Secondo quanto riportato dall’Hollywood Reporter, sarà infatti Zack Snyder a scrivere e dirigere una nuova reinterpretazione del celebre film cult diretto da John Carpenter nel 1981.

Il progetto è attualmente in fase di presentazione a studi e finanziatori e dovrebbe essere proposto ufficialmente al mercato nelle prossime settimane con l’obiettivo di arrivare nelle sale cinematografiche.

Per il momento non sono stati diffusi dettagli sulla trama, ma le prime indiscrezioni parlano di una visione molto diversa rispetto ad altri blockbuster recenti firmati da Snyder.

Secondo le fonti di THR, il regista vorrebbe realizzare una versione più “sporca” e concreta, puntando fortemente su effetti pratici, scenografie reali e location fisiche piuttosto che su un utilizzo massiccio della CGI.

L’obiettivo sarebbe quello di recuperare parte dell’atmosfera ruvida e tangibile che caratterizzava il cinema di fantascienza degli anni Ottanta.

Si tratta di un approccio che potrebbe incuriosire molti fan. L’originale 1997: Fuga da New York è infatti ricordato non soltanto per la sua ambientazione distopica, ma anche per il tono essenziale, il ritmo controllato e soprattutto per l’iconica interpretazione di Kurt Russell nei panni di Jena / Snake Plissken.

Proprio per questo motivo un remake fedele sarebbe probabilmente impossibile. Il film di Carpenter è profondamente legato all’estetica e alle paure sociali della sua epoca, elementi che difficilmente potrebbero essere replicati oggi senza apparire nostalgici o derivativi.

Secondo le informazioni disponibili, Snyder sarebbe consapevole della sfida e starebbe puntando a una rilettura radicalmente diversa piuttosto che a una semplice riproposizione del classico originale.

Hollywood tenta da anni di riportare il franchise sul grande schermo. Nel corso del tempo sono stati associati al progetto nomi come Len Wiseman, Brett Ratner, Robert Rodriguez, Leigh Whannell e il collettivo Radio Silence, senza che nessuna versione riuscisse mai a entrare realmente in produzione.

Nel frattempo, John Carpenter è sempre rimasto piuttosto distante dall’idea di un reboot, esprimendo in più occasioni il proprio scetticismo nei confronti dei remake dei suoi film.

Per Zack Snyder si tratterebbe inoltre di un progetto molto diverso rispetto ai suoi lavori più recenti. Dopo l’ambiziosa ma divisiva esperienza di Rebel Moon, il regista potrebbe tornare a confrontarsi con una produzione più contenuta e meno dipendente dagli effetti digitali.

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Nel corso di una recente intervista concessa a Variety, l’attrice ha ripercorso il suo percorso dopo il successo mondiale di Game of Thrones, soffermandosi anche su alcuni progetti che non hanno ricevuto l’accoglienza sperata da pubblico e critica.

Tra questi c’è naturalmente Secret Invasion, la serie Marvel distribuita nel 2023 su Disney+ e diventata nel tempo uno dei progetti più discussi e divisivi dell’intero MCU.

Parlando della serie, nella quale interpretava la Skrull G’iah, Clarke non ha nascosto il proprio senso dell’umorismo.

«Credo che quella serie non sia piaciuta a nessuno, ragazzi. Mi dispiace!»

L’attrice ha poi ricordato un altro franchise amatissimo dai fan, quello di Star Wars, nel quale ha interpretato Qi’ra in Solo: A Star Wars Story.

Anche in questo caso il commento è stato diretto e senza particolari giri di parole.

«Non è piaciuto.»

Ancora più netta la sua opinione su Terminator Genisys, film del 2015 in cui interpretava una nuova versione di Sarah Connor.

«Non avrebbe mai dovuto esistere.»

Nonostante le critiche ricevute da questi progetti, Clarke ha spiegato di non vivere i risultati negativi come qualcosa di personale.

«Erano lavori che ho scelto di fare, capisci cosa intendo? Sono entrata in franchise già esistenti, quindi quando qualcosa non funziona non la vivo come una questione personale. Il mio rapporto con un progetto finisce nel momento in cui mi dicono: “Fine delle riprese”. Perché non spetta a me decidere cosa penseranno le persone.»

Le parole dell’attrice hanno inevitabilmente riacceso il dibattito attorno a Secret Invasion, una produzione che arrivò su Disney+ con aspettative enormi.

I fumetti Marvel raccontavano infatti una delle saghe più importanti dell’editore, costruita attorno all’infiltrazione segreta degli Skrull nelle più alte posizioni di potere e persino tra gli stessi supereroi. Molti fan si aspettavano quindi un thriller paranoico ricco di colpi di scena e conseguenze durature per il MCU.

La serie finì invece per dividere pubblico e critica. Tra gli elementi più contestati figuravano la morte di Maria Hill, interpretata da Cobie Smulders, l’utilizzo dell’intelligenza artificiale generativa nei titoli di testa e alcune scelte narrative considerate poco incisive rispetto al potenziale del materiale originale.

A generare ulteriori discussioni fu anche la rivelazione riguardante James Rhodes, interpretato da Don Cheadle, con la serie che suggeriva come il personaggio fosse stato sostituito da uno Skrull in un momento imprecisato della timeline Marvel.

Il finale contribuì poi ad alimentare ulteriormente le polemiche. Nell’episodio conclusivo, G’iah otteneva infatti i poteri combinati di numerosi eroi e villain del MCU, tra cui Thanos, Hulk, Thor, Captain America, Captain Marvel, Drax e molti altri, trasformandosi improvvisamente in uno dei personaggi più potenti dell’intero universo narrativo.

Una svolta che molti spettatori giudicarono eccessiva e che, da allora, è rimasta sostanzialmente senza conseguenze nelle produzioni successive.

A distanza di anni, Secret Invasion continua così a essere ricordata come uno dei progetti Marvel più controversi dell’era Disney+, mentre Emilia Clarke sembra aver ormai fatto pace con le reazioni ricevute da alcuni dei franchise più discussi della sua carriera.

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Ambientato negli anni successivi alla caduta del regime di Porfirio Díaz, il film prende le mosse dalla delusione provocata dal governo di Francisco Madero. Le promesse della Rivoluzione messicana sembrano già svanite. Ai campesinos viene chiesto di consegnare le armi e di fidarsi del nuovo potere costituito. Ma per Tepepa, ribelle contadino diventato simbolo della resistenza popolare, la rivoluzione non può fermarsi nel momento stesso in cui il popolo continua a essere sfruttato.

Da questa premessa politica nasce una vicenda che Petroni trasforma progressivamente in una riflessione morale di sorprendente complessità. Tepepa non è inseguito soltanto dal feroce colonnello Cascorro, incarnazione di un potere militare brutale e immutabile. Sulle sue tracce c’è anche il medico inglese Henry Price, che apparentemente gli salva la vita ma in realtà lo cerca per consumare una vendetta personale. Tra i tre personaggi si sviluppa una partita fatta di inseguimenti, alleanze provvisorie, tradimenti e regolamenti di conti che finisce per assumere i contorni di una tragedia.

La grande intuizione del film consiste nel rifiuto di qualsiasi semplificazione morale. Tepepa combatte per gli oppressi, ma porta sulle spalle una colpa gravissima. Price è mosso da una sofferenza autentica, ma la sua ossessione vendicativa lo consuma dall’interno. Cascorro è il volto più evidente del male, ma possiede una lucidità che gli permette di comprendere perfettamente la natura degli uomini che combatte. Nessuno è completamente innocente. Nessuno è completamente colpevole.

È proprio questo terreno ambiguo a rendere Tepepa uno dei film più maturi dello spaghetti-western politico. Petroni e gli sceneggiatori Franco Solinas e Ivan Della Mea non si limitano a denunciare il tradimento della rivoluzione. Si interrogano su una questione molto più scomoda: fino a che punto un ideale collettivo può giustificare le colpe di chi lo rappresenta?

