sarebbe interessata a esplorare una lettura più contemporanea del protagonista e della sua battaglia contro il potere autoritario.

“Mi è stato riferito che HBO ha respinto la sceneggiatura di Jackson. Una fonte ha spiegato che l’autore aveva consegnato una versione di ambientazione storica, mentre HBO era interessata a capire come potesse apparire oggi una lettura più moderna di un anarchico politico.”

Non è chiaro quanto la proposta si allontanasse dall’ambientazione distopica del fumetto originale, né quali elementi HBO desideri aggiornare. Il nodo sembrerebbe comunque riguardare soprattutto l’approccio politico e temporale, non la volontà di rinunciare completamente alla proprietà.

Un’altra fonte interna a HBO avrebbe infatti precisato che la bocciatura di questa sceneggiatura non impedisce alla rete di riprendere il progetto più avanti, coinvolgendo un nuovo autore.

“Il fatto che la rete non stia procedendo con la versione di Jackson non significa che una serie di V per Vendetta non possa essere rielaborata in futuro con un altro sceneggiatore.”

La situazione appare quindi più simile a un ritorno alla fase iniziale dello sviluppo che a una cancellazione vera e propria. La versione preparata da Jackson non avrebbe convinto, ma HBO e DC Studios potrebbero continuare a cercare una chiave narrativa capace di rendere nuovamente attuale la storia.

Naturalmente, ripartire con un altro autore significherebbe allungare notevolmente i tempi. Non erano ancora stati annunciati interpreti, registi o una possibile finestra di uscita, e il progetto si trovava comunque in una fase preliminare.

Quando lo sviluppo della serie era emerso nel novembre 2025, James Gunn e Peter Safran figuravano come produttori esecutivi attraverso DC Studios. Accanto a loro erano stati indicati anche Ben Stephenson per Poison Pen e Leanne Klein di Wall to Wall Media, società appartenente a Warner Bros. Television Studios UK.

Non è stato chiarito se questo assetto produttivo rimarrà invariato in caso di ripartenza. La serie sembrava comunque pensata come una produzione autonoma rispetto alla continuità principale del nuovo DC Universe, seguendo il modello delle opere DC classificate come storie indipendenti.

Un adattamento di V per Vendetta avrebbe del resto caratteristiche molto diverse dai tradizionali progetti supereroistici. Al centro non ci sono poteri sovrumani o battaglie cosmiche, ma propaganda, sorveglianza, autoritarismo, terrorismo, libertà individuale e resistenza politica.

Pubblicato inizialmente negli anni Ottanta, V per Vendetta è ambientato in una Gran Bretagna distopica sottoposta al controllo del partito fascista Norsefire. Il Paese è governato attraverso la paura, la censura, la sorveglianza e la repressione di ogni forma di dissenso.

A opporsi al regime è V, misterioso rivoluzionario anarchico che nasconde il volto dietro una maschera ispirata a Guy Fawkes. Durante la sua campagna contro il governo incontra la giovane Evey Hammond, trascinandola in un percorso che cambierà profondamente il suo rapporto con la paura, la libertà e l’identità.

Proprio la natura politica dell’opera rende particolarmente delicata la scelta dell’approccio. Trasportare la vicenda in un contesto contemporaneo potrebbe accentuarne l’attualità, ma rischierebbe anche di modificare il significato dell’anarchismo di V e il rapporto del fumetto con la Gran Bretagna dell’epoca in cui fu scritto.

Il fumetto era già stato portato al cinema nel film diretto da James McTeigue e scritto dalle Wachowski. Uscito tra il 2005 e il 2006 a seconda dei mercati, il lungometraggio vedeva Hugo Weaving nei panni di V e Natalie Portman in quelli di Evey Hammond.

La pellicola incassò oltre 134 milioni di dollari nel mondo e contribuì a trasformare la maschera di Guy Fawkes in un simbolo riconoscibile ben oltre i confini del cinema e del fumetto.

Il film tornerà inoltre nelle sale il 5 novembre 2026 per celebrare il ventesimo anniversario, offrendo al pubblico l’occasione di riscoprirlo sul grande schermo mentre il futuro della nuova serie HBO rimane ancora incerto.

