Intervistato da E! News durante la promozione di La fine di Oak Street, McGregor ha infatti risposto senza esitazioni alla possibilità di impugnare nuovamente la spada laser:

«Sono pronto quando lo sono loro. Sembra soltanto che loro non siano pronti, ma io ci sto».

Al momento, quindi, le sue parole non anticipano una seconda stagione della serie Disney+, né confermano che Lucasfilm abbia effettivamente un nuovo progetto dedicato al personaggio. Rivelano però quanto McGregor continui a considerare incompleta la propria esperienza nei panni di Obi-Wan.

L’attore è particolarmente interessato al periodo che separa il finale della miniserie del 2022 dagli eventi di Star Wars: Una nuova speranza.

Alla fine di Obi-Wan Kenobi, il Jedi comprende infatti di non poter trascorrere la propria esistenza sorvegliando costantemente il giovane Luke Skywalker. Decide così di lasciare che il bambino cresca con Owen e Beru Lars e, soprattutto, riesce finalmente a vedere lo spirito del suo antico maestro Qui-Gon Jinn, interpretato nuovamente da Liam Neeson.

Ed è proprio da quell’immagine che McGregor vorrebbe ripartire:

«Alla fine della serie di Obi-Wan me ne vado nel deserto. Ho capito che non posso continuare a mettere pressione su Luke. Deve avere la sua infanzia, quindi lo lascio con zio Owen e zia Beru. E me ne vado… Qui-Gon è tornato e partiamo insieme… ma dove stiamo andando?»

La domanda, per l’attore, contiene già la premessa di nuove storie:

«Quello che succede tra quei due momenti è ciò che voglio fare, e passare il resto della mia carriera raccontando queste storie».

McGregor è consapevole anche del limite imposto dalla cronologia di Star Wars. Quando Obi-Wan ricompare in Una nuova speranza, il personaggio ha naturalmente il volto di Alec Guinness.

Ma secondo l’attore c’è ancora parecchio tempo a disposizione:

«Abbiamo tutto il tempo. Ho ancora dieci anni prima di raggiungere l’età di Alec Guinness. Quindi forza, Disney!»

Non è la prima volta che McGregor manifesta pubblicamente il desiderio di tornare. La differenza, questa volta, è soprattutto nella chiarezza con cui individua il territorio narrativo che vorrebbe esplorare: non necessariamente un’altra storia costruita intorno a Luke o a Darth Vader, ma gli anni in cui Obi-Wan approfondisce il proprio rapporto con la Forza e con Qui-Gon prima di diventare l’eremita incontrato nel film del 1977.

Per ora, però, il futuro rimane nelle mani di Lucasfilm. E a giudicare dalle parole di McGregor, il problema non sarà certo convincere Obi-Wan a tornare.

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Eppure, ascoltandolo raccontare i propri inizi al Festival di Locarno, dove ha ricevuto il Vision Award, tutto sembra essere nato quasi per caso.

«Non sono un genio. Sono soltanto un uomo fortunato che è riuscito a trasformare un hobby in un lavoro. Mia madre lavorava in banca, mentre mio padre ha fatto molti mestieri. Era creativo, ma non riusciva a mantenere una famiglia soltanto disegnando e così incoraggiò la mia creatività. Quando ci trasferimmo nella periferia di Los Angeles avevo dieci anni e pensavo di diventare medico, anche se sono molto impressionabile alla vista del sangue. Quello che volevo fare davvero, però, era il dottor Frankenstein. Così sono diventato truccatore».

La camera da letto del giovane Baker diventa così il suo primo laboratorio, mentre la biblioteca cittadina si trasforma in una scuola improvvisata. Non esistono tutorial online, making of in alta definizione o corsi facilmente accessibili: bisogna cercare fotografie, libri e qualsiasi frammento d’informazione permetta di capire come vengono costruite le illusioni viste sullo schermo.

Rick Baker, Lon Chaney e l’incontro decisivo con Dick Smith

«Per imparare andai in biblioteca e trovai un libro sul trucco teatrale che mi insegnò moltissimo. Poi, sulla rivista Famous Monsters, vidi una fotografia di Lon Chaney ne Il fantasma dell’Opera e fu una vera folgorazione. Molti mesi dopo, nel numero 6 della stessa rivista, il primo che riuscii ad acquistare con i miei risparmi, trovai un’intervista a Dick Smith, il grande artista del make-up. In quel momento capii quale sarebbe stata la mia strada».