L’interrogativo attraversa tutto il racconto e trova il suo punto più doloroso nel rapporto tra Price e Tepepa. Da una parte c’è la necessità storica della rivoluzione, dall’altra il peso di una violenza privata che non può essere cancellata né assolta. Il film rifiuta di offrire una risposta rassicurante. Costringe invece lo spettatore a confrontarsi con l’incompatibilità tra giustizia storica e giustizia individuale.

Anche sul piano narrativo Tepepa si distingue dai modelli più celebri del genere. Petroni non cerca la monumentalità epica di Sergio Leone. Preferisce rallentare il racconto, scavare nei personaggi, utilizzare lunghi flashback che interrompono l’azione per mettere in discussione ciò che lo spettatore credeva di sapere. Ogni ricordo aggiunge una sfumatura, ogni testimonianza modifica il giudizio sui protagonisti. La storia procede meno per avvenimenti che per progressive rivelazioni morali.

In questo percorso Tomas Milian offre una delle interpretazioni più complete della sua carriera western. Il suo Tepepa è guascone, istintivo, passionale, ma anche profondamente malinconico. È un uomo che trascina gli altri con il proprio carisma e allo stesso tempo porta dentro di sé i segni della propria imperfezione. Al suo fianco John Steiner costruisce un Price elegante e tormentato, mentre Orson Welles domina la scena con poche apparizioni memorabili. Il suo Cascorro non è soltanto un antagonista: è una presenza quasi fatale, un simbolo della capacità del potere di sopravvivere a ogni rivoluzione cambiando semplicemente volto.

La colonna sonora di Ennio Morricone accompagna perfettamente questa dimensione sospesa tra avventura popolare e riflessione tragica. Le battaglie, gli assalti, i villaggi polverosi e le cavalcate rivoluzionarie convivono con momenti di autentica introspezione, in un equilibrio raro per il cinema di genere dell’epoca.

Il finale racchiude il senso profondo dell’opera. Quando la figura di Tepepa viene trasformata in simbolo e memoria collettiva, il film mostra come ogni rivoluzione abbia bisogno dei propri eroi. Ma mostra anche il prezzo di quella trasformazione: l’uomo reale, con tutte le sue contraddizioni, viene sacrificato al mito. La storia conserva la leggenda e dimentica le colpe.

È qui che Tepepa supera i confini del tortilla-western e diventa qualcosa di più universale. Non parla soltanto della Rivoluzione messicana o delle tensioni politiche del Sessantotto. Parla del rapporto eterno tra ideali e realtà, tra giustizia e violenza, tra memoria e verità. E lo fa senza offrire consolazioni.

Per questo, a oltre mezzo secolo dalla sua uscita, resta uno dei film più intelligenti, inquieti e sottovalutati dell’intera stagione dello spaghetti-western italiano.

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Lanciata nel 2022 quasi in sordina (la recensione), la serie horror ideata da Rebecca Sonnenshine riuscì rapidamente a conquistare il pubblico, entrando anche nella Top 10 della piattaforma. Nonostante il buon riscontro ottenuto e una fanbase particolarmente appassionata, Netflix decise però di interrompere il progetto dopo una sola stagione.

Ancora oggi il servizio streaming non ha mai fornito una spiegazione dettagliata della cancellazione, ma molti osservatori ritengono che la serie non abbia raggiunto i risultati necessari per soddisfare gli obiettivi interni della piattaforma.

Basata sull’omonimo podcast creato da Daniel Powell e Marc Sollinger, Archive 81 – Universi alternativi segue le vicende di Dan Turner, un archivista interpretato da Mamoudou Athie, incaricato di restaurare alcune videocassette recuperate da un documentario girato negli anni Novanta.

Quello che inizialmente sembra un semplice lavoro di catalogazione si trasforma presto in qualcosa di molto più inquietante. Le registrazioni conducono infatti Dan verso una rete di misteri che coinvolge sette esoteriche, entità cosmiche e dimensioni alternative, dando vita a un racconto che mescola horror soprannaturale, thriller investigativo e fantascienza.

Uno degli elementi più apprezzati della serie è stato proprio il suo ambizioso worldbuilding. La prima stagione introduce infatti una mitologia complessa e ricca di dettagli che, secondo i piani originali degli autori, avrebbe dovuto essere esplorata molto più a fondo negli episodi successivi.

Il problema è che la stagione si conclude con un enorme cliffhanger, lasciando aperte numerose domande sul destino dei protagonisti e sulla vera natura degli eventi raccontati.

A rendere la cancellazione ancora più frustrante è stata una dichiarazione rilasciata dalla showrunner Rebecca Sonnenshine a Entertainment Weekly nel 2022, quando spiegò che molti aspetti della mitologia della serie erano stati progettati per essere approfonditi nelle stagioni successive.

«Ci sono molti piccoli dettagli e riferimenti nascosti che potrebbero far pensare agli spettatori: “Mi chiedo se facciano parte della mitologia della serie e se verranno approfonditi in futuro”. E la risposta è sì. Alcuni elementi non sono semplicemente riusciti a trovare spazio nella prima stagione. Quando costruisci una serie basata su una mitologia complessa, sviluppi molte più idee di quante riesca effettivamente a mostrarne sullo schermo.»

Tra i misteri che la seconda stagione avrebbe affrontato figurava anche la morte della famiglia di Dan, uno degli interrogativi più importanti lasciati in sospeso dal finale.

La sensazione condivisa da molti fan è che Archive 81 . Universi alternativi abbia appena iniziato a esplorare il proprio universo narrativo prima che Netflix decidesse di interromperne il percorso.

Per fortuna la storia originale non si ferma alla serie TV. Il podcast che ha ispirato lo show conta infatti diverse stagioni già disponibili sulle principali piattaforme audio e rappresenta ancora oggi il modo migliore per approfondire la mitologia che Netflix non ha mai avuto l’opportunità di completare.

A distanza di anni dalla cancellazione, Archive 81 – Universi alternativi resta uno degli esempi più citati quando si parla di serie interrotte troppo presto. Un horror originale, inquietante e ricco di idee che molti spettatori avrebbero voluto vedere sviluppato ben oltre gli otto episodi della prima stagione.

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Durante una conversazione al Produced By Conference organizzato dalla Producers Guild of America, Blum ha spiegato come il panorama cinematografico stia vivendo un momento di svolta dopo anni di dubbi sul futuro delle sale.

Come riportato da Variety, il produttore ha dichiarato:

«Dopo il Covid c’è stata questa sensazione di stanchezza attorno al cinema in sala. Ci si chiedeva se fosse ancora rilevante e se sarebbe sopravvissuto. Quello che trovo incredibile in film come Obsession e Backrooms è che rappresentano un nuovo tipo di cinema. Sono realizzati da registi non tradizionali, autori che hanno affinato le proprie capacità creative online.»

Secondo Blum, il successo di questi film va ben oltre gli incassi.

«Backrooms e Obsession sono provocatori, strani, folli. Mi ricordano quasi l’energia degli anni Settanta, quando una nuova generazione di giovani autori realizzava film audaci capaci di conquistare il pubblico nelle sale in modo sorprendente.»

Il produttore ha inoltre sottolineato come molti creatori digitali stiano guardando con crescente interesse al grande schermo.

«Le star di Internet vogliono fare cinema. E vogliono farlo per le sale. Questo significa che c’è ancora speranza per l’industria cinematografica ed è qualcosa di entusiasmante.»

Blum ha attribuito parte del successo di questi nuovi autori al rapporto diretto che mantengono con il proprio pubblico.

«I creatori di YouTube sono incredibilmente ossessionati dal loro pubblico e profondamente connessi ad esso.»

Parlando delle anteprime test, ha aggiunto:

«Si siedono in prima fila e riprendono il pubblico con una videocamera. Sono ossessionati dal modo in cui le persone reagiscono ai loro film. Credo che sia una delle ragioni per cui queste opere riescono a entrare così bene in sintonia con i giovani spettatori. Sono realizzate da persone che pensano alla regia in modo completamente diverso.»

Nel corso dell’incontro si è parlato anche della fusione tra Blumhouse e Atomic Monster, le società guidate rispettivamente da Blum e Wan.

