La storia infinita nei cinema dopo 42 anni: perché il suo autore arrivò a fare causa al film che tutti amano?

Ci sono film che diventano immortali nonostante i loro creatori. E poi c’è La storia infinita, uno dei fantasy più amati di sempre, che il suo stesso autore arrivò a rinnegare, tentando persino un’azione legale contro la produzione. Un paradosso sorprendente per un’opera che, a distanza di 42 anni, continua a emozionare generazioni di spettatori.

Il capolavoro fantasy diretto da Wolfgang Petersen nel 1984 torna nei cinema italiani il 16, 17 e 18 novembre, distribuito da Adler Entertainment in versione rimasterizzata. Un’occasione per ritrovare sul grande schermo Atreyu, Falkor, l’Imperatrice Bambina, il terrificante Gmork e naturalmente Artax, protagonista di una delle scene più traumatiche dell’infanzia di milioni di spettatori.

Ma dietro le creature fantastiche, gli effetti speciali artigianali e l’indimenticabile canzone di Limahl si nasconde una vicenda che cambia radicalmente il modo di guardare il film. Perché Michael Ende, autore del romanzo originale del 1979, considerava la trasposizione cinematografica un tradimento della propria opera.

La storia infinita: il film che il suo stesso autore non voleva vedere al cinema

Quando vennero avviate le trattative per portare La storia infinita sul grande schermo, Ende immaginava un adattamento poetico, delicato, capace di conservare la dimensione filosofica del suo romanzo. Secondo la ricostruzione pubblicata sul suo sito ufficiale, lo scrittore desiderava un film profondamente europeo, lontano dalle formule spettacolari hollywoodiane.

Il progetto finì però nelle mani di una produzione più grande, guidata da Bernd Eichinger, e assunse progressivamente dimensioni sempre più ambiziose.

Quando Ende lesse la sceneggiatura, rimase profondamente deluso. Riteneva che il racconto fosse stato trasformato in qualcosa di troppo superficiale, distante dallo spirito originario. Cercò di fermare la produzione, ma gli accordi sui diritti cinematografici gli impedirono di intervenire come avrebbe voluto.

La situazione precipitò nel marzo 1984, quando gli venne mostrata una copia del film prima dell’uscita. La sua reazione fu durissima. Ende lo definì un gigantesco melodramma fatto di «kitsch, commercio, peluche e plastica», giudicandolo una banalizzazione della storia che aveva scritto.

Lo scrittore prese pubblicamente le distanze dall’adattamento e chiese che venissero eliminate alcune sequenze contrarie, a suo giudizio, alla logica interna del romanzo. Insieme alla casa editrice avviò anche un’azione giudiziaria contro la società produttrice Neue Constantin per ottenere il taglio delle scene contestate.

Perse la causa.

Il film arrivò regolarmente nei cinema, diventando uno dei fantasy più celebri degli anni Ottanta. Il suo autore, invece, rimase convinto che quella trasposizione avesse frainteso profondamente il significato della propria opera.

Il vero significato del romanzo: perché il finale del film cambia tutto

Per comprendere la posizione di Ende bisogna considerare una differenza fondamentale, spesso dimenticata da chi conosce soltanto il film.

Il lungometraggio di Petersen racconta sostanzialmente la prima metà del romanzo. Seguiamo Bastian, un bambino solo e perseguitato dai bulli, mentre scopre un libro misterioso e si immerge nella storia di Fantàsia, un mondo minacciato dal Nulla.

Atreyu deve salvare l’Imperatrice Bambina, mentre Bastian scopre progressivamente di non essere un semplice lettore, ma di avere un ruolo decisivo nella sopravvivenza di quel mondo.

Nel film, la vicenda si conclude con il trionfo dell’immaginazione. Bastian comprende il proprio potere, Fantàsia può rinascere e il bambino vola sul dorso di Falkor, arrivando persino a vendicarsi dei bulli che lo tormentavano.

Ma nel libro quel momento non rappresenta affatto la fine della storia.

È l’inizio di un percorso molto più complesso, nel quale Bastian entra realmente a Fantàsia e comincia a esprimere desideri che trasformano il mondo e se stesso. Ogni desiderio, però, comporta un prezzo: il bambino perde progressivamente i ricordi della propria vita, rischiando di dimenticare chi è davvero.

Il romanzo esplora quindi anche il lato oscuro della fantasia: il pericolo di rifugiarsi in un universo immaginario fino a smarrire la propria identità e perdere il contatto con la realtà.

