Il progetto rappresenta la prima uscita di Barley Studios ed è ambientato nell’universo narrativo di Echopraxia, romanzo dello scrittore canadese Peter Watts.

NIGHTBORNE non nasce però come un esperimento isolato. Blomkamp lo considera il primo test completo di un nuovo processo produttivo che potrebbe portarlo a realizzare un intero lungometraggio con lo stesso metodo.

NIGHTBORNE: come Neill Blomkamp ha realizzato il corto con l’intelligenza artificiale

Il regista ha presentato il cortometraggio attraverso un messaggio pubblicato su X, spiegando di aver utilizzato Seedance 2.0 per generare ogni immagine del film.

«NIGHTBORNE è il primo film completo di prova che ho realizzato con l’intelligenza artificiale. È stato creato utilizzando Seedance 2.0».

Blomkamp ha raccontato di sperimentare con questi strumenti da alcuni anni, ma di considerarli soltanto ora abbastanza maturi per sostenere un progetto più ambizioso.

«Sto sperimentando con l’intelligenza artificiale da un paio d’anni e ora siamo arrivati al punto in cui voglio affrontare un lungometraggio in questo formato. Questo è un test iniziale di 13 minuti».

Il prossimo film di Neill Blomkamp non è ancora stato annunciato, ma il regista ha confermato di voler utilizzare il processo sperimentato con NIGHTBORNE per sviluppare un lungometraggio interamente generato attraverso l’intelligenza artificiale.

Di cosa parla NIGHTBORNE

Il cortometraggio racconta il caso di una pilota dell’esercito statunitense abbattuta durante una missione e dichiarata morta in combattimento. Il marito è costretto a seppellire una bara vuota, ma alcune registrazioni suggeriscono che la versione ufficiale possa nascondere qualcosa.

La donna sarebbe stata coinvolta in un programma militare classificato capace di riportare sul campo di battaglia i soldati caduti, trasformandoli nuovamente in strumenti di guerra.

La storia viene presentata come un falso documentario attraverso interviste, filmati recuperati dagli archivi del progetto e le registrazioni di uno scienziato che ha abbandonato il programma segreto.

È un’idea perfettamente coerente con il cinema di Blomkamp, da sempre interessato al rapporto tra tecnologia, corpi, potere militare e identità umana. Come in District 9 ed Elysium, anche qui la fantascienza diventa uno strumento per interrogarsi sulle conseguenze sociali e morali del progresso tecnologico.

Il legame tra NIGHTBORNE ed Echopraxia

NIGHTBORNE è ambientato nell’universo di Echopraxia, romanzo pubblicato da Peter Watts nel 2014 e collegato a Blindsight.

L’opera dello scrittore affronta temi come il postumanesimo, la coscienza, l’intelligenza non umana e la manipolazione biologica, elementi che si sposano naturalmente con gli interessi narrativi e visivi del regista sudafricano.

Non è stato ancora chiarito se anche il futuro lungometraggio di Blomkamp resterà collegato allo stesso universo oppure se NIGHTBORNE rimarrà un progetto autonomo.

Ogni fotogramma è stato generato con Seedance 2.0

Secondo le informazioni ufficiali, ogni fotogramma del corto è stato generato con Seedance 2.0. Blomkamp ha diretto le sequenze inquadratura per inquadratura attraverso prompt, definendo composizione, ambienti, movimenti e atmosfera visiva.

Il progetto non è stato però realizzato senza contributi umani. Alcuni concept artist hanno progettato l’universo visivo, mentre i personaggi presenti sullo schermo utilizzano i volti e le voci di 32 persone reali.

Tutti i partecipanti sono stati fotografati e registrati dopo aver sottoscritto accordi specifici per l’utilizzo della propria immagine e della propria voce.

Il dettaglio è particolarmente importante in un momento in cui il dibattito sull’intelligenza artificiale riguarda soprattutto il consenso, i diritti sull’identità e l’impiego non autorizzato delle sembianze degli attori.

Chi ha lavorato al cortometraggio

NIGHTBORNE è stato diretto da Neill Blomkamp e prodotto da Steven St. Arnaud e Terri Tatchell, sceneggiatrice che aveva già collaborato con il regista alla scrittura di District 9.

Il montaggio è firmato da Austyn Daines. Il cortometraggio è una produzione Barley Studios realizzata in associazione con Havenhurst Entertainment.

La presenza di produttori, montatori e concept artist conferma che il film non è il risultato di un processo completamente automatico. L’intelligenza artificiale ha generato le immagini, ma regia, montaggio, design e controllo creativo sono rimasti affidati a professionisti umani.

Perché NIGHTBORNE ha diviso il pubblico

L’annuncio ha generato reazioni immediate e in gran parte critiche. Molti spettatori hanno accusato Blomkamp di abbandonare proprio quella componente fisica e artigianale che aveva contribuito al successo di District 9.

Il film del 2009 aveva conquistato il pubblico grazie alla capacità di combinare riprese reali, effetti visivi, creature credibili e un’estetica da documentario. Per questo alcuni fan considerano paradossale che il regista voglia ora realizzare un’opera nella quale ogni immagine nasce da un modello generativo.

Le perplessità non riguardano soltanto il risultato estetico. Un simile processo potrebbe ridurre il coinvolgimento di scenografi, direttori della fotografia, costumisti, operatori e tecnici degli effetti visivi.

Altri osservatori vedono invece l’esperimento come uno strumento utile per consentire a registi indipendenti di sviluppare mondi complessi con budget più contenuti.

L’intelligenza artificiale può sbloccare i progetti mai realizzati di Blomkamp?

La carriera di Neill Blomkamp è stata segnata da numerosi progetti annunciati e mai arrivati sul set. Tra questi figurano un nuovo capitolo di Alien, il seguito District 10, un film dedicato a RoboCop e un adattamento di Halo.

Progetti di questo tipo richiedono budget elevati, studi disposti a finanziare universi fantascientifici complessi e un lungo lavoro sugli effetti visivi.

L’intelligenza artificiale potrebbe quindi offrire a Blomkamp maggiore autonomia, permettendogli di sviluppare idee ambiziose senza dipendere completamente dalle strutture produttive tradizionali di Hollywood.

Il nodo centrale sarà capire se questi strumenti verranno utilizzati per ampliare le possibilità creative dei cineasti oppure per sostituire progressivamente interi reparti produttivi.

Dal successo di District 9 alla svolta di NIGHTBORNE

Blomkamp è diventato uno dei nomi più promettenti della fantascienza contemporanea grazie a District 9, realizzato con un budget relativamente contenuto e capace di ottenere quattro candidature agli Oscar.

I film successivi hanno ricevuto accoglienze più contrastanti. Elysium ha diviso critica e pubblico, Chappie è stato accolto con maggiore freddezza, mentre l’horror fantascientifico Demonic non è riuscito a rilanciarne la carriera.

Il regista è stato recentemente associato anche a un nuovo adattamento di Starship Troopers per Sony, ancora in fase di sviluppo.

In questo contesto, NIGHTBORNE assume il valore di una possibile svolta: non soltanto un cortometraggio, ma il tentativo di cambiare radicalmente il modo in cui Blomkamp realizza e finanzia il proprio cinema.

Il prossimo film di Neill Blomkamp sarà davvero generato dall’IA?

Al momento non esistono informazioni concrete sul possibile lungometraggio. Blomkamp non ha rivelato titolo, trama, tempi di lavorazione o eventuali partner produttivi.

Resta inoltre da capire se un film interamente generato possa mantenere coerenza visiva, continuità narrativa e qualità delle interpretazioni per una durata compresa tra novanta e centoventi minuti.

Un cortometraggio di 13 minuti consente di nascondere più facilmente incongruenze e instabilità che potrebbero diventare evidenti in un’opera più lunga.

La sfida non sarà quindi soltanto tecnica. Blomkamp dovrà dimostrare che la generazione artificiale delle immagini può produrre una vera esperienza cinematografica e non una semplice successione di sequenze visivamente suggestive.

NIGHTBORNE è un test controverso ma significativo. Può essere letto come un segnale della trasformazione in corso a Hollywood oppure come il tentativo di un regista rimasto a lungo bloccato di riconquistare il controllo sui propri progetti.

Qualunque sarà il risultato, il corto rappresenta uno dei primi tentativi di un regista hollywoodiano affermato di utilizzare l’intelligenza artificiale come strumento principale per arrivare a un lungometraggio. Ed è proprio questo, più del film stesso, a renderlo un esperimento destinato a far discutere.

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Ospite del podcast Happy Sad Confused, il presidente dei Marvel Studios ha espresso tutta la propria frustrazione per una lavorazione che, a sette anni dalla presentazione al San Diego Comic-Con, non è ancora arrivata sul set.

«Sono felicissimo che siamo riusciti a riportare Wesley Snipes in Deadpool & Wolverine, ma mi sento un gigantesco perdente e un fallito per non essere riuscito a far partire il film con Mahershala».

Le parole di Feige rappresentano una delle ammissioni più dure mai pronunciate dal dirigente sullo stato di un progetto Marvel. Non equivalgono però a un annuncio formale di cancellazione: Mahershala Ali risulta ancora legato al ruolo e il film viene tuttora indicato come in sviluppo, anche se privo di una data d’uscita e di un regista confermato.

Blade è fermo dal 2019

Marvel Studios annunciò il nuovo Blade nel luglio 2019, quando Mahershala Ali salì sul palco del Comic-Con indossando un cappellino con il logo del cacciatore di vampiri. L’attore, vincitore di due premi Oscar, aveva proposto personalmente allo studio di reinterpretare il personaggio reso celebre al cinema da Wesley Snipes.

Da allora, però, il progetto ha accumulato un numero eccezionale di problemi produttivi. La pandemia ha rallentato le prime fasi dello sviluppo, mentre gli scioperi di sceneggiatori e attori del 2023 hanno imposto nuovi rinvii. Nel frattempo sono cambiate più volte la storia, l’ambientazione e la squadra creativa.

Il film è stato infine rimosso dal calendario delle uscite Marvel, perdendo la data precedentemente fissata. Da quel momento lo studio ha continuato a dichiararsi interessato al personaggio, senza però indicare quando la produzione potrà realmente iniziare.