Il prossimo passo dipenderà dalla volontà di HBO e DC Studios di cercare una nuova voce creativa. Qualora il progetto venisse rielaborato, potrebbe ripartire da zero con una sceneggiatura più moderna, una diversa ambientazione o una lettura politica maggiormente legata al presente.

Per ora, dunque, la serie di V per Vendetta non può essere considerata ufficialmente cancellata, ma nemmeno vicina alla produzione. La prima versione non avrebbe superato il vaglio della rete e il progetto è tornato in una zona di incertezza nella quale molti adattamenti rimangono bloccati anche per anni.

La porta non è stata chiusa, ma prima che V possa tornare sullo schermo HBO dovrà trovare un nuovo autore e, soprattutto, una visione capace di rendere contemporanea la sua rivoluzione senza svuotarla del significato politico originale.

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Perché i film sul poker coinvolgono il pubblico

Al tavolo conta il tempismo, e al cinema vale lo stesso: lo spettatore segue scelte rapide e ne aspetta le conseguenze, finché non si ritrova dentro la partita. È la stessa testa che serve quando si confrontano offerte come i bonus senza deposito su siti come Slotozilla: si pesano rischi e vantaggi prima di decidere.

Un po’ tutti amano questo genere di film per varie ragioni. Alcune delle principali sono:

• La suspense: ogni decisione cambia il finale della mano.
• Il bluff: mentire bene vale quanto avere le carte giuste.
• La sfida: si vince o si perde per come si gioca, non per fortuna.
• I personaggi: è facile prendere le parti di qualcuno.

I film sul poker Texas Hold’em funzionano sempre perché mettono sul piatto una serie di elementi. Rischio e ambizione sono al centro delle storie.

I migliori film sul poker di tutti i tempi

Il fascino dei film sul poker suscita interesse in tutti, soprattutto in chi apprezza le ambientazioni in stile casinò. Queste pellicole sono ricche di colpi di scena. I migliori film sul poker prestano anche attenzione alla psicologia dei giocatori.

The Cincinnati Kid (1965)

IMDb: 7.2

Cast: Steve McQueen, Edward G. Robinson, Ann-Margret

Steve McQueen è “the Kid”, giovane e ambizioso. Edward G. Robinson è Lancey, il vecchio maestro che non perde mai. Tra i due si gioca una partita sola, lunga e spietata, che ancora oggi i giocatori citano come il duello da battere.

Maverick (1994)

IMDb: 7.0

Cast: Mel Gibson, Jodie Foster, James Garner

Bret Maverick bara. Con classe, ma bara. Gli manca la quota per entrare in un grande torneo sul battello, e passa mezzo film a rimediarla in ogni modo. Più western ironico che film di carte: funziona anche se del poker non t’importa nulla.

Casino (1995)

IMDb: 8.2

Cast: Robert De Niro, Sharon Stone, Joe Pesci

Scorsese filma Las Vegas come una macchina perfetta, costruita per non sbagliare un colpo. Poi la guarda incepparsi. Ace Rothstein la governa, Nicky Santoro la fa saltare in aria. Di poker quasi niente, ma è il ritratto più lucido di come gira davvero quel mondo.

Il giocatore – Rounders (1998)

IMDb: 7.3

Cast: Matt Damon, Edward Norton, John Malkovich

Mike McDermott studia legge, ma la sua testa è ai tavoli. Quando il vecchio amico Worm esce di galera pieno di debiti, Mike rientra nel giro per salvarlo. Tra una mano e l’altra c’è Teddy KGB, un Malkovich con accento russo e gli Oreo in mano. Per molti è ancora il film più vero sul Texas Hold’em.

Ocean’s Eleven (2001)

IMDb: 7.7

Cast: George Clooney, Brad Pitt, Julia Roberts, Matt Damon, Andy Garcia

Undici uomini, tre casinò, una sera sola. Danny Ocean vuole svaligiare le casseforti di Terry Benedict proprio durante un grande incontro di boxe. Battute, stile, un cast che è metà Hollywood: da qui in poi i film da rapina hanno copiato tutti.