Dick Smith, futuro autore degli straordinari trucchi di film come Il padrino e L’esorcista, diventa per Baker qualcosa di più di un modello professionale.

Il giovane artista riesce a trovare il suo indirizzo e, durante un viaggio a New York per visitare la nonna, trova il coraggio di contattarlo.

«Gli scrissi una lettera e gli mandai le fotografie dei lavori che avevo realizzato a scuola. Mi rispose quasi subito. Nella busta c’erano persino una maschera di gomma e le fotografie del trucco che aveva creato per Dustin Hoffman ne Il piccolo grande uomo. Mi disse che non aveva mai visto un lavoro così ben fatto da un autodidatta di diciotto anni e mi invitò ad andare a trovarlo. Trascorsi tutta la giornata con lui e mi diede una quantità incredibile di informazioni. Anche Dick era autodidatta e ha sempre condiviso generosamente tutto quello che sapeva».

Quella disponibilità avrebbe avuto un peso enorme sulla formazione di Baker e, pochi anni più tardi, i due si sarebbero ritrovati a lavorare insieme a uno dei film horror più importanti di sempre.

Octaman: il B-movie da cui cominciò tutto

Prima di arrivare a Hollywood dalla porta principale, però, Baker passa attraverso una produzione decisamente meno prestigiosa.

Nel 1971 lavora infatti a Octaman, monster movie a bassissimo budget diretto da Harry Essex che lo stesso artista ricorda con un certo divertimento.

«Definirlo un B-movie sarebbe fargli un complimento. Mio padre all’epoca faceva consegne a domicilio e, entrando per errore in un cortile, scoprì che stavano girando un film. Me lo raccontò e così andai a propormi. Volevano un modellino del mostro Octaman e lo realizzai con pochissimi dollari. In realtà venni assunto per occuparmi dei trucchi soltanto perché nessun altro voleva fare quel lavoro».

Il caos della produzione diventa una lezione accelerata su come – e soprattutto su come non – si realizza un film.

«C’è una scena in cui Octaman si nasconde in una baracca e alcuni uomini gli danno la caccia. Alla fine delle riprese successe di tutto: un attore si ruppe un polso, un altro finì con le palle schiacciate. Giravano senza provare nulla. Un ciak e via».

Il costume, avrebbe ammesso Baker, «era un po’ brutto». Ma l’esperienza gli aveva permesso di mettere finalmente piede nel cinema.

It’s Alive e il bambino killer di Larry Cohen

Un salto significativo arriva con It’s Alive di Larry Cohen, distribuito nel 1974. Baker viene chiamato a creare la creatura neonata al centro del film, ma l’idea iniziale del regista è piuttosto diversa dal risultato che sarebbe poi arrivato sullo schermo.

«Larry mi aveva scoperto mentre lavoravo con John Landis a Schlock e mi propose di creare il costume del bambino killer. Nella sua testa doveva essere qualcosa di simile al costume di un gatto o di una gallina. Lo guardai stupefatto e alla fine costruii invece un pupazzo dotato di armatura. Quando lo vide se ne innamorò e volle mostrarlo nel film facendolo strisciare. Il problema era che quello che avevo costruito non aveva i gomiti, quindi non fu proprio semplicissimo».

È già evidente una caratteristica che accompagnerà buona parte della carriera di Baker: non limitarsi a realizzare ciò che gli viene chiesto, ma trovare una soluzione capace di rendere fisicamente credibile una creatura impossibile.

Rick Baker e L’esorcista: lavorare sul volto di Regan

Il rapporto con Dick Smith conduce Baker sul set di L’esorcista di William Friedkin. Smith aveva sviluppato differenti possibilità per la trasformazione demoniaca di Regan, interpretata da Linda Blair, ma il regista non era ancora soddisfatto del risultato.

«Dick aveva preparato diversi look per Regan e, quando applicarono il trucco alla ragazza il primo giorno di riprese, Friedkin non fu soddisfatto. Così Dick mi chiamò per collaborare con lui e trovare nuove soluzioni. Lavorammo direttamente sull’attrice. Anche al manichino la cui testa gira di 360 gradi ho lavorato io, come bassa manovalanza. Quando vidi per la prima volta il film finito mi resi conto che Friedkin aveva davvero ragione a voler cambiare quel make-up. Il risultato era fantastico».