Il produttore ha spiegato che la struttura è rimasta volutamente semplice:

«L’idea è avere due etichette e una sola azienda. James ha il suo gruppo creativo, Blumhouse ha il proprio, ma condividiamo tutto il resto. Fin dall’inizio è stato uno sforzo consapevole mantenere due culture diverse all’interno della stessa realtà aziendale.»

Secondo Blum, uno dei principali punti di forza della nuova società è la capacità di individuare e valorizzare i talenti emergenti provenienti da percorsi non convenzionali.

A confermarlo sono proprio i risultati recenti. Obsession ha superato i 100 milioni di dollari al box office, mentre Backrooms, diretto da Kane Parsons, continua a sorprendere il mercato con numeri record per una produzione horror indipendente.

Blum ha inoltre raccontato che il successo di Obsession è il risultato di una precisa strategia adottata dopo alcune delusioni commerciali vissute negli ultimi anni.

«Abbiamo avuto una serie di film che non hanno ottenuto i risultati che speravo. Così abbiamo apportato diversi cambiamenti interni e siamo tornati alle nostre radici, guardando ai film a basso budget attraverso una prospettiva diversa e concentrandoci su una nuova generazione di registi.»

Infine, il produttore ha rivelato quale sia il grande obiettivo della nuova realtà nata dalla fusione tra Blumhouse e Atomic Monster.

«Qual è la nostra ambizione? Diventare la Disney dell’horror entro cinque anni.»

Un traguardo estremamente ambizioso, ma che appare meno irrealistico osservando il momento attraversato dal genere. Con fenomeni come Backrooms e Obsession e una nuova generazione di autori cresciuti sul web pronta a conquistare Hollywood, l’horror potrebbe davvero essere entrato in una nuova era.

L'articolo Jason Blum e James Wan puntano in alto: «Vogliamo diventare la Disney dell’horror» proviene da Il Cineocchio.

Le nuove immagini offrono finalmente uno sguardo più approfondito sulla storia, che mescola fantascienza, mistero, avventura e creature preistoriche in quella che si preannuncia come una delle proposte più originali dell’estate cinematografica.

Al centro del racconto troviamo la famiglia Platt, che vive in un tranquillo quartiere suburbano quando un misterioso evento cosmico strappa improvvisamente Oak Street dalla realtà conosciuta e trasporta l’intera comunità in un luogo sconosciuto e apparentemente preistorico.

Secondo la sinossi ufficiale:

“Quando un misterioso evento cosmico strappa Oak Street dalla periferia e trasporta l’intero quartiere in un luogo sconosciuto, la famiglia Platt si rende presto conto che la propria sopravvivenza dipende dalla capacità di restare uniti cercando di orientarsi in un ambiente ormai irriconoscibile.”

Il trailer mostra gigantesche creature preistoriche aggirarsi tra abitazioni, strade e cortili, trasformando un ambiente familiare in uno scenario imprevedibile e pericoloso. Proprio questo contrasto tra quotidianità e mondo preistorico sembra essere uno degli elementi più intriganti del film.

L’atmosfera richiama apertamente i misteri di Cloverfield e le grandi avventure Amblin degli anni Ottanta e il cinema di Steven Spielberg, alternando momenti di meraviglia, tensione e spettacolo. Non sorprende quindi che molti spettatori abbiano già accostato il progetto ad alcuni dei grandi film d’avventura che hanno segnato quell’epoca.

In un panorama dominato da franchise consolidati come Jurassic Park e Jurassic World, La fine di Oak Street rappresenta una delle poche grandi produzioni recenti a utilizzare i dinosauri all’interno di una storia completamente originale, senza legami con saghe già esistenti.

Nel cast troviamo Anne Hathaway ed Ewan McGregor, affiancati da Maisy Stella e Christian Convery.

Dietro la macchina da presa, David Robert Mitchell può contare su una squadra di collaboratori di alto livello che comprende il direttore della fotografia Michael Gioulakis, la scenografa Maya Shimoguchi, il montatore John Axelrad e il compositore premio Oscar Michael Giacchino.

Prodotto da J.J. Abrams, il film sembra puntare su un mix di spettacolo, mistero e avventura familiare, mantenendo ancora nascosti molti dei suoi segreti più importanti.

La fine di Oak Street arriverà nei cinema italiani il 12 agosto distribuito da Warner Bros. Pictures.

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La serie, composta da dodici episodi trasmessi dall’emittente Animax tra gennaio e marzo 2011, rappresentava il secondo capitolo del progetto Marvel Anime, un’ambiziosa collaborazione tra la casa editrice americana e uno dei più prestigiosi studi di animazione giapponesi. L’obiettivo era chiaro quanto rischioso: prendere alcuni dei personaggi più amati dell’universo Marvel e reinventarli attraverso la sensibilità estetica e narrativa del Sol Levante.

La trama abbandona gli scenari più familiari agli spettatori occidentali per immergersi completamente nel contesto giapponese. Logan, il protagonista, scopre che Mariko Yashida, la sua fidanzata scomparsa misteriosamente un anno prima, è stata portata a Tokyo da suo padre Shingen. Quest’ultimo non è un padre qualunque: è a capo di una potente organizzazione criminale giapponese, fornitrice della temibile AIM, l’agenzia di scienza bellica nota ai lettori di fumetti Marvel. La ricerca di Mariko diventa quindi un’odissea personale attraverso i bassifondi della capitale nipponica, dove Logan deve confrontarsi non solo con nemici fisici, ma anche con fantasmi del passato e codici d’onore che gli sono estranei.

La regia di Hiroshi Aoyama costruisce un’atmosfera che mescola il noir urbano giapponese con l’action viscerale tipico del personaggio. Il character design di Hisashi Abe reinterpreta le iconiche fattezze di Wolverine mantenendone l’essenza selvaggia ma adattandola agli stilemi dell’animazione nipponica. La sceneggiatura porta la firma del britannico Warren Ellis, autore di fumetti visionario noto per opere come Transmetropolitan, affiancato dallo sceneggiatore giapponese Kengo Kaji, in un connubio culturale che sulla carta prometteva scintille.

Dal punto di vista tecnico, Madhouse dimostra la sua maestria nell’animazione delle sequenze d’azione. Gli artigli di adamantio di Logan squarciano l’aria con fluidità cinetica, i combattimenti sono coreografati con la precisione millimetrica che ci si aspetta dallo studio che ha animato Sword of the Stranger. Eppure, nonostante l’indiscutibile qualità produttiva, la serie non è riuscita a conquistare né il cuore dei fan Marvel più tradizionalisti né quello degli appassionati di anime puri.

Il progetto Marvel Anime, di cui Wolverine faceva parte insieme ad adattamenti di Iron Man, X-Men e Blade, rappresentava un tentativo di globalizzazione culturale del franchise Marvel in un’epoca in cui l’universo cinematografico stava ancora muovendo i primi passi. L’idea di fondo era affascinante: cosa succede quando i supereroi americani vengono filtrati attraverso la lente narrativa giapponese, con le sue convenzioni, i suoi ritmi, le sue ossessioni estetiche.

La risposta, almeno nel caso di Wolverine, è stata un prodotto ibrido che divide. Con un punteggio medio di 6,478 su piattaforme specializzate e un tasso di abbandono del 7,46 percento, la serie non ha brillato per consensi unanimi. Dei pochi che l’hanno recensita, l’84,93 percento l’ha comunque promossa, segno che chi ha completato la visione ne ha apprezzato quantomeno l’ambizione e l’esecuzione tecnica.

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La protagonista è Rhiannon Lewis, interpretata da Ella Purnell, volto ormai iconico del piccolo schermo dopo Fallout, Yellowjackets e Belgravia. Rhiannon vive nella cittadina fittizia di Carnsham, in Inghilterra, insieme al suo cane e al padre malato. È il prototipo della donna invisibile: ignorata dai colleghi, trascurata dal ragazzo che le piace, vittima dei bulli che la sminuiscono senza sosta. Sul lavoro, nonostante le sue competenze, viene sistematicamente scavalcata per le promozioni. Nessuno la vede davvero. Nessuno la considera.