Casino Royale (2006)

IMDb: 8.0

Cast: Daniel Craig, Mads Mikkelsen, Eva Green

Bond si gioca la partita più importante della sua carriera, finché un imprevisto rischia di rovinare tutto. Tra i film a tema casinò che hanno incassato di più.

21 (2008)

IMDb: 6.8

Cast: Jim Sturgess, Kevin Spacey, Kate Bosworth

Un gruppo di studenti del MIT impara a battere il banco al blackjack e porta a casa milioni. Sulla carta è blackjack, ma il nervosismo al tavolo è identico a quello delle grandi mani di poker.

The Hangover – Una notte da leoni (2009)

IMDb: 7.7

Cast: Bradley Cooper, Zach Galifianakis, Ed Helms

A poche ore dalle nozze, un addio al celibato a Las Vegas finisce nel caos: niente ricordi e niente sposo. La scena al tavolo del casinò è entrata di diritto nei momenti cult.

Molly’s Game (2017)

IMDb: 7.4

Cast: Jessica Chastain, Idris Elba

La storia vera di Molly Bloom, che per anni ha organizzato partite clandestine per ricchi e famosi. Dialoghi serrati e uno sguardo dall’interno sul gioco a posta altissima.

The Card Counter – Il collezionista di carte (2021)

IMDb: 6.2

Cast: Oscar Isaac, Willem Dafoe

William Tell conta le carte e dorme in motel anonimi. Ha imparato il gioco in prigione, dopo Abu Ghraib, e gira i casinò per non pensare. Niente colpi di scena scintillanti qui: solo un uomo, le sue colpe e un tavolo. Paul Schrader lo filma cupo, lento, lontano da tutti gli altri film del genere.

Conclusione

Dal 1965 di The Cincinnati Kid al 2021 di The Card Counter passano quasi sessant’anni. Cambia tutto: il bianco e nero, i toni, gli attori. Resta una cosa sola: in questi film il poker è una scusa per parlare di teste, nervi e carattere.

Certi titoli non lasciano mai il tavolo. Altri usano il casinò come sfondo, e ci costruiscono sopra una rapina, una commedia o una storia di spie. C’è il classico da rivedere per l’atmosfera e il film recente dal taglio più crudo. Un’ultima cosa, pratica: i cataloghi delle piattaforme cambiano spesso, quindi controllate dove trovarlo poco prima di guardarlo.

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Secondo quanto riportato da The Playlist, il direttore della fotografia Robert Richardson, coinvolto nella produzione, ha dichiarato che il film è ormai “di fatto morto”.

Già lo scorso mese era emerso che Netflix aveva sospeso la pre-produzione del film, inizialmente previsto per un’estate di riprese in Italia. Alla base della decisione ci sarebbero state preoccupazioni legate ai costi, che secondo diverse indiscrezioni avrebbero superato i 200 milioni di dollari.

Ora le parole di Richardson sembrano confermare che quella pausa difficilmente sarà temporanea.

Il progetto avrebbe rappresentato la sesta collaborazione tra Antoine Fuqua e Denzel Washington, dopo film come Training Day, I magnifici 7 e la trilogia di The Equalizer.

La sceneggiatura era stata affidata a John Logan, autore di Il gladiatore, The Aviator, Sweeney Todd e Skyfall, mentre secondo precedenti indiscrezioni anche Hans Zimmer avrebbe dovuto firmarne la colonna sonora.

Al momento Netflix non ha annunciato ufficialmente la cancellazione del film. Tuttavia, considerando le dichiarazioni di Richardson e il precedente stop alla lavorazione, il progetto appare oggi fortemente compromesso.

Per Antoine Fuqua potrebbe quindi aprirsi la strada verso altri lavori. Il regista arriva dal successo di Michael, attualmente il film live action con i maggiori incassi del 2026, mentre Denzel Washington resta impegnato con Here Comes the Flood di Fernando Meirelles e viene ancora accostato, secondo indiscrezioni, a un possibile ruolo in Black Panther 3.

Salvo clamorosi cambi di programma, il kolossal dedicato ad Annibale Barca sembra dunque destinato a non vedere mai la luce, nonostante un cast creativo di altissimo livello e ambizioni produttive enormi.