Sei sceneggiatori e numerose versioni scartate

Nel corso degli anni Blade è passato attraverso le mani di almeno sei sceneggiatori: Stacy Osei-Kuffour, Michael Starrbury, Beau DeMayo, Nic Pizzolatto, Michael Green ed Eric Pearson.

Le diverse bozze avrebbero esplorato direzioni molto distanti tra loro. Una versione era ambientata in un periodo storico e avrebbe dato grande spazio alla figlia del protagonista; altre avrebbero riportato l’azione nel presente, concentrandosi maggiormente sul lato horror e sul mondo dei vampiri.

La continua ricerca di una nuova impostazione mostra che Marvel non ha mai trovato una visione condivisa abbastanza solida da sostenere il film. Ogni riscrittura ha allontanato ulteriormente l’inizio delle riprese, aumentando la frustrazione di Mahershala Ali e delle persone coinvolte.

I registi che hanno lasciato il progetto

Il primo regista scelto fu Bassam Tariq, che abbandonò il film nel 2022, poco prima dell’inizio previsto della produzione. Marvel affidò poi il progetto a Yann Demange, autore di ’71 e di alcuni episodi di Lovecraft Country, ma anche lui lasciò l’incarico nel 2024.

Cary Fukunaga sarebbe stato successivamente coinvolto in alcune trattative, senza arrivare alla firma. Secondo le indiscrezioni, il confronto si sarebbe interrotto per divergenze riguardanti il controllo creativo.

La perdita ripetuta dei registi è stata uno dei segnali più evidenti dell’assenza di una direzione stabile. Senza una sceneggiatura definitiva e senza un autore disposto a guidare il film, Marvel non ha mai potuto fissare un nuovo calendario produttivo credibile.

Anche il cast ha iniziato a cambiare

Oltre a Mahershala Ali, il progetto aveva coinvolto Aaron Pierre, Delroy Lindo e Mia Goth. Pierre e Lindo hanno però lasciato il film durante il lungo sviluppo, mentre Goth risulterebbe ancora associata al cast.

Ali, attorno al quale era stato costruito l’intero reboot, avrebbe manifestato negli anni una crescente insoddisfazione per la mancanza di progressi. L’attore ha comunque continuato a dichiararsi interessato al personaggio, a condizione che Marvel riesca a realizzare una storia all’altezza.

La sua unica apparizione nel MCU rimane per ora una breve partecipazione vocale nella scena dopo i titoli di coda di Eternals, nella quale Blade avverte Dane Whitman prima che quest’ultimo tocchi la Lama d’Ebano.

I costumi di Blade sono finiti in I Peccatori

Uno degli episodi più curiosi riguarda i costumi realizzati per una precedente versione del film. La costumista premio Oscar Ruth E. Carter aveva preparato abiti destinati all’ambientazione storica di Blade, ma parte di quel lavoro è stata successivamente riutilizzata per I Peccatoridi Ryan Coogler.

Il dettaglio ha assunto un forte valore simbolico: mentre il reboot Marvel continuava a essere rimandato, materiali già pronti trovavano una nuova vita in un altro film di vampiri.

Il successo di I Peccatori ha inoltre reso ancora più evidente la difficoltà dei Marvel Studios nel definire la propria versione del personaggio, proprio mentre un’opera esterna riusciva a fondere horror, storia, musica e mitologia vampiresca con un’identità precisa.

Kevin Feige non ha dichiarato Blade cancellato

L’ammissione di Feige è severa, ma deve essere interpretata correttamente. Il dirigente ha detto di sentirsi un fallito per non essere riuscito a realizzare il film con Mahershala Ali; non ha annunciato che Marvel abbia definitivamente abbandonato il reboot.

Le ultime informazioni disponibili indicano che lo studio starebbe ancora cercando un regista e una versione definitiva della sceneggiatura. Il progetto resta dunque nel limbo: non è morto ufficialmente, ma non possiede nemmeno gli elementi necessari per entrare in produzione.

La distinzione è importante. Dopo sette anni di sviluppo e promesse, una nuova rassicurazione verbale non basta più. Finché non verranno annunciati un regista, una sceneggiatura approvata e una data d’inizio delle riprese, il futuro di Blade continuerà a essere estremamente incerto.

Il fallimento più evidente della nuova Marvel

Il caso Blade riassume molti dei problemi attraversati dai Marvel Studios dopo Avengers: Endgame: troppi progetti annunciati in anticipo, continui cambi di strategia e difficoltà nel proteggere una visione creativa coerente.

Mahershala Ali sembrava una scelta ideale per rilanciare il personaggio e portare nel MCU un horror più adulto. Sette anni dopo, però, Marvel non è ancora riuscita a trasformare quella scelta in un film.

Kevin Feige non ha dichiarato morto Blade, ma ha riconosciuto pubblicamente che il progetto non è mai riuscito davvero a nascere. Per uno studio abituato a controllare ogni fase dei propri franchise, è un’ammissione particolarmente pesante. Ora serviranno fatti concreti per dimostrare che il cacciatore di vampiri ha ancora un futuro nel Marvel Cinematic Universe.

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Il trailer segna inoltre il ritorno dei leggendari protagonisti della saga Fox: il Professor Charles Xavier (Patrick Stewart), Magneto (Ian McKellen) e Ciclope (James Marsden).

Il trio aveva conquistato il pubblico nei primi anni Duemila con la trilogia di X-Men, insieme a Hugh Jackman nei panni di Wolverine, che nel frattempo ha già varcato i confini del MCU in Deadpool & Wolverine. Stewart era riapparso brevemente in Doctor Strange nel Multiverso della Follia, interpretando una variante di Xavier, eliminata da Scarlet Witch. Avengers: Doomsday rappresenta ora la prima vera occasione in cui gli X-Men della Fox incontreranno Avengers, Fantastici Quattro e molti altri eroi Marvel.

Il trailer si apre mostrando la Scuola per Giovani Dotati di Xavier, ormai abbandonata. La voce di Magneto risuona minacciosa:

“La morte arriva per tutti. È l’unica cosa di cui sono certo. La domanda non è ‘sei pronto a morire?’, ma ‘chi sarai quando chiuderai gli occhi?'”

Dopo l’inquadratura sulla sedia a rotelle di Xavier e su un pezzo degli scacchi che fluttua, chiaro richiamo al finale di X-Men – Conflitto Finale, i due storici rivali si ritrovano faccia a faccia. Magneto, con i capelli lunghi e incolti, abbraccia Xavier, ma subito dopo il tono cambia: Ciclope appare addolorato e libera un enorme raggio di energia dal visore, mentre sullo sfondo si intravede quella che sembra essere una gigantesca Sentinella.

La parte finale del trailer introduce finalmente anche Victor Von Doom. Marvel non mostra ancora estensivamente il volto del personaggio, ma permette di ascoltare la voce di Robert Downey Jr., confermando il ruolo centrale del celebre villain nel film che concluderà il lungo arco narrativo della Saga del Multiverso.

In Avengers: Doomsday torneranno anche Kelsey Grammer (Bestia), Alan Cumming (Nightcrawler), Rebecca Romijn (Mystica) e Channing Tatum (Gambit), insieme a numerosi protagonisti del Marvel Cinematic Universe. Saranno presenti Chris Hemsworth, Anthony Mackie, Sebastian Stan, Paul Rudd, Tom Hiddleston, Letitia Wright, Winston Duke e Simu Liu, oltre ai Fantastici Quattro interpretati da Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn ed Ebon Moss-Bachrach e ai Thunderbolts guidati da Florence Pugh, David Harbour, Wyatt Russell, Hannah John-Kamen e Lewis Pullman.

Alla regia tornano ancora una volta Anthony e Joe Russo, già autori di Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame. Avengers: Doomsday arriverà nei cinema il 18 dicembre e sarà il primo dei due capitoli conclusivi della Saga del Multiverso, destinata a proseguire con Avengers: Secret Wars.

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C’è un paradosso che accompagna Apple TV ormai da anni. Ogni volta che si parla delle migliori serie in streaming, il suo nome compare puntualmente. Quando però si osserva ciò che le persone guardano davvero, commentano sui social o consigliano agli amici, la piattaforma sembra quasi sparire.

Apple TV produce serie eleganti, costose, spesso affidate ad autori importanti e attori di primo piano. Ha costruito mondi visivamente impeccabili, investito nella fantascienza adulta, nello spionaggio, nella commedia sofisticata e nel prestigio cinematografico. Eppure, salvo rare eccezioni come Ted Lasso e Scissione, molti suoi titoli sembrano passare direttamente dalla recensione entusiasta all’oblio.

Non è solo una sensazione. Nel marzo 2025, il Guardian riportava che le produzioni Apple rappresentavano meno dell’1% del tempo complessivo trascorso dagli spettatori statunitensi sulle piattaforme streaming. Secondo i dati citati dal giornale, Netflix veniva guardata circa otto volte di più, nonostante il prezzo dell’abbonamento Apple fosse sensibilmente inferiore.

La domanda, quindi, non è se Apple TV sappia realizzare buone serie. La domanda è perché non sappia trasformarle in fenomeni popolari.

La qualità di Apple TV non è in discussione

La qualità media del catalogo Apple TV è probabilmente tra le più alte dello streaming contemporaneo. La recensione pubblicata da Yahoo Tech nel marzo 2026 parla del miglior “tasso di successo” tra contenuti originali dell’intero settore: in altre parole, rispetto alla quantità di titoli disponibili, sono molti quelli che meritano davvero di essere guardati.

Anche WIRED, nella sua selezione aggiornata delle migliori serie Apple TV, descrive un’offerta ormai ampia e riconoscibile, capace di spaziare da Slow Horses e Fondazione a The Morning Show, Platonic e Hijack. In precedenza la testata era arrivata a definire Apple TV “la nuova HBO”, proprio per la continuità qualitativa delle sue produzioni.