Tutto cambia quando il padre muore. Il lutto innesca qualcosa di oscuro, una trasformazione che Rhiannon non sapeva di poter compiere. La ragazza timida e dalla testa bassa scompare, sostituita da una donna capace di tutto. E quando diciamo “tutto”, intendiamo proprio tutto: Rhiannon scopre un nuovo, inebriante potere che si manifesta attraverso la vendetta. Non una vendetta metaforica, ma concreta, fisica, letale. Inizia a compilare una lista delle persone che la infastidiscono e, una dopo l’altra, decide di eliminarle.

I temi affrontati sono potenti e stratificati. Il bullismo, innanzitutto, non solo quello scolastico ma anche quello subdolo e devastante dell’età adulta, quello fatto di sguardi che scivolano via, di voci che sovrastano, di presenza negata. L’invisibilità sociale è il grande motore narrativo di Sweetpea: Rhiannon è la metafora di tutti coloro che si sentono trasparenti, insignificanti, cancellati dal mondo. La sua reazione estrema diventa una riflessione disturbante sulla salute mentale, sui traumi irrisolti e sulle conseguenze della violenza subita.

Accanto alla protagonista si muove un cast solido. Nicôle Lecky, già vista in Mood e Wild Cherry, interpreta Julia, l’antagonista per eccellenza. Calam Lynch, volto noto di Miss Austen, è AJ, mentre Jon Pointing di Plebs veste i panni di Craig. Completano il quadro Leah Harvey (Fondazione nel suo curriculum) nel ruolo di Marina, Jeremy Swift, Dustin Demri-Burns e Miriam Petche. Tutti interpretano personaggi che orbitano attorno a Rhiannon, spesso senza accorgersi di quanto possa essere pericolosa la loro indifferenza.

La regia è affidata a Ella Jones, mentre la sceneggiatura porta la firma di Kirstie Swain, già sceneggiatrice di Killing Eve, serie che ha dimostrato quanto possa essere affascinante e complessa una donna capace di uccidere. Swain ha lavorato insieme a Krissie Ducker, Laura Jayne Tunbridge e Selina Lim per tradurre su schermo il romanzo di Skuse, pubblicato in Italia da TimeCrime con il titolo “Sweetpea. Non chiamarmi tesoro”.

Se amate le antieroine complesse, se vi affascina il lato oscuro della psiche umana e se apprezzate l’umorismo nero ben scritto, Sweetpea merita di entrare nella vostra lista. Una lista di serie da vedere, stavolta, non di persone da eliminare.

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A Line of Fire: Sotto Tiro, diretto da Matt Shapira e disponibile su Amazon Prime Video, racconta esattamente questo tipo di storia. Il film, uscito nel 2025, porta lo spettatore nelle strade assolate e pericolose di Miami, dove il sole nasconde ombre profonde e la corruzione scorre come la brezza oceanica.

Il protagonista è Jack “Cash” Conry, interpretato da David A.R. White, un ex agente sotto copertura dell’FBI che ha trascorso dieci anni della sua vita a infiltrarsi nei meandri del crimine organizzato. Dieci anni di bugie, identità false, sparatorie e rischi calcolati al millimetro. Poi è arrivata la tragedia: la morte della moglie. Un evento che ha spazzato via ogni certezza e lo ha costretto a fare una scelta radicale. Lasciare tutto. L’FBI, le missioni, l’adrenalina. Per dedicarsi completamente alle sue due figlie.

La nuova vita di Cash è tranquilla, serena, prevedibile. Quella normalità che per anni ha sognato mentre si nascondeva dietro coperture fasulle. Eppure, qualcosa dentro di lui non si è mai davvero spento. Quel desiderio di lasciare il segno, di fare ancora la differenza, continua a pulsare sotterraneo. Come un fuoco che cova sotto la cenere.

Poi arriva la chiamata. Jamie, interpretata da Katrina Bowden, è la nipote del suo ex partner. E ha bisogno di aiuto. Disperatamente. Quello che inizialmente sembra un favore, una mano tesa a una ragazza in difficoltà, si trasforma rapidamente in qualcosa di molto più grande e pericoloso. Cash si ritrova catapultato in un vortice di violenza, corruzione e intrighi che ricorda fin troppo bene. È come rientrare in un incubo che pensava di aver lasciato alle spalle.

Il cast del film vanta nomi di peso del cinema action. Accanto a David A.R. White troviamo Cuba Gooding Jr., premio Oscar per Jerry Maguire, qui nel ruolo di Javier Cardona, e Jason Patric, volto iconico di pellicole cult come Speed 2 e The Lost Boys, che interpreta Josef Amali. La presenza di questi attori conferisce al film una credibilità action old school, richiamando l’età d’oro dei thriller d’azione americani degli anni Novanta e dei primi Duemila.

Completano il cast Scott Baio nel ruolo di Bron, Gabriel ‘G-Rod’ Rodriguez come Nacho, Samantha Lockwood nei panni di Mya, Tommy Snider in quelli di Rocco, Vincent De Paul come Marcello, Mehdi Merali che interpreta Juan, Eve Richards nel ruolo di Joan Rycker, Dana Anderwald come Yvonne Williams, e Ocean White ed Everson White rispettivamente nei ruoli di Olivia e Natasha.

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Si tratta di una flessione particolarmente pesante per un titolo che rappresenta il ritorno cinematografico della saga dopo anni di assenza dal grande schermo e che punta su due dei personaggi più amati dell’universo creato da George Lucas.

Il dato diventa ancora più significativo se confrontato con Solo: A Star Wars Story, finora considerato uno dei maggiori insuccessi cinematografici dell’era Disney. Nel suo secondo weekend, Solo aveva perso il 65% degli incassi, raccogliendo 29,4 milioni di dollari e raggiungendo un totale domestico di 149 milioni dopo dieci giorni. The Mandalorian & Grogu risulta quindi sotto questi numeri nonostante il richiamo di due personaggi estremamente popolari tra i fan.

Sul mercato italiano, The Mandalorian & Grogu ha finora raccolto 2.522.580 euro, confermando un interesse solido da parte del pubblico ma senza registrare numeri eccezionali rispetto ai precedenti grandi eventi cinematografici legati a Star Wars.

A rendere il quadro ancora più interessante è il contesto del weekend nordamericano. A dominare la classifica è infatti Backrooms, l’horror diretto da Kane Parsons che continua a macinare incassi record dopo un debutto sorprendente. Anche Obsession sta ottenendo risultati molto solidi, contribuendo a oscurare mediaticamente il nuovo film targato Disney.

Il confronto con Backrooms è particolarmente significativo. L’horror prodotto da A24, realizzato con un budget inferiore ai 10 milioni di dollari, potrebbe rivelarsi uno dei maggiori fenomeni cinematografici dell’anno, mentre il blockbuster di Star Wars fatica a mantenere lo slancio iniziale.

Anche sul fronte internazionale i numeri non sono particolarmente incoraggianti. Nel secondo fine settimana il film ha incassato circa 27,8 milioni di dollari sui mercati esteri, con un calo del 59,7%, portando il totale internazionale a 109,2 milioni di dollari in 53 territori.

L’incasso globale ha così raggiunto quota 246,6 milioni di dollari. Per fare un confronto, Solo: A Star Wars Story aveva già totalizzato 264,3 milioni allo stesso punto della sua corsa nelle sale. Il nuovo film registra quindi un ritardo di circa 17,7 milioni di dollari, pari a un calo del 6,7% rispetto a quello che per anni è stato considerato il riferimento meno brillante del franchise moderno.

Con un budget stimato di circa 165 milioni di dollari, sensibilmente inferiore ai circa 365,7 milioni costati a Solo, la situazione non è ancora paragonabile a quella del film del 2018. Tuttavia, secondo diverse stime del settore, The Mandalorian & Grogu potrebbe chiudere la propria corsa tra i 335 e i 365 milioni di dollari globali, restando ben lontano dai livelli raggiunti dai maggiori successi cinematografici di Star Wars e persino sotto i 392,9 milioni finali incassati da Solo: A Star Wars Story.

A preoccupare non sono soltanto gli incassi. Alcuni indicatori legati al gradimento del pubblico sono risultati inferiori rispetto a quelli registrati da altri recenti blockbuster del franchise, alimentando ulteriormente il dibattito sullo stato di salute del marchio Star Wars.