L'articolo Niente Annibale per Denzel Washington: il film Netflix sarebbe “di fatto morto” proviene da Il Cineocchio.

Il passaggio a metodi di pagamento alternativi sta prendendo piede tra gli amanti del cinema che desiderano una maggiore sicurezza nelle loro scelte di streaming. Usare una Netflix gift card permette di mantenere privati i propri dati finanziari reali, evitando che le informazioni bancarie effettive vengano divulgate durante i cicli di fatturazione o in caso di potenziali violazioni. Non si tratta solo di tranquillità, ma di aggiungere un ulteriore livello di separazione tra i servizi in abbonamento e il proprio portafoglio.

In che modo le carte regalo digitali creano un “buffer”

La maggior parte delle persone si chiede: come funzionano le carte regalo digitali? Le carte regalo digitali funzionano inviando un codice unico riscattabile all’acquirente, o al destinatario, che viene inserito direttamente sulla piattaforma di streaming o sul servizio pertinente. Nei marketplace digitali come Eneba, il processo è quasi immediato e include fin dall’inizio la chiarezza della regione, rendendo facile abbinare la carta regalo all’account corretto, senza sorprese.

Questo “buffer” aggiuntivo può essere particolarmente rassicurante se si condivide l’accesso con la famiglia. Anziché preoccuparti di spendere troppo per errore o di esporre il tuo account principale, potrai ricaricare solo ciò che hai intenzione di spendere.

Riprendere il controllo senza rinunciare all’accesso

Le carte regalo ribaltano il tipico sistema di abbonamento, offrendo agli abbonati una pausa naturale nella spesa. Non c’è alcun rinnovo automatico nascosto che addebita dal tuo conto; sei tu a decidere quando e quanto caricare. Anche nel caso in cui le credenziali dovessero essere compromesse, gli intrusi non potrebbero risalire alla tua linea di credito. Per chi viaggia spesso o si sposta tra diversi paesi, questa flessibilità è un vero salvagente in quanto permette di accedere all’intrattenimento mentre si è in viaggio senza dover lottare con le restrizioni regionali delle carte.

La curiosità verso questo approccio sta crescendo, soprattutto quando si sente parlare di grandi violazioni dei dati. Nonostante la maggior parte delle persone pensi solo alla comodità, emerge un vantaggio secondario: le carte regalo digitali consentono agli utenti di personalizzare la privacy e il budget con pochissimo sforzo.

Intrattenimento e sicurezza, senza compromessi

Il settore dello streaming è affollato, ma pochissime opzioni offrono una netta separazione tra accesso e rischio per l’account. Con le carte fisiche, spesso è necessario recarsi in negozio o si corre il rischio di perderle, mentre le opzioni digitali eliminano questi problemi pur rimanendo altrettanto versatili. È un approccio che si adatta sia agli spettatori cauti che a chi ama le maratone improvvisate: si carica ciò che si desidera e si rimane invisibile agli hacker.

Questo cambiamento verso uno streaming attento alla privacy è già visibile su piattaforme come Eneba, dove gli appassionati di cinema possono accedere rapidamente a carte regalo compatibili a livello regionale, inviando intrattenimento, non i dati privati delle loro carte, attraverso Internet.

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Ogni capitolo di Persona segue un gruppo di studenti che, dopo aver risvegliato il potere delle proprie “Persona” – manifestazioni soprannaturali della loro psiche – si ritrova a combattere creature oscure in realtà parallele, affrontando al tempo stesso misteri, traumi e conflitti interiori. È proprio questo mix di fantasy, horror psicologico e racconto di formazione ad aver reso la serie un fenomeno mondiale.

Il progetto riunirebbe Netflix con 21 Laps, la casa di produzione di Stranger Things, che parteciperà allo sviluppo insieme a Story Kitchen, società ormai specializzata nelle trasposizioni di videogiochi.

Alla guida della serie ci sarebbe Christopher Monfette, già autore di 12 Monkeys, Star Trek: Picard e attualmente impegnato anche su VisionQuest dei Marvel Studios. Monfette ricoprirà il ruolo di showrunner, sceneggiatore e produttore esecutivo.