Il confronto con HBO è comprensibile, ma fino a un certo punto. HBO non ha prodotto soltanto televisione prestigiosa: ha saputo trasformare le proprie serie in appuntamenti collettivi. I Soprano, Il Trono di Spade, Succession e The White Lotus non sono rimaste confinate all’interno del catalogo. Sono entrate nel linguaggio, nel costume, nella conversazione.

Apple, invece, dà spesso l’impressione di costruire oggetti perfetti e poi di lasciarli soli.

Grandi nomi, titoli che nessuno ricorda

Il Guardian individuava con una certa brutalità uno degli aspetti più evidenti del problema. Apple ha lavorato con Harrison Ford, Cate Blanchett, Ryan Gosling. Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Colin Farrell, Brie Larson e Michael Douglas. Eppure una parte consistente del pubblico faticherebbe persino ad associare questi nomi alle rispettive serie.

È un fallimento di posizionamento prima ancora che di prodotto.

La presenza di una star può attirare l’attenzione iniziale, ma non basta a creare un’identità. Molte produzioni Apple sembrano essere state concepite partendo da una formula rassicurante: autore riconosciuto, interprete celebre, fotografia cinematografica, budget generoso. Il risultato è quasi sempre professionale. Non sempre, però, è urgente.

Netflix può permettersi di distribuire decine di titoli nella speranza che uno esploda. Apple ha seguito a lungo la strategia opposta: pochi prodotti, molto curati, presentati quasi come dispositivi premium. Ma una serie televisiva non è un computer. Non basta che sia ben progettata. Deve trovare il pubblico giusto nel momento giusto, produrre curiosità e diventare difficile da ignorare.

Il vero problema è la scoperta

Apple TV soffre inoltre di un limite strutturale: non è percepita come un luogo nel quale entrare senza sapere già cosa guardare. A differenza di Netflix, Apple TV raramente genera quel fenomeno di scoperta casuale che porta uno spettatore ad aprire l’app senza un titolo preciso in mente e uscirne dopo aver iniziato una serie completamente diversa.

Netflix riesce a trasformare quasi ogni uscita importante in un evento. Trailer, social, TikTok, homepage, meme, passaparola: tutto contribuisce a mantenere vivo il titolo per settimane. Apple, invece, comunica spesso in modo molto più sobrio. Le sue serie vengono lanciate, ricevono ottime recensioni e nel giro di pochi giorni sembrano già sparire dalla conversazione.

Netflix ha costruito la propria forza sull’abbondanza e sulla permanenza. Anche quando una serie non interessa, ce n’è subito un’altra. Il catalogo è rumoroso, ridondante e spesso mediocre, ma genera movimento continuo. Apple TV, al contrario, ha mantenuto a lungo un’offerta più sottile, senza un grande archivio di film e serie acquistati da altri produttori e senza la stessa quantità di contenuti internazionali.

Questa selettività può apparire virtuosa, ma ha un effetto collaterale: se l’utente non è attratto dal titolo del momento, rischia di non aprire affatto l’applicazione. Il servizio diventa un abbonamento intermittente, attivato per Scissione, Ted Lasso o Slow Horses e dimenticato tra una stagione e l’altra.

La piattaforma è inoltre penalizzata da una confusione nominale mai risolta del tutto. Apple TV può indicare l’applicazione, il dispositivo fisico oppure il servizio in abbonamento, precedentemente chiamato Apple TV+. Per un’azienda ossessionata dalla semplicità, è una sovrapposizione sorprendentemente poco intuitiva.

Nel 2026 Apple ha iniziato a cambiare strategia

Le anticipazioni raccolte da The Verge sul calendario 2026 mostrano che Apple ha compreso almeno una parte del problema. La piattaforma sta aumentando il volume delle uscite, rilanciando serie affermate come Ted Lasso, Sugar, For All Mankind, Shrinking e Monarch: Legacy of Monsters, mentre amplia il proprio peso nello sport in diretta.

È una trasformazione importante. Apple non sembra più voler essere soltanto la boutique dello streaming, elegante ma frequentata occasionalmente. Vuole diventare un’abitudine.

Il rischio è evidente: aumentando la quantità, potrebbe perdere proprio quella coerenza qualitativa che la distingue. Ma il rischio opposto è ancora più serio. Continuare a produrre serie eccellenti che nessuno sente il bisogno di guardare equivale a coltivare un prestigio sterile.

La qualità, da sola, non crea rilevanza culturale. Servono continuità, marketing, riconoscibilità e una distribuzione capace di far percepire ogni uscita come un evento. Serve soprattutto una ragione per tornare sulla piattaforma anche quando la propria serie preferita è terminata.

Apple non ha fallito nel creare buona televisione. In alcuni casi ha prodotto la migliore televisione disponibile. Ha fallito, almeno finora, nel costruire intorno a quella televisione un pubblico altrettanto solido.

Ed è forse questo il problema più insolito della sua avventura nello streaming: Apple TV non deve ancora imparare a fare serie belle. Deve imparare a farle esistere.

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La serie, composta da otto episodi disponibili tutti insieme sulla piattaforma, vede protagoniste due attrici al culmine della loro carriera: Octavia Spencer, premio Oscar per The Help, e Hannah Waddingham, volto iconico di Ted Lasso. Spencer interpreta Debbie Claybourne, una donna normale che si ritrova catapultata in un incubo quando scopre che la sua cara amica Judith Burton, interpretata da Waddingham, è in realtà una sicaria internazionale. Quando una missione di Judith fallisce miseramente e una figura misteriosa riemerge dal suo passato, le due donne sono costrette a fuggire insieme attraverso l’Europa, braccate da forze dell’ordine, assassini professionisti e criminali pericolosi.

La forza narrativa di Corri o muori risiede proprio in questo rapporto al centro della storia. Non si tratta semplicemente di un action thriller con qualche battuta comica inserita qua e là. La serie costruisce la sua struttura sul confronto continuo tra due donne che devono ridefinire completamente la loro amicizia mentre corrono letteralmente per salvare la pelle. Come ha sottolineato la stessa Octavia Spencer in un’intervista, il progetto rappresenta una completa partenza sia per lei che per Waddingham. Nonostante entrambe abbiano già partecipato a produzioni action, Waddingham in The Fall Guy e Mission: Impossible – The Final Reckoning, Spencer in Snowpiercer, raramente si sono trovate al centro dell’azione fisica con ruoli così intensi dal punto di vista atletico.

Ciò che rende Corri o muori particolarmente interessante nel panorama attuale dello streaming è il suo approccio al genere action. La serie ribalta gli schemi tradizionalmente maschili di un certo tipo di narrazione d’azione, cucendo sulle due protagoniste una storia che bilancia adrenalina pura, commedia e una robusta componente emotiva. Non si tratta semplicemente di sostituire uomini con donne nella stessa formula consolidata, ma di costruire qualcosa che tenga conto delle specificità dei personaggi, del loro vissuto, della loro età e della loro relazione.

Il debutto critico ha premiato questa scelta audace. Corri o muori ha conquistato un perfetto 100% su Rotten Tomatoes, un traguardo raramente raggiunto nel competitivo panorama dello streaming contemporaneo. Questo punteggio riflette l’entusiasmo della critica per una serie che riesce a mantenere un equilibrio delicato tra intrattenimento spettacolare e sostanza narrativa, tra sequenze d’azione ben coreografate e momenti di autentica profondità emotiva.

Gli otto episodi da circa 50 minuti ciascuno offrono un’esperienza di visione che si colloca in quella zona sempre più popolare tra la serie tradizionale e la miniserie. Abbastanza corposa da permettere sviluppo narrativo e approfondimento dei personaggi, abbastanza contenuta da non annoiare o disperdere l’energia. Una formula che Prime Video ha già sperimentato con successo e che qui trova un’applicazione particolarmente efficace.

Il pubblico italiano sta già accogliendo positivamente questa action comedy al femminile. E infatti, con due attrici carismatiche, una premessa narrativa intrigante e una realizzazione che non ha badato a spese, Corri o muori ha sicuramente tutte le carte in regola per diventare uno dei titoli di cui si parlerà in questa stagione televisiva.

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Diretto da Dan Trachtenberg, già autore dell’acclamato Prey del 2022 e della serie animata Predator: Killer of Killers, il film si spinge oltre i confini tradizionali del franchise per esplorare un territorio inesplorato: la cultura, i codici d’onore e le contraddizioni della specie aliena che ha definito l’immaginario dell’action fantascientifico. Non si tratta di un sequel diretto di Prey, ma di un capitolo autonomo ambientato nell’universo principale della saga, concepito per espandere e ridefinire ciò che conosciamo sugli Yautja.

La storia si svolge in un futuro lontano, su un pianeta remoto chiamato Genna, un mondo ostile popolato da creature feroci e paesaggi letali. Qui incontriamo Dek, interpretato dall’emergente stuntman Dimitrius Schuster-Koloamatangi, un giovane Predator emarginato e bandito dal proprio clan dopo aver fallito la prova rituale che avrebbe dovuto consacrare il suo valore come cacciatore. Solo, disonorato e costretto a sopravvivere in un ambiente sconosciuto, Dek deve ridefinire il significato stesso dell’onore che la sua cultura gli ha inculcato sin dalla nascita.

Il destino lo mette sulla strada di Thia, un androide della Weyland-Yutani Corporation interpretato da Elle Fanning, candidata agli Emmy e ai Golden Globe. Thia è stata abbandonata dopo un incidente che l’ha privata delle gambe, ma conserva una mente lucida e una sorprendente determinazione a sopravvivere. Due esseri imperfetti, due paria appartenenti a mondi opposti, stringono un’alleanza inattesa per affrontare un pianeta popolato da minacce costanti: creature selvagge, androidi ostili e altri Predator decisi a eliminarli.

Attraverso questo viaggio di sopravvivenza, il film scava nella mitologia degli Yautja con una profondità mai vista prima. Trachtenberg e il co-sceneggiatore Patrick Aison hanno lavorato alla creazione di un vero e proprio linguaggio scritto e verbale per la razza dei Predator, affidandosi allo stesso linguista che ha sviluppato il Na’vi per l’Avatar di James Cameron. Questo investimento nella world-building testimonia l’ambizione del progetto: non limitarsi a raccontare un’altra caccia mortale, ma svelare dall’interno una civiltà aliena con le sue regole, le sue gerarchie e le sue zone d’ombra.