Nel frattempo è tornato al centro della discussione anche George Lucas. Negli ultimi anni il creatore della saga ha più volte ricordato come molte delle idee sviluppate per il futuro del franchise non siano state utilizzate dopo la vendita di Lucasfilm a Disney nel 2012.

Al momento non esistono segnali concreti di un suo coinvolgimento creativo nei prossimi film della saga. Tuttavia, il risultato di The Mandalorian & Grogu rischia di riaccendere il confronto tra chi sostiene la direzione intrapresa da Disney e chi ritiene che il franchise abbia progressivamente perso parte della propria forza culturale.

È ancora presto per emettere un verdetto definitivo. Tuttavia, il confronto con Solo, il crollo del secondo weekend e la concorrenza inattesa di fenomeni come Backrooms stanno trasformando The Mandalorian & Grogu in uno dei casi più discussi dell’anno. Le prossime settimane diranno se riuscirà a invertire la rotta o se diventerà il film con gli incassi più bassi dell’era moderna di Star Wars.

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Il successo delle Backrooms viene spesso interpretato come una novità assoluta. In realtà, ciò che le ha rese così potenti esisteva da molto tempo. Il cinema aveva già esplorato per decenni quella stessa sensazione di disagio provocata da luoghi familiari che improvvisamente smettono di comportarsi come dovrebbero.

Per comprendere davvero questo fenomeno bisogna partire dal concetto di liminalità. L’antropologo Arnold van Gennep utilizzò il termine per descrivere le fasi di passaggio tra due condizioni dell’esistenza. Successivamente Victor Turner ampliò la teoria identificando gli spazi liminali come luoghi sospesi, territori intermedi in cui le normali regole della realtà sembrano temporaneamente dissolversi.

Nel mondo contemporaneo questa definizione ha assunto un significato nuovo. Corridoi scolastici deserti, centri commerciali vuoti, alberghi senza ospiti, aeroporti silenziosi e uffici abbandonati sono diventati simboli di una particolare forma di inquietudine moderna. Non fanno paura perché contengono qualcosa di minaccioso. Fanno paura perché sembrano aver perso ciò che li rendeva umani.

È proprio qui che il cinema aveva già anticipato tutto.

Shining (1980): l’architettura impossibile

Shining rappresenta probabilmente la più importante opera liminale mai realizzata.

L’Overlook Hotel è molto più di un semplice edificio infestato. Analizzandolo attentamente emerge una caratteristica fondamentale: la sua struttura non può esistere nel mondo reale. Corridoi, finestre e stanze sembrano contraddirsi continuamente. Le geometrie cambiano. Gli spazi si deformano.

Stanley Kubrick comprese che l’architettura può diventare una fonte di terrore autonoma.

L’angoscia non nasce dalla presenza dei fantasmi, ma dalla sensazione che il luogo stesso sia sbagliato.

Gran parte dell’estetica moderna delle Backrooms affonda le proprie radici nelle immagini dell’Overlook Hotel: corridoi infiniti, illuminazione artificiale, sale vuote e ripetizioni geometriche che trasformano la normalità in qualcosa di perturbante.

Cube (1997): la prigione senza scopo

Cube introduce un concetto destinato a diventare centrale nell’immaginario liminale: lo spazio privo di funzione.

I protagonisti si risvegliano all’interno di una struttura composta da stanze identiche che sembrano estendersi all’infinito. Nessuno sa chi l’abbia costruita. Nessuno conosce il motivo della sua esistenza.

La vera inquietudine nasce dal fatto che l’architettura sembra aver perso il proprio significato.

Le Backrooms funzionano esattamente allo stesso modo. Sono luoghi costruiti per qualcuno che non c’è più. Ambienti che continuano a esistere anche dopo aver smarrito la propria ragione d’essere.

Strade Perdute (1997): il collasso della percezione

Con Lost Highway, David Lynch porta la liminalità su un piano psicologico.

Le sue autostrade notturne sembrano infinite. Le case appaiono troppo silenziose. I corridoi conducono verso luoghi che sfuggono alla logica.

Lynch non altera semplicemente lo spazio. Altera il rapporto tra lo spettatore e lo spazio.

La paura nasce dal momento in cui perdiamo la capacità di orientarci e comprendere ciò che ci circonda. Una dinamica che sarà fondamentale nell’estetica delle Backrooms.

Pulse (2001): il mondo senza persone

Pulse di Kiyoshi Kurosawa è uno dei film più vicini alla sensibilità contemporanea degli spazi liminali.

Appartamenti deserti. Uffici vuoti. Strade silenziose.

La minaccia soprannaturale passa quasi in secondo piano rispetto alla sensazione dominante: la progressiva scomparsa dell’umanità.

Pulse comprende prima di molti altri che il vero orrore del nuovo millennio non è ciò che arriva, ma ciò che scompare.

Silent Hill (2006): il non luogo assoluto

Silent Hill rappresenta una perfetta applicazione cinematografica della teoria dei non luoghi elaborata da Marc Augé.

La città esiste in una condizione di sospensione permanente. Non è viva e non è morta. È bloccata.

La nebbia cancella l’orientamento e trasforma ogni strada in una zona di transizione senza fine.

L’intera città diventa uno spazio liminale.

Vivarium (2019): la normalità come incubo

Vivarium è probabilmente il film che anticipa più direttamente le Backrooms moderne.

Un quartiere infinito composto da case identiche. Ogni strada conduce allo stesso punto. Ogni tentativo di fuga fallisce.

L’idea è tanto semplice quanto devastante.

Il luogo più inquietante non è una casa infestata.

È una casa perfettamente normale.

Vivarium mostra come la ripetizione possa trasformarsi in una forma di prigionia esistenziale.

It Follows (2014): la liminalità del tempo

It Follows esplora una forma diversa di liminalità.

Nel film convivono elementi appartenenti a epoche differenti. Il passato e il futuro sembrano sovrapporsi continuamente.

Lo spettatore non riesce a collocare gli eventi in un periodo preciso.

Questa incertezza temporale genera lo stesso disagio prodotto dagli spazi liminali: la sensazione che qualcosa sia familiare ma impossibile da definire.

Skinamarink (2022): il linguaggio delle Backrooms

Skinamarink rappresenta il punto d’incontro tra cinema sperimentale e cultura internet.

Porte socchiuse, corridoi bui, pareti vuote e suoni lontani sostituiscono quasi completamente la narrazione tradizionale.

Più che raccontare una storia, il film cerca di ricreare una sensazione.

La sensazione di essere intrappolati in un ricordo che si sta lentamente deteriorando.

È probabilmente la traduzione cinematografica più vicina all’esperienza emotiva delle Backrooms.

Essere John Malkovich (1999): l’assurdità dello spazio intermedio

Essere John Malkovich contiene uno degli spazi liminali più celebri del cinema moderno.

Il leggendario piano 7½ esiste letteralmente tra due livelli.

Non appartiene completamente a nessun luogo.

La sua natura impossibile incarna perfettamente il concetto di liminalità: uno spazio sospeso tra due realtà che non trova collocazione nel mondo ordinario.

Perché gli spazi liminali ci inquietano così tanto

La risposta non riguarda soltanto il cinema. Riguarda la nostra epoca.

Nel saggio Das Unheimliche, Sigmund Freud spiegava che il perturbante nasce quando qualcosa di familiare diventa improvvisamente estraneo. Non abbiamo paura dell’ignoto. Abbiamo paura di ciò che riconosciamo ma che appare leggermente sbagliato.

Gli spazi liminali funzionano esattamente secondo questo principio.

Un aeroporto vuoto. Una scuola deserta. Un centro commerciale senza clienti.

Sono luoghi che il nostro cervello riconosce immediatamente ma che percepisce come incompleti.

La pandemia ha amplificato questa sensazione su scala globale. Per la prima volta milioni di persone hanno visto città svuotate, stazioni silenziose e luoghi normalmente affollati privati della presenza umana.

Le Backrooms non hanno creato questa paura. Hanno semplicemente trovato una forma visiva capace di darle un nome.