Tra i produttori figurano anche Shawn Levy, Dan Levine e Robert Atwood per 21 Laps, oltre a Toru Nakahara in rappresentanza di SEGA.

Il dettaglio più importante resta però ancora avvolto nel mistero. Netflix non ha infatti rivelato quale capitolo della saga verrà adattato. La serie potrebbe raccontare gli eventi di Persona 3, Persona 4, Persona 5 oppure proporre una storia completamente originale ambientata nello stesso universo.

Si tratta di una scelta particolarmente delicata, considerando che il franchise, nato nel 1996, conta cinque capitoli principali, numerosi spin-off e remake, ognuno con protagonisti, ambientazioni e meccaniche narrative differenti.

Il momento appare inoltre favorevole per la serie. Dopo il successo internazionale di Persona 5, il franchise continua a espandersi con Persona 5: The Phantom X, mentre Persona 6 è stato ufficialmente annunciato e Persona 4 Revival arriverà nel 2027.

Per ora non sono stati annunciati cast, data d’inizio delle riprese o finestra d’uscita. Tuttavia, il coinvolgimento del team creativo dietro Stranger Things conferma come Netflix continui a considerare gli adattamenti videoludici uno dei pilastri della propria strategia, dopo produzioni come Arcane, Cyberpunk: Edgerunners, Devil May Cry e Tomb Raider: The Legend of Lara Croft.

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Secondo Deadline, il progetto sarà prodotto da United Artists insieme ad Amblin Entertainment, la storica casa di produzione fondata da Steven Spielberg.

A dirigere il film sarà lo stesso Alex Kister, creatore della serie originale, che firmerà anche la sceneggiatura insieme a Tyler Clifton. Una scelta che lascia intendere la volontà di preservare l’identità dell’opera nata sul web.

Lanciata su YouTube nel 2021, The Mandela Catalogue è diventata una delle opere più importanti dell’analog horror, un sottogenere che racconta storie inquietanti attraverso vecchie trasmissioni televisive, videocassette, messaggi di emergenza e filmati apparentemente amatoriali.

La serie ha superato le 100 milioni di visualizzazioni ed è considerata uno dei titoli che hanno definito il genere insieme a Local 58 e The Backrooms.

La storia è ambientata nella fittizia Mandela County, nel Wisconsin, dove misteriose entità chiamate Alternates assumono le sembianze degli esseri umani per manipolarli psicologicamente fino a portarli all’autodistruzione.

Più che affidarsi ai classici jump scare, The Mandela Catalogue costruisce la tensione attraverso immagini disturbanti, trasmissioni alterate e un senso costante di paranoia, elementi che ne hanno fatto uno dei fenomeni horror più influenti degli ultimi anni.

L’operazione conferma una tendenza sempre più evidente: Hollywood sta trasformando i grandi fenomeni horror nati su internet in produzioni cinematografiche. Dopo Slender Man, il film di Backrooms, il recente annuncio dedicato a Siren Head e ora The Mandela Catalogue, gli studios sembrano aver individuato nel web una nuova fonte di proprietà intellettuali già amate da milioni di spettatori.

Resta da capire se anche sul grande schermo questi progetti riusciranno a conservare quell’atmosfera inquietante e minimale che li ha resi celebri online. La presenza di Alex Kister alla regia potrebbe però rappresentare una garanzia importante per i fan della serie.

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Intervistato da Josh Horowitz, McBride ha spiegato di essere particolarmente soddisfatto del risultato raggiunto.

“Ho scritto la sceneggiatura. Ne sono davvero entusiasta. Anche Paramount sembra esserlo e speriamo di iniziare a girare il prossimo anno.”

L’attore, sceneggiatore e creatore di The Righteous Gemstones ha raccontato che G.I. Joe è sempre stata la sua più grande passione, persino più di Star Wars, e che il progetto nasce proprio dal desiderio di realizzare il film che avrebbe voluto vedere da bambino.

“Erano i cartoni animati e i fumetti. G.I. Joe era la mia ossessione quando ero piccolo. Mi piaceva più di Star Wars, più di qualsiasi altra cosa. Ho ancora tutti i personaggi.”