Per Baker è un passaggio fondamentale: da giovane autodidatta che studiava le fotografie di Smith sui libri si ritrova ora accanto al proprio maestro nella costruzione di una delle immagini più riconoscibili dell’horror moderno.

John Landis e il licantropo che cambiò gli effetti speciali

L’incontro destinato a cambiare definitivamente la sua carriera è però quello con John Landis. I due lavorano insieme già in Schlock, commedia horror del 1973 nella quale Baker realizza il costume della creatura – e lo indossa personalmente.

«John voleva girare la storia di una scimmia che terrorizzava la California e si rivolse al negozio dove compravo i materiali per i trucchi. Loro lo misero in contatto con me. Venne a cercarmi nella mia camera-studio, vide i miei lavori e mi disse di inventare un costume. Anche se non vidi mai tutti i soldi promessi, la mia carriera cambiò grazie a lui».

Landis aveva già in mente un progetto molto più ambizioso: Un lupo mannaro americano a Londra. Il regista voleva qualcosa che il cinema tendeva invece a nascondere attraverso montaggio, ombre e dissolvenze: mostrare la trasformazione dell’uomo in licantropo in piena luce, davanti alla macchina da presa, rendendola lunga, fisica e soprattutto dolorosa.

«All’epoca di Schlock John aveva già in mente Un lupo mannaro americano a Londra. Voleva che la trasformazione avvenisse in movimento, che fosse dolorosa e che la scena fosse ripresa con molta luce. Per fortuna Schlock non ebbe successo e passarono quasi dieci anni prima che riuscisse a fare quel film».

Quel tempo permette alle tecniche di Baker di maturare. Quando il film arriva nelle sale nel 1981, la trasformazione di David Naughton diventa immediatamente un punto di riferimento degli effetti prostetici.

E la storia del cinema cambia con essa: proprio nel 1981 l’Academy introduce competitivamente la categoria dedicata al make-up, e Rick Baker diventa il primo artista a vincere l’Oscar per il Miglior Trucco.

«John ha cambiato la mia vita. Grazie a quel film ho vinto il mio primo Oscar e, più tardi, sul set di Tutto in una notte, ho incontrato Sylvia, che sarebbe diventata mia moglie. Landis mi fece persino recitare nella parte di uno spacciatore, mentre Sylvia, che si occupava di parrucche e capelli, interpretava una prostituta. Eravamo una bella coppia».

Thriller: quando Michael Jackson chiamò Rick Baker

Dopo l’Oscar arriva un’altra telefonata destinata a entrare nella storia della cultura pop. Michael Jackson aveva visto Un lupo mannaro americano a Londra e voleva lavorare con John Landis a quello che sarebbe diventato Thriller.

«Michael aveva visto Un lupo mannaro americano a Londra e voleva recitare in un corto. Quando ascoltai la canzone iniziai a ragionare su cosa fare. Realizzare uno zombie movie mi sembrava la scelta migliore. Michael, però, lo vedevo molto più come un felino che come un lupo. Era timidissimo, anche se sul palco si trasformava completamente, ed era agitatissimo quando venne a trovarmi in studio».

Il risultato avrebbe superato ampiamente i confini del videoclip musicale. Le creature, gli zombie e la trasformazione di Jackson contribuirono a trasformare Thriller in un piccolo film horror e in uno dei videoclip più influenti mai realizzati.

King Kong: Rick Baker era davvero dentro il gorilla

C’è però un capitolo precedente della carriera di Baker ancora oggi meno conosciuto. Dietro il King Kong del 1976, prodotto da Dino De Laurentiis e diretto da John Guillermin, non c’è soltanto il lavoro di Carlo Rambaldi.

C’è anche Rick Baker. In senso letterale.

«In effetti posso dire di essere stato il vero King Kong. De Laurentiis voleva rifare il film e pensai che fosse una grande opportunità. La loro idea iniziale era che il nuovo Kong assomigliasse a un uomo preistorico, mentre io avevo portato dei modelli di braccia meccaniche. Non mi assunsero subito e, quando mi richiamarono, mi misero praticamente in competizione con Rambaldi».

Baker, disponendo di poco tempo e di risorse limitate, costruisce un costume da gorilla direttamente sulle proprie misure.