Il cast principale vede Elle Fanning in un doppio ruolo: oltre a Thia interpreta anche Thessa, un altro sintetico prodotto dalla Weyland-Yutani. Accanto a lei, Dimitrius Schuster-Koloamatangi veste i panni sia di Dek che di suo padre Njohrr, creando un ponte generazionale che arricchisce il sottotesto familiare della storia. Mike Homik interpreta Kwei, il fratello maggiore di Dek, mentre Rohinal Nayaran dà vita a Bud, una creatura nativa del pianeta Genna. Completano il cast Reuben De Jong e Cameron Brown.

La presenza di Elle Fanning porta una dimensione emotiva riconoscibile, un ponte tra lo spettatore e questo mondo estraneo. Il suo personaggio, un androide danneggiato ma resiliente, incarna temi di fragilità e determinazione che risuonano con l’arco narrativo del Predator protagonista. Due esseri incompleti, rotti, che trovano forza nell’alleanza reciproca: un nucleo drammaturgico classico applicato a un contesto fantascientifico estremo.

La sfida è stata quella di far funzionare un film d’azione dove il protagonista comunica in una lingua inventata, indossa una maschera per gran parte del metraggio e appartiene a una specie che per decenni abbiamo imparato a temere. Ma se Prey ha dimostrato qualcosa, è che il franchise Predator ha ancora molto da raccontare, a patto di osare.

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Eppure, per decenni, l’idea di un sequel è rimasta relegata al limbo dei progetti impossibili. Fino a quando Tom Cruise, ormai sessantenne ma ancora ossessionato dal volo e dal cinema che fa battere il cuore, ha deciso che era arrivato il momento di chiudere i conti con Pete “Maverick” Mitchell. E di farlo in grande stile.

Top Gun Maverick, diretto da Joseph Kosinski e uscito nel 2022, è un sequel che vede nella nostalgia il modo migliore per riuscire nell’impresa quasi miracolosa di parlare a chi ha amato l’originale senza escludere chi non c’era nel 1986. Maverick è ancora lì, cristallizzato nel suo ruolo di pilota scapestrato che rifiuta le promozioni e continua a spingersi oltre ogni limite. Dopo oltre trent’anni di servizio nella Marina degli Stati Uniti, Pete Mitchell fa quello che sa fare meglio: collaudare nuovi aerei, sfidare i superiori, vivere ai margini del regolamento. Ma quando viene chiamato a formare una squadra d’élite di giovani piloti per una missione impossibile, il passato bussa alla porta con violenza.

Tra i nuovi allievi dell’accademia Top Gun c’è Bradley Bradshaw, nome in codice Rooster, interpretato da Miles Teller. Bradley è il figlio di Nick “Goose” Bradshaw, il migliore amico di Maverick, morto in un tragico incidente durante una missione nel film originale. Il peso di quella perdita, mai davvero elaborato, torna a galla con una forza devastante. Maverick deve fare i conti non solo con il dolore mai superato, ma anche con il risentimento di un ragazzo che lo considera responsabile della morte del padre. È un nodo emotivo che il film stringe con delicatezza e potenza, senza mai scadere nel sentimentalismo facile.

Il cast di Top Gun Maverick è un equilibrio perfetto tra vecchie glorie e nuove leve. Accanto a Cruise ritroviamo Val Kilmer nei panni di Tom “Iceman” Kazansky, ora ammiraglio e unico vero alleato di Maverick ai vertici della Marina. La scena tra i due, breve ma intensa, è uno dei momenti più toccanti del film, reso ancora più potente dalla consapevolezza che Kilmer ha affrontato una lunga battaglia contro un cancro alla gola che gli ha compromesso la voce. La sua presenza è un atto d’amore verso il film originale e verso il pubblico che non ha mai smesso di credere in quella rivalità diventata amicizia.

Ma ciò che rende Top Gun Maverick un’esperienza cinematografica unica non è solo la trama o il cast. È la tecnica. Joseph Kosinski, regista già collaudato in film visivamente ambiziosi come Tron Legacy e Oblivion, ha accettato la sfida più difficile: girare scene aeree reali, con gli attori dentro i caccia, senza affidarsi esclusivamente agli effetti digitali. Tom Cruise, che ha ottenuto la licenza di pilota di jet da combattimento proprio per questo film, ha preteso che tutti gli attori volassero davvero, sottoponendosi a mesi di addestramento estenuante per sopportare le accelerazioni G e le manovre acrobatiche.

Il risultato è un cinema che si sente nelle viscere. Le sequenze di volo non sono mai state così immersive, realistiche, visivamente sconvolgenti. Ogni virata, ogni picchiata, ogni missile lanciato ha un peso fisico che lo spettatore percepisce. Non c’è filtro digitale che possa replicare l’espressione di un attore sottoposto a 7G, con il viso deformato dalla forza, il respiro strozzato, gli occhi che lottano per restare aperti. Kosinski ha piazzato telecamere IMAX dentro gli abitacoli, ha sincronizzato le riprese con la Marina statunitense, ha orchestrato un balletto aereo che non ha precedenti nella storia del cinema d’azione.

Anche la sceneggiatura, a cui hanno lavorato Christopher McQuarrie, Peter Craig, Justin Marks e Eric Warren Singer, riesce a bilanciare azione e introspezione. McQuarrie, collaboratore di fiducia di Cruise e mente dietro gli ultimi capitoli di Mission: Impossible, aveva inizialmente pensato a un film in cui Maverick non fosse il protagonista assoluto. Ma Cruise e il produttore Jerry Bruckheimer hanno capito che il cuore pulsante della storia doveva restare Pete Mitchell: il suo rifiuto di crescere, la sua incapacità di lasciar andare il passato, la sua fame di adrenalina come unica risposta alla paura della morte.

La missione del film, quella vera, Kosinski e Cruise l’hanno compiuta. Hanno dimostrato che si può tornare a casa dopo 36 anni e trovarla ancora in piedi, ancora capace di accoglierti. Hanno dimostrato che il grande cinema d’azione non è morto, che può ancora far battere il cuore, far trattenere il respiro, far credere che forse, alla fine, vale ancora la pena credere negli eroi.

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Le nuove immagini dal dietro le quinte hanno rivelato che a interpretare Captain Clark è stato Robert Bobroczkyi, ex giocatore di basket diventato attore, noto soprattutto per la sua altezza fuori dal comune.

Captain Clark è stato interpretato da Robert Bobroczkyi

Nel film di Kane Parsons, Captain Clark è la versione mostruosa e deformata del personaggio di Clark, interpretato da Chiwetel Ejiofor. La creatura appartiene alla categoria degli esseri generati dai Backrooms e diventa una delle presenze più memorabili del film.

Nonostante l’aspetto quasi impossibile del personaggio, la produzione ha scelto di costruire la creatura partendo da una performance fisica reale. Bobroczkyi ha indossato un costume e una maschera, mentre gli effetti digitali sono stati utilizzati soprattutto per perfezionare il volto, la gamba artificiale e alcuni dettagli anatomici.

La sua corporatura naturale ha contribuito in modo decisivo alla riuscita del personaggio. L’attore rumeno-ungherese è alto circa 2,31 metri, una caratteristica che ha permesso alla produzione di ottenere una presenza fisica credibile senza affidarsi completamente alla computer grafica.

È lo stesso attore dell’Offspring di Alien: Romulus

Il volto di Bobroczkyi potrebbe risultare familiare agli appassionati di horror. L’attore ha infatti interpretato anche la Progenie in Alien: Romulus, la creatura umanoide che compare nella parte finale del film diretto da Fede Álvarez.

Anche in quel caso, la sua altezza e le sue proporzioni erano state utilizzate come base per costruire un mostro fisico, successivamente completato con trucco, protesi ed effetti digitali.

Il collegamento tra i due film spiega perché Captain  Clark possa ricordare la Progenie: entrambe le creature condividono una fisicità innaturale, arti molto lunghi e movimenti difficili da replicare attraverso un attore di statura comune.

Come è stato realizzato il mostro di Backrooms

Le foto dal backstage mostrano che Captain Clark è stato ottenuto attraverso una combinazione di effetti pratici e interventi digitali. Bobroczkyi ha fornito la base fisica della performance, mentre il costume e la maschera hanno definito la silhouette della creatura.

La CGI è intervenuta successivamente per rendere più credibili il volto deformato, la gamba simile a un arto di legno e alcuni dettagli impossibili da ottenere interamente sul set.

Il risultato conserva però una qualità concreta e materica che deriva dalla presenza reale dell’attore. Nelle sequenze di inseguimento, il peso del corpo, i movimenti e l’interazione con gli ambienti contribuiscono a rendere Captain Clark più disturbante di una creatura costruita esclusivamente al computer.

Una nuova carriera tra i mostri del cinema

Al momento, Alien: Romulus e Backrooms sono gli unici due film presenti nella carriera cinematografica di Robert Bobroczkyi. Entrambi, però, lo hanno già reso riconoscibile come interprete di creature horror fuori dal comune.

Il suo percorso ricorda quello di attori specializzati come Javier Botet, diventato celebre grazie alla capacità di utilizzare la propria fisicità per interpretare esseri inquietanti in film come REC, La madre e It.

Dopo aver dato vita alla Progenie e a Captain Clark, Bobroczkyi potrebbe quindi diventare uno dei nuovi volti del cinema horror fisico, soprattutto per produzioni che cercano creature capaci di sembrare reali già durante le riprese.

Captain Clark non è dunque soltanto un effetto speciale: è il risultato dell’incontro tra una performance reale, un costume pratico e interventi digitali mirati. Ed è proprio questa combinazione a renderlo uno dei mostri più memorabili di Backrooms.

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Diretto nel 2019 da Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, il film fonde thriller, fantascienza, horror, satira politica e cinema d’azione in un’opera che sfugge a qualsiasi definizione. Non a caso ha conquistato il 93% di recensioni positive su Rotten Tomatoes (169 recensioni certificate) ed è considerato uno dei film internazionali più originali degli ultimi anni.