McBride ha anche raccontato un aneddoto personale, spiegando di aver provato a regalare la sua collezione al figlio, che però non si è mostrato interessato.

“Ho provato a dare la mia collezione di G.I. Joe a mio figlio, ma non gli interessava. Sai chi invece ci gioca? Mia figlia. Le piacciono i robot e gioca con Gung-Ho e Snake Eyes anche sotto la doccia.”

In origine il regista aveva proposto a Paramount un film dedicato ai Dreadnoks, la banda di mercenari guidata da Zartan, ma lo studio ha preferito ricostruire prima il franchise principale. Da lì è nato un nuovo progetto sviluppato insieme ai suoi storici collaboratori Jeff Fradley e John Carcieri.

McBride ha inoltre voluto chiarire il tono del reboot, smentendo chi si aspettava una rilettura ironica.

“Abbiamo trovato un’idea che ci entusiasma molto e, stranamente, rende G.I. Joe più realistico. Non è una commedia. È suspense e azione, e penso che sarà davvero divertente.”

Il dettaglio più interessante riguarda però l’ambientazione. La storia seguirà Duke e una squadra di Joes nella cittadina di Springfield, luogo ben noto ai lettori dei fumetti perché segretamente controllato dall’organizzazione Cobra.

“Seguiamo Duke e un gruppo di altri Joes. C’è quella città dei fumetti, Springfield, che in realtà è interamente controllata da Cobra. È lì che si svolge il nostro film.”

Questa scelta lascia intuire un racconto costruito attorno a infiltrazioni, spionaggio e paranoia, recuperando uno degli elementi più iconici dell’universo narrativo originale invece di reinventarlo completamente.

McBride ha infine anticipato che sarebbero già in corso i contatti con alcuni interpreti, senza però rivelare alcun nome. Se il calendario verrà rispettato e le riprese partiranno davvero nel 2027, l’uscita del nuovo G.I. Joe è attesa non prima del 2028, con il 2029 che resta l’ipotesi più realistica.

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Secondo l’Hollywood Reporter, il progetto ha attirato offerte da Sony Pictures, Universal Pictures, Paramount Pictures e 20th Century Studios, ma è stata Warner Bros. a spuntarla. Tra le condizioni dell’accordo figurava anche l’uscita nelle sale cinematografiche, escludendo fin dall’inizio le piattaforme di streaming.

A rendere il progetto particolarmente interessante è il team creativo coinvolto. La sceneggiatura sarà firmata da Zach Cregger, autore e regista di Barbarian e dell’atteso Weapons, mentre la regia sarà affidata a Brian Duffield, già dietro la macchina da presa di Spontaneous e No One Will Save You.

I due avrebbero individuato una chiave narrativa condivisa capace di trasformare quello che, all’apparenza, è soltanto un fenomeno virale in un vero lungometraggio horror. Proprio questa idea avrebbe convinto gli studios a contendersi il progetto.

Nato dalla fantasia di Trevor Henderson, Siren Head è una gigantesca creatura scheletrica con due sirene al posto della testa, diventata negli anni uno dei meme horror più popolari del web. Il personaggio ha collezionato miliardi di visualizzazioni tra TikTok e YouTube, oltre a una forte presenza anche su Roblox.

L’operazione conferma l’interesse crescente di Hollywood verso proprietà nate online e capaci di conquistare soprattutto il pubblico della Generazione Z. Il successo di altri progetti ispirati a fenomeni virali ha dimostrato che anche un semplice concept può trasformarsi in un franchise cinematografico se supportato dalla giusta idea creativa.

Per Brian Duffield si tratta di un momento particolarmente intenso. Il regista porterà nelle sale Whalefall a ottobre ed è inoltre indicato tra gli autori coinvolti in un futuro progetto del franchise di Alien.

Anche Zach Cregger continua a consolidare il proprio rapporto con Warner Bros. Oltre a Siren Head, sta lavorando alla sceneggiatura del prequel di Gladys e dirigerà il film di fantascienza The Flood, previsto per il 2028. Prima ancora arriverà nelle sale il reboot di Resident Evil, diretto dallo stesso Cregger e in uscita questo settembre.

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