«Il mio costume inizialmente non piacque. Rambaldi, invece, aveva una ventina di persone che lavoravano per lui, ma quando presentarono il progetto ci furono molti problemi. Alla fine presero il mio costume, con me dentro, e girarono il film. Ho progettato King Kong e, nonostante la rivalità, io e Rambaldi abbiamo poi lavorato insieme al personaggio. Secondo me Carlo fece alcuni errori con il corpo del gorilla, ma il meccanismo facciale era molto buono».

La collaborazione, tuttavia, lasciò a Baker un ricordo amaro.

«Rambaldi vinse l’Oscar. Io invece non venni neppure invitato alla festa finale. Nei titoli di coda il mio nome compare accanto al suo, ma soltanto per un contributo speciale».

Rick Baker e l’arte di rendere reale l’impossibile

La storia avrebbe comunque restituito a Baker un riconoscimento difficilmente contestabile. Da Un lupo mannaro americano a Londra a Ed Wood, da Il professore matto a Men in Black, fino a Il Grinch e Wolfman, il suo lavoro ha attraversato generi e decenni, accompagnando l’evoluzione stessa del make-up cinematografico.

I sette Oscar conquistati nel corso della carriera raccontano soltanto una parte della sua influenza. Baker appartiene infatti a una generazione di artisti per cui creare un mostro significava innanzitutto risolvere un problema materiale: scolpire, modellare, costruire meccanismi, studiare anatomia e movimento, capire come una superficie reagisse alla luce e come un corpo impossibile potesse convincere lo spettatore di trovarsi davvero davanti alla macchina da presa.

È curioso che tutto sia cominciato da un bambino impressionabile alla vista del sangue che pensava di voler diventare medico. In realtà, come Baker stesso avrebbe capito molto presto, il suo sogno era un altro: non essere il dottore, ma essere il dottor Frankenstein.

E poche persone nella storia del cinema sono riuscite quanto lui a dare vita ai mostri.

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Il film, distribuito da Universal Pictures è uscito nelle sale italiane il 7 dicembre 2022, riprende le avventure del personaggio nato nell’universo di Shrek, stavolta alle prese con una crisi esistenziale che va ben oltre i confini della fiaba classica. Il Gatto scopre di aver bruciato otto delle sue proverbiali nove vite durante le innumerevoli avventure che lo hanno reso leggendario. Con una sola vita rimasta, il nostro eroe si trova di fronte a un bivio: ritirarsi definitivamente o rischiare tutto per recuperare ciò che ha perduto.

La quest che muove la narrazione è la ricerca della leggendaria Stella dei Desideri, nascosta nel cuore della Foresta Nera. Questo artefatto mitico rappresenterebbe la possibilità di ripristinare le vite perdute, un’occasione troppo ghiotta per un avventuriero incallito come il Gatto.

Ma la strada non sarà solitaria: per riuscire nell’impresa, dovrà rivolgersi a Kitty Zampe di Velluto, sua ex partner e al tempo stesso acerrima rivale, interpretata nell’originale da Salma Hayek. A completare il trio dei protagonisti c’è Perrito, un cagnolino randagio loquace e ottimista che diventa rapidamente il cuore emotivo del film.

L’aspetto più sorprendente de Il Gatto con gli Stivali 2 risiede nella sua capacità di trattare temi complessi con una maturità che molti film live-action si sognerebbero. Il confronto con la mortalità, l’accettazione dei propri limiti, il valore delle relazioni autentiche: sono questi i messaggi filosofici e esistenziali che permeano la narrazione, elevandola ben oltre il semplice intrattenimento per famiglie. Il film parla di paura, di vulnerabilità, di cosa significhi davvero vivere piuttosto che limitarsi a sopravvivere.

In questo contesto narrativo si inserisce una delle creazioni più geniali della DreamWorks degli ultimi anni: il Grande Lupo Cattivo interpretato da Wagner Moura. Non un semplice antagonista da favola, ma la personificazione stessa della Morte, un cacciatore inesorabile che insegue il Gatto per ricordargli che sta giocando con il fuoco. Il design del personaggio, gli occhi rossi incandescenti, il fischio inquietante che ne annuncia l’arrivo: tutto concorre a creare una presenza scenica senza pari.