In un periodo in cui il western sembrava ormai un genere confinato a poche produzioni, Bacurau ha dimostrato come fosse ancora possibile reinventarlo, trasformandolo in una riflessione sulla società contemporanea senza rinunciare allo spettacolo.

Di cosa parla Bacurau

La storia è ambientata in un piccolo villaggio del Brasile che, dopo la morte della sua anziana guida spirituale Carmelita, scopre di essere misteriosamente scomparso dalle mappe digitali. Tra i protagonisti spicca Sônia Braga, che interpreta Domingas, una delle figure più autorevoli e combattive della comunità.

Poco dopo iniziano ad accadere eventi sempre più inquietanti: un drone dall’aspetto simile a un UFO sorvola la zona, i telefoni smettono di funzionare e alcuni misteriosi stranieri iniziano a osservare gli abitanti.

Quando un gruppo di mercenari armati, guidati dal carismatico e inquietante Udo Kier, arriva con l’obiettivo di sterminare l’intera comunità, gli abitanti di Bacurau decidono di reagire, trasformando il proprio paese in un’imprevedibile roccaforte di resistenza.

Ciò che rende il film così particolare è il modo in cui cambia continuamente pelle. Inizia come un dramma rurale, diventa un thriller ricco di mistero e si trasforma progressivamente in un violento racconto di sopravvivenza. Lo spettatore non sa mai davvero quale direzione prenderà la storia, ed è proprio questa imprevedibilità uno dei suoi maggiori punti di forza.

Un western moderno tra fantascienza e critica sociale

Pur richiamando molti elementi del western classico, Bacurau utilizza il genere per raccontare temi profondamente contemporanei come il colonialismo, le disuguaglianze sociali, il potere economico e la resistenza delle comunità più emarginate.

L’influenza dei cosiddetti acid western, inaugurati negli anni Settanta da film come El Topo di Alejandro Jodorowsky, è evidente. Quel filone reinterpretava il western attraverso surrealismo, psichedelia e simbolismo, rompendo completamente con la tradizione hollywoodiana.

Bacurau riprende quello spirito ma lo aggiorna al XXI secolo. Al posto della frontiera americana troviamo il Brasile contemporaneo; al posto dei classici pistoleri arrivano mercenari armati di tecnologia e protagonisti costretti a difendere il proprio territorio da una violenza esterna.

Il risultato è un prodotto capace di alternare tensione, violenza, umorismo nero e riflessione politica senza perdere mai la propria identità.

Il film che ha consacrato Kleber Mendonça Filho

Prima di Bacurau, Kleber Mendonça Filho aveva già attirato l’attenzione della critica internazionale grazie a Neighboring Sounds e Aquarius, opere dedicate ai cambiamenti della società brasiliana.

Con Juliano Dornelles, già scenografo dei suoi lavori precedenti, il regista realizza probabilmente il suo film più ambizioso, fondendo il cinema d’autore sudamericano con il linguaggio del thriller e del cinema di genere americano.

Dal Festival di Cannes a Sitges

Presentato in anteprima al Festival di Cannes 2019, dove ha conquistato il prestigioso Premio della Giuria, Bacurau ha continuato il proprio percorso festivaliero anche al Sitges – Festival Internazionale del Cinema Fantastico della Catalogna, consolidando la propria reputazione come una delle opere di genere più apprezzate dell’anno.

Il film è stato accolto con entusiasmo dalla critica internazionale. Oltre all’eccellente valutazione su Rotten Tomatoes, numerosi recensori lo hanno definito una delle opere più originali del 2019, mentre su Letterboxd continua a ottenere valutazioni molto elevate da parte degli appassionati.

La distribuzione internazionale è stata però penalizzata dall’arrivo della pandemia, che ne ha limitato la diffusione in diversi mercati, compresi gli Stati Uniti.

Perché vale ancora la pena recuperarlo

Pur non avendo ottenuto un grande successo commerciale fuori dal Brasile, negli anni Bacurau è diventato un autentico cult tra gli appassionati di cinema.

A distanza di tempo continua infatti a essere uno degli esempi più interessanti di come il western possa ancora reinventarsi senza perdere la propria forza narrativa.

Più che raccontare il mito della frontiera americana, il film utilizza le regole del genere per costruire una storia di resistenza collettiva, dando vita a un’esperienza cinematografica imprevedibile, provocatoria e profondamente originale.

Se cercate un western fuori dagli schemi, capace di fondere cinema d’autore, fantascienza, horror e satira sociale, Bacurau è probabilmente una delle opere più sorprendenti degli ultimi anni.

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Il re di Itaca (John D’Aquino) viene presentato come un sovrano perseguitato da Poseidone dopo aver accecato Polifemo. Convinto che Penelope sia morta, tenta di tornare a casa mentre il dio del mare gli scatena contro pirati, tempeste e Sirene. Xena e Olimpia (Lucy Lawless e Renée O’Connor) decidono di aiutarlo, ma durante il viaggio Ulisse si innamora rapidamente della Principessa Guerriera.

È qui che nasce il principale problema dell’episodio. Nell’Odissea, il desiderio di tornare da Penelope è il motore dell’intera narrazione. Ulisse affronta Circe, Calipso, le Sirene e ogni altra tentazione senza rinunciare a Itaca. In Xena e il ritorno di Ulisse, invece, bastano pochi giorni accanto a Xena perché sia disposto a mettere in discussione la moglie, il regno e la missione che lo ha guidato per anni.

La riscrittura non rende il personaggio più moderno o complesso. Lo rende meno coerente. Quando scopre che Penelope è viva, continua infatti a dichiarare il proprio amore per Xena, arrivando perfino a offrirsi di lasciare tutto per lei. La fedeltà che definiva l’eroe omerico lascia così spazio a un’infatuazione improvvisa che fatica a risultare credibile.

Il ribaltamento è ancora più evidente se si considera che, nel poema, sono le figure femminili incontrate durante il viaggio a tentare di trattenere Ulisse lontano da Itaca. Nella serie è invece lui stesso a essere pronto ad abbandonare il ritorno, trasformando Xena nell’ostacolo sentimentale che l’eroe non riesce a superare da solo.

Lo stesso accade con la celebre prova dell’arco. Nell’Odissea, soltanto Ulisse riesce a tendere la propria arma, dimostrando di essere il legittimo re di Itaca. Nell’episodio, invece, ci riesce solo grazie all’aiuto segreto di Xena, che piega l’arco dall’ombra senza permettere a nessuno di accorgersene.

È una scelta coerente con la filosofia di Xena – Principessa Guerriera, che spesso pone la protagonista al di sopra degli eroi maschili della tradizione. L’effetto collaterale, però, è inevitabile: Ulisse recupera il proprio regno attraverso una vittoria che non gli appartiene completamente.

In effetti è Xena a rendere possibile ogni svolta del racconto. Recupera la nave, affronta Poseidone, combatte i pirati, salva l’equipaggio dalle Sirene e permette a Ulisse di riconquistare il trono. Alla fine decide persino che nessuno dovrà sapere del suo intervento con l’arco: quella deve restare la leggenda di Ulisse, perché il popolo di Itaca ha bisogno di credere nel proprio re.

È l’unico momento in cui Xena e il ritorno di Ulisse propone una rilettura davvero originale del mito. La gloria dell’eroe non nasce soltanto dalle sue imprese, ma anche da ciò che Xena sceglie di nascondere. La serie suggerisce così che dietro molte leggende possano esistere figure rimaste invisibili, decisive ma escluse dal racconto ufficiale.

Allo stesso tempo, però, è evidente che l’episodio non è davvero interessato a riscrivere l’Odissea. Usa Ulisse per dimostrare che Xena può superare anche uno dei più celebri eroi della tradizione classica. Non solo resiste alle Sirene, ma le batte con il proprio canto; non solo combatte al fianco del re, ma lo salva; non solo può conquistare il suo amore, ma sceglie di rinunciarvi.

Anche la storia d’amore convince poco. Più che un rapporto tra pari, sembra una relazione in cui Ulisse dipende continuamente da Xena. È lei a salvarlo, guidarlo e, infine, ricordargli quali siano le sue responsabilità verso Penelope e Itaca. Perfino la scelta finale appartiene più alla protagonista che all’eroe.

Ulisse afferma di non amare più Penelope e di aver forse idealizzato il loro legame, ma la stessa obiezione potrebbe essere rivolta ai sentimenti che sostiene di provare per Xena. La conosce da pochissimo e sembra innamorato più dell’idea della Principessa Guerriera che della donna reale. La rapidità con cui è pronto a sacrificare tutto rende il personaggio impulsivo, non romantico.

Non sorprende quindi che molti spettatori considerino l’episodio fuori posto nella seconda stagione. A questo punto di Xena – Principessa Guerriera, il rapporto tra Xena e Olimpia aveva già raggiunto una profondità emotiva tale da rendere poco credibile una passione nata nel giro di pochi giorni.

Paradossalmente, tutto questo finisce per rafforzare proprio il legame tra le due protagoniste. Le scene più autentiche non sono quelle romantiche con Ulisse, ma quelle in cui Xena e Olimpia condividono dubbi, sacrifici e scelte. Quando Xena afferma che è stata Olimpia a insegnarle ad amare, il peso emotivo dell’episodio si sposta definitivamente sulla loro relazione.

Ulisse diventa così un catalizzatore temporaneo. Non è lui a trasformare Xena, perché quel cambiamento è già avvenuto attraverso Olimpia. La storia d’amore dichiarata dai dialoghi appare meno profonda del rapporto costruito nel tempo attraverso la fiducia, la complicità e la continuità emotiva tra le due protagoniste.

Per questo Xena e il ritorno di Ulisse resta uno degli episodi meno riusciti della seconda stagione del 1997. La rilettura del mito sacrifica la coerenza del protagonista per esaltare Xena e costruisce una relazione sentimentale che non riesce mai a risultare davvero convincente.

Il risultato è un paradosso: nel tentativo di raccontare la passione tra Xena e Ulisse, l’episodio conferma ancora una volta che il legame più autentico, profondo e duraturo di Xena – Principessa Guerriera è quello tra Xena e Olimpia. Ulisse torna a Itaca e recupera la propria leggenda. Xena riparte. E la persona che resta al suo fianco è, ancora una volta, Olimpia.