È proprio questa seconda dimensione che manca al film di Petersen. Non soltanto una parte della trama, ma un elemento essenziale del percorso di crescita del protagonista.

Dal punto di vista di Ende, trasformare la vittoria sul Nulla in un finale spettacolare e rassicurante significava privare il racconto di una parte del suo significato più profondo.

Artax morì davvero durante le riprese? La leggenda più inquietante del film

La storia della controversia con Ende non è l’unico retroscena ad aver accompagnato il film.

Una delle leggende più persistenti riguarda Artax, il cavallo di Atreyu che sprofonda nelle Paludi della Tristezza, in una sequenza rimasta impressa nella memoria degli spettatori per la sua crudeltà emotiva.

Per anni ha circolato la voce secondo cui il cavallo sarebbe morto realmente durante le riprese. Una storia macabra, ma falsa.

La scena fu realizzata attraverso un complesso sistema meccanico che permetteva di abbassare gradualmente l’animale, simulandone l’affondamento. Nessun cavallo morì durante la realizzazione della sequenza.

Questo non significa che girarla sia stato semplice. In un’intervista rilasciata nel 2024 a Remind Magazine, Noah Hathaway, interprete di Atreyu, ha ricordato quanto fosse stato impegnativo lavorare per settimane in condizioni fredde e fangose.

La sequenza rimane particolarmente significativa anche dal punto di vista simbolico: nelle Paludi della Tristezza non è la forza fisica a determinare la sopravvivenza, ma la capacità di resistere alla disperazione. Un’idea che rende ancora più doloroso il destino di Artax e che anticipa alcuni dei temi più profondi del romanzo.

Falkor, Gmork e gli effetti speciali: una Fantàsia costruita davvero

Un altro elemento che rende La storia infinita così riconoscibile è la sua dimensione artigianale.

Realizzato prima della diffusione della computer grafica, il film utilizzò pupazzi animatronici, modellini, effetti ottici e scenografie costruite fisicamente per dare vita alle creature di Fantàsia.

Falkor, il gigantesco drago della fortuna dal volto quasi canino, non era soltanto un’immagine aggiunta successivamente: esisteva come complesso dispositivo meccanico con cui gli attori potevano interagire.

Lo stesso vale per l’impressionante Gmork e per molte altre creature, la cui presenza materiale contribuisce ancora oggi all’atmosfera del film.

È proprio questa concretezza, con le sue imperfezioni e la sua componente quasi tattile, a distinguere il fantasy di Petersen da molte produzioni contemporanee interamente digitali.

La colonna sonora completò il successo dell’operazione. Accanto alle musiche di Klaus Doldinger, la versione internazionale utilizzò contributi di Giorgio Moroder, compresa l’iconica Never Ending Story, interpretata da Limahl, poi riscoperta anche da una nuova generazione grazie a Stranger Things.

Perché La storia infinita continua a emozionarci dopo 42 anni

La vicenda di Michael Ende pone una questione affascinante: un film può essere un grande classico anche quando tradisce l’opera da cui è tratto?

Nel caso de La storia infinita, la risposta sembra essere sì, ma questo non significa che le obiezioni dello scrittore fossero prive di fondamento.

Il film di Petersen semplifica una storia molto più articolata, sacrifica gran parte della riflessione sul rapporto fra desiderio e identità e trasforma un percorso filosofico in un’avventura fantasy più accessibile.

Eppure riesce a conservare qualcosa di essenziale: la paura di perdere la capacità di immaginare, il dolore della solitudine infantile e la possibilità di trovare nei racconti una forza capace di trasformare il nostro rapporto con il mondo.

Il Nulla, del resto, è un antagonista straordinario proprio perché non ha bisogno di un esercito o di una forma riconoscibile. È l’assenza, il vuoto che avanza quando tutto ciò che dava significato all’esistenza comincia a scomparire.

Forse è anche per questo che il film continua a parlarci, nonostante i suoi limiti e la distanza dal romanzo: perché dietro le immagini fantastiche racconta una paura profondamente umana, quella di smettere di credere che esista ancora qualcosa da immaginare.

Dal 16 al 18 novembre 2026, il ritorno nelle sale italiane in versione rimasterizzata permetterà di riscoprire sul grande schermo il mondo costruito da Wolfgang Petersen. Alcuni cinema prevedono anche proiezioni anticipate: è quindi consigliabile consultare la programmazione della propria sala.

E magari sarà l’occasione per recuperare anche il romanzo di Michael Ende, scoprendo che la storia che credevamo di conoscere non soltanto è diversa, ma continua molto oltre il punto in cui il film ci aveva fatto credere che fosse finita.

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