Per questo motivo Shining, Cube, Strade Perdute, Pulse, Silent Hill, Vivarium, It Follows, Skinamarink ed Essere John Malkovich continuano a essere opere fondamentali.

Non raccontano mondi fantastici. Mostrano il nostro mondo nel momento esatto in cui smette di sembrare umano.

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Il fenomeno horror prodotto da A24 ha incassato circa 118 milioni di dollari a livello mondiale nel suo primo weekend, diventando la migliore apertura nella storia dello studio e superando nettamente il precedente primato detenuto da Civil War.

Nonostante alcuni segnali contrastanti da parte del pubblico – tra cui un CinemaScore B-, il 73% su Rotten Tomatoes e un tasso di raccomandazione del 52% – il successo commerciale del film sembra aver già aperto la strada al futuro del franchise.

In un’intervista concessa a Variety, Parsons ha rivelato di essere già sotto contratto con A24 per realizzare un sequel di Backrooms.

Ma è in una successiva intervista a Polygon che il regista ha chiarito meglio la portata delle sue ambizioni:

“I sequel sono più di una semplice possibilità: è questa l’intenzione fin dal 2022. Questo film rappresenta la prima parte di quello che vorrei fosse un percorso narrativo composto da diversi capitoli, un modo per avvicinarmi a quello che considero il vero cuore dell’idea. Semplicemente non credo che sia possibile arrivarci nello spazio di un singolo film.”

Le parole del filmmaker suggeriscono che il primo Backrooms sia stato concepito come l’inizio di una storia molto più ampia e che diversi aspetti del misterioso universo creato attorno al labirinto liminale debbano ancora essere esplorati.

L’idea non sorprende del tutto. Molti spettatori hanno infatti notato come il film lasci deliberatamente aperte numerose domande sul funzionamento delle Backrooms, sul ruolo di Async e sulle implicazioni del finale.

Per Parsons, quindi, i sequel non rappresenterebbero semplicemente un’opportunità commerciale nata dopo il successo del film, ma una componente fondamentale del progetto creativo sviluppato negli ultimi anni.

Resta da capire quale direzione prenderanno i prossimi capitoli e se il regista sceglierà di approfondire ulteriormente la mitologia delle Backrooms o di espandere il racconto verso territori completamente nuovi.

Una cosa però appare ormai certa: il viaggio nelle Backrooms è appena iniziato.

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Secondo quanto riportato da Deadline, il progetto è attualmente in fase di presentazione a emittenti e piattaforme streaming. Alla sceneggiatura troviamo Tom Spezialy, autore già apprezzato per serie come The Leftovers e Watchmen, mentre la produzione è affidata a Universal International Studios.

Questa nuova versione viene descritta come una reinterpretazione moderna e viscerale della storia originale, ambientata in Alaska e costruita attorno a un mistero omicida.

La protagonista sarà Myra Massey, una magistrata itinerante che torna nella propria città natale per seguire quella che dovrebbe essere una semplice procedura legale legata alla presunta morte di una persona scomparsa. Il ritorno a casa prende però una piega inaspettata quando viene ritrovato il corpo crivellato di colpi di un suo amico d’infanzia.

Mentre cerca di ricostruire la verità dietro l’omicidio, Myra si ritrova coinvolta in una situazione sempre più inquietante. Stormi di uccelli iniziano infatti ad attaccare gli abitanti della cittadina, trasformando l’indagine in una lotta per la sopravvivenza.

Gli autori sottolineano come la serie prenderà ispirazione non soltanto dal film di Hitchcock, ma anche dal racconto breve pubblicato da Daphne du Maurier nel 1952, da cui nacque l’opera originale. Allo stesso tempo introdurrà numerosi cambiamenti rispetto alla versione conosciuta dal grande pubblico, a partire dall’ambientazione e dalla protagonista.

Nel film del 1963 la protagonista era Melanie Daniels, interpretata da Tippi Hedren, una donna che si ritrovava progressivamente sopraffatta da eventi impossibili da controllare. La nuova serie sceglie invece una figura diversa: una magistrata determinata e abituata a prendere decisioni difficili, chiamata a confrontarsi con una minaccia che sfugge a ogni spiegazione razionale.

Hollywood ha tentato più volte di riportare sullo schermo Gli Uccelli. Nel 2007 era stato annunciato un remake con Naomi Watts, mentre nel 2017 la BBC aveva sviluppato una propria versione televisiva. Nessuno di questi progetti è però riuscito a superare la fase di sviluppo.

Nonostante il nuovo adattamento sembri voler prendere le distanze dal film di Hitchcock attraverso una nuova ambientazione e una storia inedita, confrontarsi con uno dei thriller più iconici della storia del cinema resta una sfida estremamente complessa.

Con Sarah Snook nel ruolo principale e Tom Spezialy alla guida creativa, il progetto può però contare su un team di grande esperienza. Resta ora da capire se questa nuova versione riuscirà a conquistare il pubblico dove altri tentativi di riportare in vita Gli Uccelli hanno fallito.

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Il film, della durata di 92 minuti, mescola azione, crime e tocchi di commedia in una ricetta che punta tutto sull’urgenza narrativa. La trama è tanto semplice quanto efficace: Ray Hayes, interpretato da James, è un padre di famiglia che ha fatto scelte discutibili per sbarcare il lunario. Quando un lavoro per conto della mafia va terribilmente storto, si ritrova con una sola opzione sul tavolo: portare la moglie Alice e i figli fuori città prima che il sole sorga. Il conto alla rovescia è partito, e le ore della notte diventano un percorso a ostacoli fatto di inseguimenti, tradimenti e rese dei conti.

A fianco di Kevin James troviamo un cast che arricchisce notevolmente la proposta. Christina Ricci, attrice dal talento cristallino capace di passare dal dramma all’inquietudine con naturalezza disarmante, veste i panni di Alice Hayes, la moglie che si trova catapultata in una notte da incubo. Luis Guzmán, volto iconico del cinema crime americano, interpreta Ignatius Locke, mentre Melissa Leo – attrice premio Oscar – porta sullo schermo il personaggio di Michael Temple. Completano il quadro Joey Diaz nei panni di Charlie Brooks e Timothy V. Murphy come Lonny Costigan, nomi che gli appassionati del genere riconosceranno immediatamente.

La regia di Edward Drake punta su ritmo serrato e ambientazioni notturne che amplificano la tensione. Drake, regista che ha già lavorato su progetti action di medio budget, costruisce una struttura narrativa che non concede respiro: ogni scena spinge verso la successiva, ogni personaggio nasconde un doppio gioco, ogni angolo della città diventa potenzialmente letale. Non siamo di fronte a un capolavoro d’autore, ma a un prodotto di genere consapevole dei propri obiettivi: intrattenere, sorprendere, mantenere lo spettatore incollato alla poltrona.

La scelta di affidare il ruolo principale a Kevin James rappresenta una scommessa interessante. L’attore abbandona la comfort zone della commedia per esplorare tonalità più scure, anche se il suo background comico emerge inevitabilmente in alcuni momenti, alleggerendo la tensione senza però compromettere la credibilità del personaggio. Ray Hayes è un uomo ordinario finito in una situazione straordinaria, e questa ordinarietà è forse l’arma segreta del film: non ci troviamo di fronte a un supereroe o a un agente speciale, ma a un padre di famiglia che deve proteggere i suoi cari usando l’istinto e quel poco che ricorda dai tempi in cui portava il distintivo.

Sul fronte della distribuzione, Guns Up è disponibile su diverse piattaforme streaming in Italia. Gli abbonati ad Amazon Prime Video possono vederlo sia nella versione con pubblicità che in quella standard inclusa nell’abbonamento. Chi preferisce il noleggio può scegliere tra Timvision a 3,99 euro, Rakuten TV a 4,99 euro, Amazon Video a 2,99 euro o Apple TV Store a 4,99 euro. Per l’acquisto definitivo, invece, i prezzi vanno dai 7,99 euro di Timvision ai 9,99 euro di altre piattaforme.