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Aldis Hodge interpreta Alex Cross con un’intensità che va oltre la semplice caratterizzazione. Il suo Cross non è solo uno stimato detective della squadra omicidi, ma un psicologo forense che utilizza la propria conoscenza dell’animo umano come arma investigativa. Questa peculiarità lo rende diverso dai colleghi: mentre altri cercano prove materiali, lui scandaglia il mondo interiore delle vittime, raccogliendo elementi invisibili a occhi meno esperti. È un approccio che richiede empatia, ma anche la capacità di guardare nell’abisso senza lasciarsene inghiottire.

La trama della prima stagione si innesca quando un serial killer inizia a seminare il terrore nella capitale americana. Cross, affiancato dal fedele partner John Sampson interpretato da Isaiah Mustafa, si lancia in un’indagine che assume rapidamente contorni personali. Mentre i cadaveri si accumulano e il killer dimostra una crudeltà sempre più elaborata, emerge dal passato di Alex una minaccia misteriosa che rischia di far crollare l’equilibrio precario che ha costruito dopo la morte della moglie.

Proprio qui risiede il cuore pulsante della serie: Alex Cross è un padre vedovo che cerca disperatamente di tenere insieme una famiglia in lutto. I figli Damon e Janelle, interpretati rispettivamente da Caleb Elijah e Melody Hurd, non sono semplici comparse nel dramma del padre. Damon è curioso e sensibile, porta dentro di sé domande che non sempre trova il coraggio di porre. Janelle è coraggiosa e atletica, incarna quella resilienza che spesso i bambini manifestano di fronte al dolore. Entrambi hanno bisogno di un padre presente, ma Cross è un uomo ossessionato dal lavoro, consumato dalla necessità di dare un senso alla morte attraverso la giustizia.

La seconda stagione, disponibile dall’11 febbraio 2026, amplia l’universo narrativo introducendo nuovi personaggi e minacce. Cross si trova ad affrontare una temibile killer, come suggeriscono i trailer, mentre deve gestire anche una nuova partner investigativa. La struttura a otto episodi per stagione permette un ritmo serrato, anche se alcuni hanno criticato la durata degli episodi e la proliferazione di sottotrame che rischiano di disperdere l’attenzione.

Il tema della salute mentale viene sviscerato con attenzione, senza trasformarlo in un espediente narrativo superficiale. Cross è brillante ma imperfetto, pieno di contraddizioni. È alla disperata ricerca di amore, ma il trauma lo ha danneggiato al punto da renderlo incapace di abbassare le difese anche quando vorrebbe.

Alex Cross è una serie che pone domande scomode sulla natura del male, sulla possibilità di trovare equilibrio tra dovere professionale e responsabilità familiare, sulla capacità di riconoscere l’amore quando il trauma ha eretto barriere apparentemente invalicabili. È un thriller psicologico che ti entra nella testa non solo attraverso la caccia al serial killer, ma attraverso l’esplorazione di un uomo che cerca di salvare gli altri mentre fatica a salvare se stesso.

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La serie, creata da Robert Doherty (già ideatore di Elementary), si basa sul romanzo L’esca mortale di Carl Hiaasen, pubblicato nel 1987. Si tratta del secondo adattamento televisivo di un’opera dello scrittore e giornalista statunitense, dopo Bad Monkey di Apple TV del 2024. Hiaasen è conosciuto per le sue storie ambientate nella Florida più eccentrica e criminale, un territorio dove il sole accecante illumina gli angoli più oscuri della natura umana.

Scott Speedman, volto noto al pubblico televisivo per Grey’s Anatomy e Felicity, interpreta R.J. Decker, un uomo la cui carriera giornalistica è andata in frantumi quando è finito in prigione. Non per un errore professionale qualsiasi, ma per falsa testimonianza su ordine di un senatore corrotto. Diciotto mesi dietro le sbarre: abbastanza per perdere tutto quello che aveva costruito, ma non abbastanza per spezzarlo definitivamente.

Uscito dal carcere, Decker non può più tornare al fotogiornalismo. La macchina fotografica che un tempo catturava la verità per raccontarla al mondo ora è solo un ricordo. Ma un occhio allenato a vedere quello che gli altri non notano, a cogliere i dettagli che fanno la differenza tra una foto qualunque e uno scatto memorabile, può rivelarsi prezioso anche in un altro mestiere. Così nasce l’investigatore privato R.J. Decker, operativo nel sud della Florida, un territorio pittoresco quanto pericoloso, dove i crimini possono essere bizzarri e brutali.

La prima stagione, composta da nove episodi, presenta una galleria di casi che spaziano dall’omicidio di una casalinga alla misteriosa scomparsa del figlio di un magnate dei centri di riabilitazione, fino a una rapina dal risultato fallimentare. E in tutto questo, una misteriosa benefattrice gli promette finanziamenti, ma anche il rischio di tornare in carcere. Ma quello che rende davvero particolare questa serie non sono solo i delitti da risolvere: è la squadra improbabile che Decker mette insieme per farlo.

R.J. Decker rappresenta un’aggiunta interessante al panorama delle serie crime contemporanee. Non si limita a essere l’ennesimo procedural poliziesco: porta con sé il sapore distintivo delle opere di Carl Hiaasen, quel mix di crimine, satira sociale e peculiarità tutta floridiana che rende i suoi romanzi così riconoscibili. La Florida del Sud non è solo uno sfondo esotico: è un personaggio a sé stante, con il suo caldo opprimente, i suoi colori sgargianti, la sua fauna umana variegata e spesso pericolosa.

Per il pubblico italiano, abituato a una lunga tradizione di crime europeo spesso cupo e filosoficamente denso, R.J. Decker potrebbe rappresentare una boccata d’aria diversa. Mantiene la complessità dei personaggi e la serietà dei temi (corruzione, giustizia, redenzione), ma li avvolge in un’atmosfera più solare, più ironica, più disposta a giocare con i clichè del genere.

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Diretto dal duo Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, il film racconta la disavventura di Grace, una giovane sposa interpretata da Samara Weaving, nipote del celebre Hugo Weaving e figlia di Simon, filmmaker e direttore artistico del Canberra International Film Festival. Grace ha appena sposato Alex Le Domas, rampollo di una ricchissima famiglia che ha costruito il proprio impero sui giochi da tavolo. Fin qui, tutto sembra filare liscio: un matrimonio da favola in una tenuta imponente, champagne a fiumi, un abito bianco impeccabile.

Ma quando l’orologio segna la mezzanotte, la notte di nozze prende una piega inaspettata. Grace viene invitata a partecipare a una tradizione secolare della famiglia: ogni nuovo membro deve pescare una carta da un mazzo per determinare a quale gioco parteciperà. La scelta ricade sul nascondino. Cosa può esserci di pericoloso in un innocente gioco dell’infanzia, vi chiederete. Tutto, quando la tua nuova famiglia è convinta che se non ti uccideranno prima dell’alba, una maledizione terribile si abbatterà su di loro.

Quello che doveva essere un rito innocuo si trasforma in una caccia all’uomo spietata. I Le Domas, capitanati dal patriarca Tony interpretato da Henry Czerny e dalla matriarca Becky di Andie MacDowell, si armano fino ai denti: balestre, fucili, armi da fuoco d’epoca. Grace, intrappolata nella labirintica dimora di famiglia, deve usare ogni grammo di astuzia e determinazione per sopravvivere fino all’alba. Il gioco ha inizio e la sposina in abito bianco diventa preda.

La forza di Finché morte non ci separi risiede nella capacità di bilanciare registri diversi senza mai cadere nel ridicolo. È un horror che fa paura, ma è anche una commedia che strappa risate nervose. È un thriller adrenalinico, ma nasconde una satira sociale affilata sulla lotta di classe, sul privilegio ereditato, sulla follia delle tradizioni familiari portate all’estremo. Non c’è soltanto sangue e violenza splatter: c’è un commento pungente su come i ricchi proteggano il proprio status a qualsiasi costo, letteralmente.

Il cast corale funziona magnificamente. Adam Brody nei panni di Daniel, il fratello cinico e alcolizzato di Alex, offre momenti di inaspettata profondità emotiva. Andie MacDowell è perfetta come matriarca ossessionata dalle apparenze. L’intero clan Le Domas rappresenta una galleria di personaggi eccentrici, ridicoli nella loro serietà mortale, terrificanti nella loro determinazione omicida. Sono ricchi annoiati che giocano con vite umane perché credono di averne il diritto, perché la tradizione lo impone, perché hanno paura di perdere tutto.

Finché morte non ci separi può essere letto come una versione moderna di Rosemary’s Baby, come hanno dichiarato gli stessi registi. Non per la trama, ovviamente, ma per i ritmi terrificanti e per il focus su una protagonista femminile intrappolata in una situazione che sfugge al suo controllo. È un thriller femminile che mette al centro l’esperienza di Grace, il suo punto di vista, la sua lotta per l’autodeterminazione contro una struttura familiare oppressiva e violenta.

C’è anche un pizzico di folklore e superstizione. I Le Domas credono fermamente nella maledizione che colpirà la famiglia se non rispetteranno il patto con il diavolo. Questo elemento soprannaturale viene introdotto gradualmente, lasciando lo spettatore incerto su quanto sia reale e quanto sia suggestione. La carta del nascondino viene scelta da Grace quasi per destino: il diavolo, suggerisce il film, cerca persone pure di cuore proprio per corromperle o distruggerle. Ma Grace non ha intenzione di farsi distruggere facilmente.

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Dopo aver completato Odissea, Nolan ha infatti spiegato di voler rallentare, precisando che passeranno “almeno tre anni” prima del suo prossimo progetto cinematografico.

Parlando della lavorazione del kolossal ispirato al poema di Omero, il regista ha raccontato quanto sia stata impegnativa la produzione.

“Credo di aver raggiunto il limite della mia resistenza, e anche di quella di tutta la troupe.”

Nolan ha definito Odissea una delle esperienze più estenuanti della sua carriera, sia dal punto di vista fisico che creativo.