Dal punto di vista tecnico, Il Gatto con gli Stivali 2 rappresenta un salto qualitativo notevole rispetto al predecessore. Crawford e il suo team hanno optato per uno stile visivo ibrido che mescola sapientemente animazione 2D e 3D, creando un effetto pittorico che ricorda le tavole dei libri illustrati.

Questo sequel rappresenta un punto di svolta. Dopo anni di film d’animazione formulaici e commercialmente sicuri, lo studio ha dimostrato di poter competere con Pixar e Disney anche sul terreno della profondità narrativa e dell’innovazione visiva. Il successo de Il Gatto con gli Stivali 2 potrebbe aprire la strada a progetti più ambiziosi e meno legati agli schemi consolidati del family entertainment tradizionale.

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Non è il solito film sui cavalieri della Tavola Rotonda. Qui non troverai battaglie epiche con orchestre trionfali o dichiarazioni roboanti sul valore. Sir Gawain e il Cavaliere Verde è un altro tipo di viaggio, quello interiore, dove la vera sfida non è sconfiggere un nemico ma confrontarsi con se stessi.

La storia parte da un Gawain che non è ancora cavaliere. Dev Patel lo interpreta come un giovane che passa le giornate a dormire nei bordelli, dove ha una relazione con Essel, interpretata da Alicia Vikander, e a ubriacarsi senza uno scopo preciso. Sua madre, Morgan Le Fay, lo spinge ad andare al banchetto di Natale alla corte di suo zio, Re Artù. Quando arriva, il re gli chiede di sedersi al suo fianco, un onore che Gawain sente di non meritare. Non ha storie di imprese da raccontare, nessuna prova di valore.

Tutto cambia quando il Cavaliere Verde, una figura imponente e misteriosa interpretata da Ralph Ineson, irrompe nella sala e lancia una sfida: chiunque riesca a colpirlo potrà farlo, ma dovrà accettare lo stesso colpo di ritorno esattamente un anno dopo, presso la Cappella Verde.

Gawain, spinto dal bisogno di dimostrare qualcosa a se stesso e agli altri, accetta. Con Excalibur decapita il Cavaliere Verde. Ma la testa mozzata rotola, viene raccolta dal corpo ancora in piedi, e il patto è sigillato. Gawain ha un anno per raggiungere la Cappella Verde e onorare la sua promessa.

Quello che segue è un’odissea che David Lowery dirige con una consapevolezza visiva straordinaria. La fotografia di Andrew Droz Palermo è uno degli elementi più potenti del film. Ci sono scene luminose, quasi oniriche, che contrastano con nebbie fitte e ambientazioni cupe. Ogni inquadratura sembra studiata per trasmettere una sensazione precisa: lo smarrimento, la paura, la meraviglia. L’Irlanda fa da sfondo naturale a questa epopea, e la natura diventa quasi un personaggio, una forza che osserva, giudica, accompagna.

Dev Patel offre una delle sue migliori performance. Il suo Gawain è un uomo in bilico tra l’arroganza e l’insicurezza, tra il desiderio di gloria e la paura di non essere all’altezza. Patel riesce a esprimere tutto questo con sguardi, piccoli gesti, movimenti controllati. È un’interpretazione sottile, mai sopra le righe, che cresce insieme al personaggio. Accanto a lui, Alicia Vikander brilla in due ruoli distinti: Essel e la Dama. Due figure femminili che mettono alla prova Gawain in modi diversi, mostrando la versatilità dell’attrice.

La durata di 130 minuti potrebbe sembrare eccessiva, ma ogni minuto serve. Non c’è nulla di superfluo. Lowery usa il tempo come un pittore usa la tela: con pazienza, con intenzione. I primi piani intimi, le inquadrature larghe sui paesaggi, i silenzi che dicono più delle parole. È un film che chiede attenzione, ma la ripaga con interessi. Sir Gawain e il Cavaliere Verde non è solo uno dei migliori adattamenti delle leggende arturiane. È un’opera che lascia il segno, che continua a lavorare dentro anche dopo i titoli di coda.

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Il progetto era stato annunciato lo scorso aprile insieme ai primi due nomi del cast, Waititi e Kit Connor. Netflix ha ora rivelato nuovi interpreti e soprattutto la strategia distributiva: Charlie vs. the Chocolate Factory arriverà nei cinema di tutto il mondo il 5 novembre 2027, per poi debuttare sulla piattaforma il 22 dicembre 2027. Una finestra cinematografica particolarmente ampia per una produzione Netflix.