La fotografia notturna, le sequenze d’azione costruite senza troppi fronzoli digitali, il cast corale che garantisce spessore anche ai personaggi secondari: Guns Up costruisce il proprio appeal su questi elementi, senza pretendere di rivoluzionare il genere ma con la solida ambizione di offrire novanta minuti di puro intrattenimento. Per chi cerca un action movie da consumare in una serata senza troppe pretese intellettuali ma con il desiderio di una storia ben raccontata, questo film rappresenta una scelta più che valida.

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Negli ultimi mesi erano tornate a circolare speculazioni sull’avvio della produzione dopo alcuni indizi condivisi sui social da Alfie Williams, interprete dei nuovi capitoli della saga. Un post pubblicato dall’attore aveva infatti portato molti fan a pensare che il film fosse già entrato in pre-produzione.

Intervistato in occasione del 30° anniversario di Trainspotting da Joblo, Boyle ha però chiarito la situazione:

“Abbiamo letteralmente esaurito il tempo a disposizione. Ci sono location nel Regno Unito che possono essere utilizzate solo in specifici periodi dell’anno e non siamo riusciti a rispettare la finestra prevista. Speriamo quindi di girare il film il prossimo anno. L’entusiasmo c’è e Alex Garland ha realizzato una sceneggiatura fantastica.”

Le dichiarazioni del regista confermano quindi che il progetto è ancora vivo, ma evidenziano anche come non esista alcuna certezza sui tempi di realizzazione. Il riferimento a un possibile avvio delle riprese “il prossimo anno” appare infatti più come una speranza che come un impegno concreto.

La situazione si è complicata dopo il percorso commerciale di 28 Anni Dopo: il Tempio delle Ossa. Nonostante recensioni generalmente positive e il sostegno di una parte del fandom, il film avrebbe ottenuto risultati inferiori alle aspettative al botteghino, alimentando dubbi sulla prosecuzione della trilogia.

Anche sul fronte streaming il titolo non avrebbe registrato numeri particolarmente brillanti, aumentando le incertezze sul futuro del franchise.

Uno degli elementi che potrebbe convincere gli studios a dare il via libera definitivo è il ritorno di Cillian Murphy, protagonista dell’iconico 28 Giorni Dopo del 2002. Da tempo il suo coinvolgimento viene indicato come una delle componenti chiave del piano immaginato da Boyle e Alex Garland per il capitolo conclusivo.

Al momento, dunque, 28 Anni Dopo Tre resta un progetto concreto ma ancora lontano dalla produzione. L’entusiasmo degli autori sembra esserci, così come una sceneggiatura già completata. Resta però da capire se gli studios decideranno di investire davvero nell’ultimo capitolo della saga iniziata oltre vent’anni fa.

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Il film sarà realizzato per Lionsgate e potrà contare sul supporto produttivo di Sam Raimi e Rob Tapert attraverso la loro etichetta Ghost House Pictures.

Al momento non sono stati diffusi dettagli sulla trama, ma le prime informazioni indicano che il progetto avrà un tono differente rispetto alla saga di Terrifier e un budget sensibilmente più elevato rispetto alle produzioni indipendenti che hanno reso celebre Leone.

Si tratta di un passaggio significativo per un autore che ha costruito il proprio successo lontano dai grandi studios. Il primo Terrifier fu infatti realizzato con risorse minime, mentre i successivi capitoli sono riusciti a trasformarsi in autentici fenomeni del cinema horror grazie al passaparola e al sostegno della fanbase.

Il caso più eclatante resta Terrifier 3, che dopo un budget contenuto è riuscito a imporsi al box office internazionale, consolidando definitivamente la popolarità di Art the Clown, interpretato da David Howard Thornton.

Nel corso degli anni Leone ha conquistato il pubblico horror grazie all’uso massiccio di effetti pratici, a una visione creativa senza compromessi e a uno stile estremamente riconoscibile. Elementi che hanno permesso a una produzione nata nell’ambito indipendente di diventare un franchise conosciuto in tutto il mondo.

Proprio per questo l’annuncio di Tortures of the Damned rappresenta uno dei movimenti più interessanti nel futuro della sua carriera. Con il sostegno di Lionsgate e di una figura come Sam Raimi, Leone avrà l’occasione di confrontarsi con un progetto più ambizioso mantenendo al tempo stesso la sensibilità horror che lo ha reso celebre.

Resta ora da capire se il regista porterà sul grande schermo qualcosa di completamente diverso rispetto a Terrifier o se utilizzerà risorse maggiori per amplificare ulteriormente il suo stile estremo e provocatorio.

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Creata da Tatsuya Endo e pubblicata dal 25 marzo 2019 sulla rivista digitale Shōnen Jump+ di Shūeisha, l’opera ha conquistato il pubblico giapponese e internazionale con una formula narrativa che mescola spionaggio, azione, commedia e una tenerezza familiare inaspettata. Un equilibrio delicato che poteva facilmente trasformarsi in caos narrativo, ma che invece ha generato una delle storie più fresche e coinvolgenti dell’ultimo decennio.

La trama ruota attorno a Loid Forger, nome in codice Twilight, una spia di prim’ordine che si ritrova ad affrontare la missione più complicata della sua carriera: infiltrarsi in un’élite sociale creando una famiglia credibile in tempo record. Per farlo adotta Anya, una vivace bambina con l’abilità segreta di leggere nel pensiero, e sposa Yor Briar, conosciuta negli ambienti criminali come Thorn Princess, un’assassina letale quanto impacciata nella vita quotidiana.

Il bello è che nessuno dei tre conosce realmente l’identità degli altri. Solo Anya, grazie ai suoi poteri telepatici, è consapevole della vera natura di ciascun membro di questo bizzarro nucleo familiare. Una situazione esplosiva che genera un doppio livello di ironia: mentre Loid e Yor recitano la parte della famiglia perfetta per i propri scopi segreti, lo spettatore assiste divertito ai loro sforzi goffi di apparire normali, mentre Anya si destreggia tra i pensieri contrastanti dei genitori adottivi.

L’ambientazione richiama una guerra fredda fittizia tra le nazioni di Westalis e Ostania, un contesto che permette a Endo di giocare con i codici dello spionaggio à la Guerra Fredda, mescolando atmosfere da thriller d’epoca con situazioni domestiche esilaranti. Il contrasto tra le missioni ad alto rischio di Loid e i tentativi della famiglia di sembrare ordinaria crea una tensione narrativa costante, ma mai opprimente.

La famiglia Forger, con tutti i suoi segreti e le sue contraddizioni, è diventata uno specchio paradossale della famiglia moderna: tutti recitiamo ruoli, tutti abbiamo segreti, tutti cerchiamo di apparire migliori di quello che siamo. La differenza è che nel loro caso i segreti coinvolgono armi, missioni segrete e poteri paranormali. Ma sotto questa patina surreale, le dinamiche sono sorprendentemente autentiche.

Spy × Family ha dimostrato che nel panorama contemporaneo c’è spazio per opere che osano mescolare i codici di genere, che sanno essere profonde senza prendersi troppo sul serio, che possono far ridere e commuovere nello spazio di pochi minuti. Una lezione di equilibrio narrativo che molti autori farebbero bene a studiare.

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Questa storia vera, definita dai cronisti il furto impossibile, è diventata la spina dorsale di Everybody Loves Diamonds, la serie italiana Amazon Studios e Wildside disponibile su Prime Video. Otto episodi che mescolano heist drama e commedia, diretti da Gianluca Maria Tavarelli e scritti da un team di sceneggiatori di peso: Stefano Bises, già autore di Gomorra e ZeroZeroZero, insieme a Michele Astori, Giulio Carrieri e Bernardo Pellegrini.

La serie romanza gli eventi reali concentrandosi su Leonardo Notarbartolo, il palermitano cinquantenne soprannominato “l’artista”, interpretato da Kim Rossi Stuart. Notarbartolo non è un criminale qualunque. La sua storia professionale nel mondo dei diamanti inizia come assistente di un grosso commerciante ebreo, una posizione che gli permette di studiare dall’interno i meccanismi del Diamond Centre di Anversa, cuore pulsante del commercio mondiale di pietre preziose.