“È l’Odissea. Naturalmente doveva essere difficile.”

Secondo il regista, adattare uno dei racconti più importanti della letteratura occidentale richiedeva inevitabilmente uno sforzo fuori dal comune.

“Se realizzare un film tratto dall’Odissea non sembra difficile, allora significa che non stiamo facendo bene il nostro lavoro.”

La produzione ha coinvolto riprese in numerosi Paesi, un vasto impiego di cineprese IMAX e un approccio che ha privilegiato scenografie reali, imbarcazioni costruite appositamente ed effetti pratici, limitando il più possibile il ricorso alla computer grafica.

Negli ultimi anni Nolan aveva mantenuto un ritmo piuttosto costante, arrivando nelle sale circa ogni tre anni con Interstellar, Dunkirk, Tenet, Oppenheimer e ora Odissea.

Questa volta, però, il regista ha lasciato intendere che la pausa potrebbe essere ancora più lunga. Al momento non esistono informazioni sul suo prossimo progetto e, stando alle sue dichiarazioni, il ritorno dietro la macchina da presa non avverrà prima di tre anni.

Per i fan del regista significa che Odissea potrebbe restare il suo unico film per buona parte del resto del decennio.

L'articolo Christopher Nolan si fermerà per almeno 3 anni dopo Odissea: “Ho raggiunto il mio limite” proviene da Il Cineocchio.

Esattamente come, 22 anni dopo, sta accadendo con Odissea di Christopher Nolan. Un film che, ispirandosi all’altra epica omerica, mette in piedi un film dall’incredibile sforzo produttivo, ma che sta attirando le critiche da parte dei fan dell’opera. Per le libertà creative, per le scelte di casting e per tantissimi fattori. Ma se siete tra coloro che hanno visto la nuova opera di Nolan e ne volete ancora, ecco perché dovreste recuperare anche Troy.

La trama si concentra sul 1200 avanti Cristo, quando le città-stato della Grecia sono sotto il controllo di Agamennone, interpretato da un Brian Cox autoritario e spietato. Troia resta l’unica città libera dal suo dominio, un’onta che il re acheo non può tollerare. L’occasione per muovere guerra arriva quando Paride, principe troiano dal volto di Orlando Bloom, si innamora perdutamente di Elena durante una missione diplomatica a Sparta. Lei è la moglie di Menelao, fratello di Agamennone, ma la passione travolge ogni prudenza. Paride la conduce segretamente a Troia, nascondendola sulla sua nave.

Il rapimento di Elena diventa il casus belli perfetto per Agamennone, che da tempo progetta la conquista di Troia. Ma per vincere ha bisogno del più grande guerriero della Grecia: Achille. Brad Pitt costruisce un personaggio complesso, lontano dall’eroe monodimensionale. Questo Achille è arrogante, spregiudicato, assetato di gloria eterna più che di giustizia. Quando sua madre, la dea Teti interpretata da Julie Christie, gli predice che a Troia le sue gesta saranno cantate per secoli, l’uomo non esita. Abbandona Ftia con i suoi mirmidoni e il giovane cugino Patroclo, determinato a scrivere il proprio nome nella storia.

Per incarnare il semidio, Pitt si sottopose a sei mesi di allenamento intensivo sotto la guida di preparatori atletici. L’obiettivo era scolpire un fisico che sembrasse davvero quello di un essere a metà tra uomo e dio. L’attore smise persino di fumare, una rinuncia che definì più dura dell’allenamento stesso. Il risultato è visibile nella celebre scena d’apertura, quando Achille sbarca sulle coste troiane: un corpo atletico ma non gonfio, agile e letale, che si muove sul campo di battaglia con una coreografia quasi danzante.

Di fronte ad Achille si staglia Ettore, primogenito del re Priamo e difensore di Troia. Eric Bana costruisce il contraltare perfetto: dove Achille è individualista, Ettore è devoto alla famiglia e al popolo; dove il greco cerca la gloria personale, il troiano combatte per proteggere chi ama. Il film gioca sulla loro ammirazione reciproca, due guerrieri che riconoscono l’eccellenza l’uno dell’altro pur essendo nemici mortali. È Ettore a pronunciare una delle battute più memorabili, rimproverando il fratello minore dopo l’imprudenza che ha scatenato la guerra: “Hai mai ucciso un uomo? Hai mai visto un uomo morire? Io ne ho uccisi molti e li ho sentiti morire. No, non c’è nulla di glorioso nella morte in battaglia”.

Troy è disponibile per lo streaming su diverse piattaforme, da Amazon Prime Video a Now TV e Sky Go, permettendo a nuove generazioni di scoprire o riscoprire questo kolossal che ha provato a rendere Omero accessibile a un pubblico di massa. Un’operazione commerciale, certamente, ma anche un tentativo di riportare il mito greco al centro della cultura popolare contemporanea, con tutti i compromessi che questo comporta.

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Cosa succederebbe se mescolassimo l’atmosfera claustrofobica e la tensione insostenibile di Sicario con la struttura narrativa e l’ambizione geografica di Jack Ryan? Il risultato è una spy story che rifugge il glamour hollywoodiano delle avventure di James Bond per abbracciare invece il realismo sporco e disincantato delle operazioni di intelligence moderne.

Al centro della narrazione troviamo il programma clandestino Lioness, un’unità speciale della CIA che recluta agenti donne per infiltrarsi in organizzazioni criminali e terroristiche internazionali. Ma il metodo utilizzato è tutt’altro che convenzionale. Le operatrici non si avvicinano direttamente ai bersagli, strategia che le esporrebbe immediatamente a rischi letali. Invece, stringono amicizie con le mogli, le fidanzate, le sorelle e le figlie di questi uomini pericolosi, diventando parte del loro circolo intimo senza mai destare sospetti.

Zoe Saldaña interpreta Joe McNamara, l’ufficiale che gestisce il programma e che si trova costantemente in bilico tra le esigenze operative e il peso morale delle missioni che assegna. La prima stagione si concentra su un’agente inesperta che deve avvicinarsi alla figlia di un finanziatore del terrorismo, un compito che la costringe a costruire un legame autentico con una persona che dovrà inevitabilmente tradire.

È qui che emerge la firma inconfondibile di Sheridan, quel suo talento nel costruire dilemmi morali senza facili risoluzioni. Come in Sicario, dove Emily Blunt interpretava un’agente dell’FBI intrappolata in un’operazione sempre più torbida al confine messicano, anche in Lioness i personaggi si trovano ad affrontare scelte impossibili dove non esistono opzioni pulite. La differenza tra giusto e sbagliato si sfuma, lasciando solo zone grigie sempre più estese.

La serie funziona proprio perché Sheridan applica lo stesso rigore tematico che caratterizza i suoi western a un genere completamente diverso. I temi dell’identità fluida, del sacrificio personale per un bene superiore discutibile, della violenza come strumento politico e della famiglia come ancora morale in un mondo ostile attraversano sia Yellowstone che Lioness. Cambiano gli scenari, i costumi e le armi, ma la sostanza rimane coerente.

Con l’avvicinarsi della terza stagione, Lioness si conferma come la prova definitiva che Taylor Sheridan può eccellere anche lontano dai territori familiari del western. La sua capacità di costruire mondi narrativi coerenti, popolati da personaggi moralmente complessi che affrontano dilemmi impossibili, funziona indipendentemente dal periodo storico o dal genere di riferimento.

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La storia parte da un’idea di portare sullo schermo il leggendario marinaio di Bassora, protagonista delle Mille e una notte, in una veste modernizzata e spettacolare. I registi Tim Johnson e Patrick Gilmore, freschi del successo di “Z la formica”, volevano creare un’epica avventura che mescolasse l’animazione tradizionale bidimensionale con le più avanzate tecniche digitali tridimensionali. Il risultato sulla carta era promettente: un “tradigital” che avrebbe dovuto rappresentare il meglio dei due mondi.

La trama intreccia elementi classici della mitologia con dinamiche da action movie. Sinbad, interpretato vocalmente da Brad Pitt nell’originale e da Pino Insegno nella versione italiana, è un pirata affascinante e cinico che viene incastrato dalla perfida Eris, dea greca del caos e della discordia. Il furto del Libro della Pace, un manufatto leggendario capace di garantire prosperità, viene attribuito a lui mentre il vero responsabile è proprio Eris. A pagare il prezzo dell’accusa è Proteo, il migliore amico di Sinbad, che accetta di essere giustiziato al posto suo se il marinaio non recupererà il prezioso volume.

Qui entra in scena Marina, la fidanzata di Proteo con la voce d Catherine Zeta-Jones, che si imbarca clandestinamente sulla nave di Sinbad per assicurarsi che mantenga la promessa. Tra i due nasce una tensione palpabile, fatta di battibecchi, prove di coraggio e un’attrazione crescente che mette in discussione le certezze di entrambi. Il viaggio verso il regno di Eris diventa così un percorso di redenzione per Sinbad, chiamato a scegliere tra il proprio egoismo e il sacrificio per gli altri.

Dal punto di vista tecnico, Sinbad rappresentava un esperimento coraggioso, un film all’avanguardia che non è mai stato capito fino in fondo. La DreamWorks investì pesantemente nel creare creature digitali spettacolari: il mostro marino dell’apertura, le sirene ammalianti e mortali che emergono dagli spruzzi d’acqua, l’uccello di ghiaccio gigantesco. Eris stessa, con la sua capacità di mutare forma e dissolvere il proprio corpo in volute fumose, era un concentrato di animazione tridimensionale d’avanguardia. Gli sfondi marini, i tramonti infuocati, le tempeste oceaniche: tutto era progettato per impressionare visivamente.

Il cast vocale originale era stellare: oltre a Pitt e Pfeiffer, c’erano Catherine Zeta-Jones, Joseph Fiennes, Dennis Haysbert. In Italia, Claudia Gerini affiancava Pino Insegno in una localizzazione di buon livello. Eppure nemmeno i nomi altisonanti riuscirono a salvare il film al botteghino. Negli Stati Uniti “Sinbad” registrò i minori incassi tra tutti i film usciti nel 2003, un record negativo che segnò profondamente la DreamWorks. Un vero peccato considerando che al giorno d’oggi il film è una perla da recuperare.

