Kill Bill: The Whole Bloody Affair recensione: il vero film immaginato da Tarantino

Per oltre vent’anni Kill Bill è stato soprattutto sangue, katane e vendetta. Ma vedere oggi Kill Bill: The Whole Bloody Affair cambia completamente il modo in cui guardiamo il film di Quentin Tarantino.

Quello che per anni sembrava un dittico volutamente spezzato tra azione sfrenata e dialoghi più riflessivi rivela finalmente la propria forma naturale: un unico grande racconto di perdita, rabbia, maternità e autodistruzione.

Ed è impressionante quanto cambi tutto semplicemente rimettendo insieme i pezzi.

La storia resta quella ormai leggendaria della Sposa, assassina professionista lasciata in fin di vita il giorno del proprio matrimonio dall’ex amante e capo criminale Bill, insieme ai membri della Squadra Assassina Vipere Mortali. Dopo anni di coma, la donna intraprende una lunga e sanguinosa vendetta che la porterà dal Texas al Giappone, passando per il deserto messicano e le montagne della Cina.

Vista oggi in un’unica soluzione da oltre quattro ore, la saga perde gran parte della sensazione “episodica” che caratterizzava i due film separati.

Vol. 1 non appare più soltanto come la parte più spettacolare e adrenalinica, mentre Vol. 2 smette di sembrare il segmento più lento e verboso. Tutto acquista finalmente un equilibrio diverso.

Le scene d’azione restano devastanti – dal massacro alla House of Blue Leaves allo scontro con gli 88 Pazzi – ma non divorano più completamente il film. Accanto alla furia pulp emerge molto più chiaramente la malinconia della Sposa: una donna che ama la violenza quasi quanto desidera liberarsene.

Ed è proprio qui che The Whole Bloody Affair cambia davvero Kill Bill.

Tarantino lascia respirare di più i silenzi, i dialoghi e soprattutto il peso emotivo delle scelte dei personaggi. Molte sequenze che in passato potevano sembrare semplici digressioni acquistano una nuova importanza all’interno del flusso narrativo continuo.

La lunga origine animata di O-Ren Ishii, ad esempio, non interrompe più il ritmo: diventa invece un altro tassello della riflessione sul trauma, sulla vendetta e sulle ferite tramandate da una generazione all’altra. Anche il rapporto tossico tra Bill e la Bride emerge con molta più forza, trasformando il film in qualcosa di molto più vicino a una tragedia sentimentale che a un semplice revenge movie.

E poi c’è Uma Thurman.

Se Kill Bill era già considerato uno dei ruoli simbolo della sua carriera, questa versione integrale rende ancora più evidente la grandezza della sua interpretazione. Riesce a essere contemporaneamente fumettistica e devastantemente umana: una macchina da guerra quasi sovrumana che però porta addosso ogni trauma, ogni perdita e ogni umiliazione subita.

Basta il modo in cui guarda i propri avversari, oppure il crollo emotivo nel finale, per capire quanto Kill Bill funzioni anche lontano dalle sue celebri esplosioni di violenza.

Perché sotto tutta la furia pulp, Kill Bill parla soprattutto di persone distrutte.

Ovviamente resta tutto il gigantesco universo cinefilo di Tarantino. Kill Bill continua a essere una collisione delirante tra chambara giapponese, spaghetti western, kung fu movie, anime, exploitation anni ’70 e noir americano. Ogni scena sembra costruita come una dichiarazione d’amore verso decenni di cinema popolare.

La differenza è che ora tutto appare molto meno frammentato.

Le influenze non sembrano più semplici citazioni esibite con entusiasmo compulsivo, ma diventano parte di un flusso narrativo sorprendentemente compatto. Persino il continuo cambio di tono – dall’assurdo al tragico, dal grottesco al melodrammatico – smette di sembrare una provocazione e trova finalmente una propria armonia.

Anche le modifiche aggiunte in questa versione funzionano quasi tutte bene. Alcune scene sono state allungate, diverse transizioni sono cambiate e soprattutto sparisce il famoso cliffhanger che anticipava la sopravvivenza della figlia della Sposa alla fine di Vol. 1. Una scelta apparentemente piccola, ma che rende il successivo incontro molto più potente emotivamente.

C’è perfino spazio per un breve capitolo animato extra dedicato a Yuki, sorella di Gogo Yubari. Un’aggiunta curiosa e divertente, ma giustamente lasciata fuori dal corpo centrale del film, che non aveva bisogno di altro materiale per risultare completo.

Perché la sensazione dominante, guardando oggi The Whole Bloody Affair, è proprio quella della completezza.

Non sembra una director’s cut costruita per aggiungere minuti o fan service. Sembra piuttosto un film finalmente tornato alla propria forma originaria dopo oltre vent’anni di compromessi industriali.

E soprattutto rivaluta enormemente anche Vol. 2, che per anni era stato considerato il capitolo minore della saga. Inseriti dentro un unico flusso, i dialoghi interminabili, le pause improvvise e le deviazioni narrative acquistano finalmente il peso emotivo che meritavano.

Il risultato è probabilmente il film più “tarantiniano” mai realizzato da Tarantino: smisurato, cinefilo, violento, ironico, melodrammatico e totalmente ossessionato dal cinema.

Ma è anche qualcosa di più malinconico di quanto molti ricordassero.

Sotto le katane, il sangue e le citazioni pop, Kill Bill racconta persone incapaci di sfuggire alla violenza che hanno scelto di vivere.

Solo oggi, rimesso insieme nella forma per cui era stato concepito, Kill Bill smette di sembrare due film straordinari e diventa finalmente una vera epopea tragica.

Ne cinema SOLO dal 28 maggio al 3 giugno.

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