Per oltre due anni, Notarbartolo si costruisce una copertura perfetta: affitta un ufficio nel distretto dei diamanti, si presenta come uomo d’affari, guadagna accesso e fiducia. Ottiene persino il permesso di entrare nella zona protetta che ospita le centosessanta teche blindate, difese da un sistema di sicurezza che all’epoca rappresentava quanto di più avanzato esistesse: rivelatori di calore a raggi infrarossi, lucchetti con cento milioni di combinazioni possibili, sensori di movimento, telecamere multiple.

La genialità del piano sta nella pazienza. Niente colpi estemporanei, niente improvvisazione. Leonardo studia ogni dettaglio, ogni falla, ogni secondo della routine di sicurezza. E quando decide di agire, si circonda di persone che considera fidate, costruendo una banda che nella fiction diventa un ritratto corale di personalità agli antipodi.

Quello che rende il caso affascinante non è solo la portata economica, ma l’audacia tecnica. Come si aggira un sistema del genere? Come si svuotano centotretatré casseforti senza far scattare allarmi? La serie da una risposta romanzata, costruendo un puzzle narrativo che alterna presente e flashback, indagine e preparazione del colpo.

Ma questa storia ha un vantaggio: è realmente accaduta. Da qualche parte, in quella fredda mattina del febbraio 2003, qualcuno è davvero riuscito a violare uno dei sistemi di sicurezza più sofisticati del pianeta. E la polizia, ancora oggi, non sa esattamente come. Forse la serie tv su Prime può svelare quel mistero.

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Uno degli aspetti più divisivi di Backrooms è la sua apparente mancanza di risposte. Molti spettatori sono usciti dalla sala convinti di aver assistito a un’esperienza visivamente affascinante ma priva di una vera trama, mentre altri hanno visto nel film di Kane Parsons qualcosa di molto più complesso.

La chiave per interpretare il finale potrebbe essere una semplice domanda: e se le Backrooms non fossero soltanto un luogo?

Durante il film vengono presentate come un labirinto infinito di corridoi, stanze e spazi impossibili che sembrano sfidare qualsiasi logica. Tuttavia, diversi dettagli suggeriscono che si tratti di qualcosa di più vicino a un organismo vivente o a una sorta di coscienza in continua espansione.

Le Backrooms sembrano infatti assorbire informazioni dalle persone che entrano in contatto con loro. Ricordi, paure, traumi e ossessioni vengono rielaborati e restituiti sotto forma di ambienti, oggetti e perfino creature.

Questo spiegherebbe perché molti elementi presenti nel labirinto sembrano avere un legame diretto con la vita dei protagonisti.

Clark, architetto fallito e proprietario di un negozio di mobili ormai sull’orlo del collasso, è un uomo schiacciato dal peso dei propri errori e da un matrimonio distrutto. Quando scopre l’accesso alle Backrooms, il luogo sembra già conoscerlo. Alcune manifestazioni riconducibili alla sua identità appaiono infatti prima ancora che il personaggio si addentri completamente nel labirinto.

L’idea suggerita dal film è che le Backrooms non si limitino a ospitare chi vi entra, ma lo “scansionino”, creando versioni distorte della sua memoria e della sua personalità.

In quest’ottica assume particolare importanza anche il riferimento alla Async, la misteriosa organizzazione che studia il fenomeno. Quando scopriamo che l’azienda era originariamente coinvolta nello sviluppo di tecnologie di scansione e imaging, il dettaglio sembra tutt’altro che casuale. Le Backrooms funzionano quasi come una gigantesca macchina che acquisisce dati, li scompone e li ricostruisce in forme nuove e inquietanti.

Anche il percorso della dottoressa Mary segue la stessa logica.

Per gran parte del film assistiamo ai suoi ricordi d’infanzia, segnati dal rapporto con una madre affetta da gravi problemi psicologici e da una casa che rappresenta una ferita mai completamente rimarginata. Questi momenti non servono soltanto a definire il personaggio, ma sembrano anticipare ciò che accade nelle Backrooms.

Quando Mary entra a sua volta nel labirinto, il luogo inizia a popolarsi di elementi legati al suo passato. È come se i suoi ricordi venissero assorbiti e trasformati in nuove sezioni della struttura infinita.

Da questo punto di vista, le creature e le anomalie presenti nelle Backrooms potrebbero non essere semplici mostri. Potrebbero rappresentare frammenti deformati delle paure e dei traumi delle persone che il labirinto incontra lungo il proprio percorso.

Il finale sembra confermare questa interpretazione.

L’ultima immagine suggerisce che anche Mary sia stata in qualche modo replicata o impressa all’interno delle Backrooms. Tuttavia, a differenza di Clark, il suo viaggio sembra avere un significato diverso. Se lui appare sempre più consumato dalle proprie ossessioni, Mary sembra invece aver finalmente accettato il proprio passato.

Per questo motivo la replica della sua infanzia, della sua casa e dei suoi ricordi potrebbe rappresentare simbolicamente qualcosa che viene lasciato indietro. Le Backrooms trattengono il trauma, mentre il personaggio prova ad andare avanti.

Naturalmente il film non conferma mai apertamente nessuna di queste teorie. Kane Parsons preferisce lasciare molte domande senza risposta: cosa vogliono davvero le Backrooms? Qual è il vero obiettivo di Async? Le copie dei personaggi sono esseri autonomi o semplici manifestazioni della memoria? E soprattutto, è davvero possibile uscire dal labirinto?

Sono interrogativi che il film lascia volutamente aperti e che potrebbero trovare risposta in un eventuale sequel.

Forse è proprio questo il punto di Backrooms. Più che raccontare un mistero da risolvere, il film utilizza l’orrore liminale per esplorare il modo in cui ricordi, rimpianti e traumi continuano a vivere dentro di noi. E le Backrooms, in questa lettura, non sono altro che la loro manifestazione più inquietante.

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L’accordo permetterà di utilizzare una versione digitale di Stan Lee in nuovi contenuti editoriali e commerciali. Per addestrare il sistema verranno impiegate registrazioni provenienti da interviste, apparizioni pubbliche, narrazioni e altri materiali professionali accumulati nel corso della sua lunga carriera.

L’obiettivo dichiarato è quello di preservare e rendere accessibile la presenza di Stan Lee anche alle nuove generazioni, sfruttando le più recenti tecnologie per riprodurne voce, tono e immagine. Una scelta che potrebbe aprire nuove possibilità creative, ma che inevitabilmente solleva anche interrogativi sul futuro delle eredità artistiche nell’era dell’IA.

La notizia – riportata da Variety – ha infatti generato reazioni contrastanti online. Da tempo l’utilizzo dell’intelligenza artificiale per ricreare artisti e personalità scomparse divide pubblico e industria dell’intrattenimento. Da una parte c’è chi vede queste tecnologie come uno strumento per preservare la memoria di figure iconiche; dall’altra chi teme che possano nascere problemi etici legati al consenso e all’utilizzo postumo dell’immagine di persone che non possono più esprimere la propria volontà.

Nel caso di Stan Lee, il dibattito assume un peso ancora maggiore. L’autore è stato infatti una delle figure più influenti nella storia del fumetto moderno, contribuendo alla creazione di personaggi entrati nell’immaginario collettivo come Spider-Man, Fantastici Quattro, Hulk, Iron Man, Thor, Doctor Strange e gli X-Men.

La vicenda arriva inoltre in un momento in cui l’attenzione sull’eredità del creatore Marvel è particolarmente alta. È infatti atteso Stan Lee: The Final Chapter, documentario realizzato dal suo ex assistente Jon Bolerjack che promette di raccontare gli ultimi anni di vita dell’autore, segnati da controversie, accuse di manipolazione e dispute legate alla gestione del suo patrimonio e della sua assistenza personale.

Tra nuove tecnologie, memoria digitale e riflessioni sul futuro dell’intrattenimento, il nome di Stan Lee continua dunque a occupare un posto centrale nella cultura pop mondiale. E questa nuova iniziativa dimostra come il dibattito sul rapporto tra creatività, tecnologia e legacy sia destinato a diventare sempre più attuale nei prossimi anni.

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