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Al momento 20th Century Studios non ha ancora annunciato ufficialmente il progetto, ma le nuove informazioni suggeriscono che lo sviluppo sarebbe ormai a uno stadio molto avanzato.

Secondo le indiscrezioni, il sequel vedrà il ritorno delle due protagoniste originali, Megan Fox e Amanda Seyfried, che nel primo film interpretarono Jennifer Check e Needy Lesnicki.

Alla regia dovrebbe tornare anche Karyn Kusama, mentre la sceneggiatura sarebbe nuovamente affidata a Diablo Cody, premio Oscar per Juno e autrice del film originale.

Già nell’ottobre 2025 Kusama aveva confermato che Cody stava lavorando allo script del sequel, alimentando le speranze dei fan dopo anni di rumor.

Uscito nel 2009, Jennifer’s Body non ottenne il successo sperato al botteghino. Con il passare degli anni, però, il film è stato completamente rivalutato grazie all’home video e allo streaming, fino a essere considerato da molti uno dei cult horror più importanti degli anni Duemila.

La storia seguiva Jennifer, una liceale sacrificata durante un rituale satanico che tornava in vita trasformandosi in una creatura demoniaca costretta a nutrirsi di ragazzi per sopravvivere. Accanto a lei c’era Needy, la migliore amica destinata a diventare l’unica in grado di fermarla.

Per Karyn Kusama il progetto rappresenterebbe anche il ritorno alla regia cinematografica dopo oltre sette anni di assenza.

Negli ultimi anni la regista si è dedicata principalmente alla televisione, lavorando come produttrice esecutiva della serie Yellowjackets. Parallelamente continua a sviluppare anche Stan, nuovo progetto con Daisy Edgar-Jones e Drew Starkey.

Tra i suoi film più apprezzati figurano anche The Invitation, Girlfight e Destroyer.

Nonostante le indiscrezioni siano sempre più insistenti, Jennifer’s Body 2 non è ancora stato annunciato ufficialmente da 20th Century Studios.

Se le informazioni dovessero essere confermate, le riprese inizieranno già a ottobre con il ritorno del team creativo originale, un elemento che rappresenta probabilmente la notizia più attesa dai fan del film.

Dopo oltre quindici anni, Jennifer Check potrebbe quindi essere pronta a tornare sul grande schermo.

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A raccontarlo è stato Alan Horn, storico presidente e COO di Warner Bros., che in un’intervista rilasciata a The Hollywood Reporter ha ricordato i forti dubbi avuti quando Eastwood gli presentò la sceneggiatura.

«Clint venne da me con il suo solito modo di fare, molto pacato. Non aveva ancora scelto il cast. Lessi la sceneggiatura e pensai: “Non la vedo”. Mi dissi: “Non so se le donne vogliano vedere una donna combattere“».

All’inizio degli anni Duemila il pugilato femminile era ancora uno sport di nicchia e lo studio temeva che il pubblico non fosse interessato a un dramma sportivo con una protagonista donna.

Il finale era il vero problema

I dubbi di Warner Bros., tuttavia, non riguardavano soltanto il soggetto. A preoccupare maggiormente Alan Horn era soprattutto il tono estremamente drammatico della parte finale del film.

Pur non bocciando definitivamente il progetto, il dirigente cercò più volte di convincere Eastwood ad alleggerire alcuni degli sviluppi narrativi.

«Gli dissi: “Non ti sto dicendo di no”. Ma quel film mi distruggeva. Gli chiesi: “Deve proprio morire alla fine?“. Clint rispose: “Temo di sì”. Gli chiesi: “Deve davvero mordersi la lingua?”. Lui rispose: “È questa la strada che dobbiamo seguire”. Allora domandai: “Deve anche perdere l’incontro?”. Questo dimostra che William Goldman aveva ragione: a Hollywood nessuno sa davvero niente».

Eastwood, però, non volle modificare la sceneggiatura e difese fino in fondo la propria visione del film.

Clint Eastwood cercò altri finanziatori

Di fronte alle perplessità dello studio, Eastwood ottenne il permesso di cercare partner esterni disposti a sostenere il progetto.

La casa di produzione Lakeshore Entertainment si dichiarò disponibile a coprire metà del budget del film, stimato in circa 30 milioni di dollari. Considerando la fama di Eastwood come regista rapido ed estremamente attento ai costi, la soluzione rese l’operazione molto meno rischiosa per Warner Bros.

Alla fine Alan Horn diede il via libera alla produzione, pur mantenendo tutte le proprie riserve sulla storia.

Il film conquistò quattro Premi Oscar

Le riprese si svolsero tra giugno e luglio del 2003 e il film arrivò nelle sale in tempo per partecipare alla stagione dei premi.

Contro ogni previsione, Million Dollar Baby si impose agli Academy Awards del 2005 conquistando quattro statuette: Miglior Film, Miglior Regia per Clint Eastwood, Miglior Attrice a Hilary Swank e Miglior Attore non protagonista a Morgan Freeman.

Un risultato che smentì completamente le iniziali perplessità dello studio e trasformò quello che sembrava un progetto troppo rischioso in uno dei maggiori successi della carriera di Eastwood.

Un altro esempio di quanto Hollywood sia imprevedibile

A distanza di anni, Alan Horn ha ammesso che l’esperienza di Million Dollar Baby gli ricordò una delle frasi più celebri dello sceneggiatore William Goldman: “A Hollywood nessuno sa niente”.

Una riflessione che continua a essere attuale. Quello che per Warner Bros. sembrava un film troppo cupo e difficile da vendere si trasformò infatti in uno dei titoli più premiati e apprezzati del decennio, confermando ancora una volta quanto sia impossibile prevedere il successo di un’opera cinematografica.

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Ospite del The Rich Eisen Show, Damon ha spiegato che il progetto non è ancora pronto, ma che il confronto con Berger avrebbe finalmente portato a individuare una possibile direzione narrativa.

«Sto parlando con un grande regista di nome Ed Berger. Ha diretto Niente di nuovo sul fronte occidentale. È un regista meraviglioso e ne stiamo discutendo. Stiamo cercando di definire la storia, perché mi piacerebbe davvero farlo».

Il motivo per cui il nuovo film ha richiesto così tanto tempo non dipende soltanto dalle difficoltà produttive. Damon non vuole tornare nel ruolo per nostalgia o per rilanciare meccanicamente il franchise.

L’attore considera infatti i primi tre film — The Bourne Identity, The Bourne Supremacy e The Bourne Ultimatum — un ciclo narrativo compatto, costruito intorno alla ricerca dell’identità del protagonista e alle conseguenze del programma Treadstone.

«Se lo faremo, vogliamo che sia come i primi tre. Non è costruito come James Bond, dove ogni film rappresenta una missione separata».

La differenza indicata da Damon è importante. Jason Bourne non può essere semplicemente inviato verso una nuova minaccia, come se ogni capitolo potesse ripartire da zero. La saga ha bisogno di una storia legata al passato del personaggio e capace di aggiungere qualcosa alla sua evoluzione.

Nonostante la sceneggiatura non sia ancora definitiva, Damon sembra più fiducioso rispetto agli aggiornamenti degli ultimi anni. L’attore ritiene che lui e Berger abbiano finalmente intravisto un modo convincente per riportare Bourne sul grande schermo.

«Spero che riusciremo a trovare la soluzione. Credo che ora abbiamo una direzione abbastanza chiara su come farlo».

Non si tratta ancora di un annuncio ufficiale o di una conferma dell’inizio delle riprese, ma è un passo significativo per un progetto discusso da molto tempo senza mai riuscire a superare la fase di sviluppo.

Anche Edward Berger aveva già chiarito che il proprio coinvolgimento sarebbe dipeso dalla disponibilità di Matt Damon e dalla qualità della sceneggiatura.

«Lo farò se Matt vorrà farlo. Dovremo avere davvero la sensazione di aggiungere qualcosa di nuovo ai grandi film di Bourne che esistono già. Sarà necessario per convincere Matt a tornare e anche per convincere me a dirigerlo».

Le posizioni dell’attore e del regista appaiono quindi perfettamente allineate. Nessuno dei due sembra interessato a un’operazione basata soltanto sulla popolarità del marchio.

L’obiettivo è trovare una ragione narrativa forte che renda necessario il ritorno di Bourne dopo quasi dieci anni di assenza.

Nel marzo 2025 Universal ha riacquisito i diritti della saga con l’intenzione di riportarla al cinema. Tra le possibilità inizialmente considerate figurava anche un reboot, ma il coinvolgimento di Matt Damon e Berger suggerisce che lo studio stia ancora lavorando a una continuazione con il protagonista originale.

L’ultima bozza nota della sceneggiatura sarebbe stata scritta da Joe Barton, autore di Black Doves. Non è chiaro quanto di quel materiale sia ancora presente nel progetto attualmente discusso da Damon e Berger.

Nel corso di cinque film, la saga ha incassato complessivamente circa 1,64 miliardi di dollari nel mondo. I primi tre capitoli con Damon sono generalmente considerati il punto più alto del franchise, mentre The Bourne Legacy e Jason Bourne hanno ottenuto reazioni più tiepide.

Jason Bourne è apparso per l’ultima volta al cinema nel 2016 nel film omonimo diretto da Paul Greengrass. Il progetto segnò il ritorno del regista e di Damon dopo la conclusione della trilogia originale.

Il film superò i 400 milioni di dollari al botteghino mondiale, ma non riuscì a replicare l’entusiasmo critico suscitato dai capitoli precedenti. Proprio quella reazione avrebbe contribuito alla prudenza mostrata da Damon negli anni successivi.

L’attore non sembra disposto a tornare finché non esisterà una storia capace di giustificare davvero un nuovo capitolo. Le ultime dichiarazioni, però, suggeriscono che quella storia potrebbe essere finalmente più vicina.

Jason Bourne 6 non è ancora ufficiale, ma per la prima volta dopo anni Matt Damon sembra vedere una strada concreta per riportare il personaggio sul grande schermo.

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