Charlie vs. the Chocolate Factory: Willy Wonka è appena uscito di prigione

La trovata alla base del film consiste nel prendere quasi alla lettera una domanda che aleggia da decenni intorno alla storia di Dahl: che cosa accadrebbe realmente a Willy Wonka dopo tutto quello che è successo ai bambini entrati nella sua fabbrica?

La risposta degli sceneggiatori è semplice: probabilmente avrebbe qualche problema con la legge.

Charlie vs. the Chocolate Factory è infatti ambientato anni dopo il famigerato concorso dei Biglietti d’Oro. Wonka ha trascorso quel periodo dietro le sbarre per un reato molto preciso: aver trasformato Violet Beauregarde in un enorme mirtillo.

Dopo aver scontato la condanna, il cioccolatiere torna alla propria fabbrica intenzionato, secondo la sinossi ufficiale, a riportare «un po’ di dolcezza in un mondo amaro». Ad aspettarlo trova però un nuovo Charlie.

Non si tratta infatti di Charlie Bucket, il bambino protagonista del romanzo originale, ma di Charlie Paley, doppiato da Kit Connor. Il ragazzo e il suo gruppo di amici rischiano di essere sfrattati e escogitano un piano decisamente poco ortodosso per salvarsi: entrare nella fabbrica di Wonka e rubare una preziosissima barretta di cioccolato.

Come i bambini che li hanno preceduti, scopriranno rapidamente che ciò che si nasconde all’interno della fabbrica potrebbe essere molto più pericoloso di quanto immaginassero.

Non è un remake di Willy Wonka

È proprio qui che il progetto Netflix prende una direzione piuttosto diversa dalle precedenti trasposizioni. Charlie vs. the Chocolate Factory non racconterà nuovamente la storia del romanzo del 1964, già portata al cinema con Gene Wilder nel 1971 e Johnny Depp nel film diretto da Tim Burton nel 2005.

Non seguirà neppure la strada di Wonka, che nel 2023 aveva trasformato Timothée Chalamet in una versione giovane e idealista del personaggio, immaginando gli anni precedenti alla nascita della celebre fabbrica.

Netflix sceglie quasi la direzione opposta: non l’origine di Wonka, ma le conseguenze delle sue azioni.

La premessa gioca evidentemente con la componente più inquietante e grottesca già presente nell’universo di Dahl. Nel racconto originale, bambini avidi, viziati o arroganti subiscono trasformazioni fisiche potenzialmente terrificanti, mentre Wonka reagisce alle loro disavventure con un distacco che ha sempre contribuito all’ambiguità del personaggio. Il nuovo film sembra trasformare proprio quella caratteristica in una gag narrativa: questa volta qualcuno ha effettivamente chiesto conto al cioccolatiere di ciò che accade nella sua fabbrica.

Da Kate Winslet a Helena Bonham Carter: il nuovo cast

Netflix ha accompagnato l’annuncio delle date con un sostanzioso ampliamento del cast vocale. Accanto a Taika Waititi e Kit Connor troveremo Kate Winslet, Nicola Coughlan, Charithra Chandran, Samson Kayo, Christopher Chung e Helena Bonham Carter.

Quest’ultimo nome crea anche un curioso collegamento con una precedente incarnazione della storia. Helena Bonham Carter aveva già fatto parte del mondo di Charlie e la fabbrica di cioccolato: nel film di Tim Burton del 2005 interpretava infatti la madre di Charlie Bucket, Mrs. Bucket.

Dietro la macchina da presa — virtuale, trattandosi di animazione — ci saranno invece Jared Stern ed Elaine Bogan. Stern ha lavorato alla sceneggiatura di LEGO Batman – Il film e ha diretto DC League of Super-Pets, mentre Bogan ha lavorato a produzioni animate come Trollhunters: Tales of Arcadia.

Il film comprenderà inoltre nuove canzoni, nuovi personaggi e alcuni volti familiari, mantenendo secondo Netflix lo spirito britannico dell’universo creato da Dahl.

Taika Waititi e Willy Wonka: un progetto nato anni fa

Il rapporto tra Waititi e l’universo dello scrittore britannico precede di parecchio questo film. Nel 2020 Netflix aveva annunciato due serie animate sviluppate dal regista a partire da Charlie and the Chocolate Factory: una dedicata alla storia principale e una incentrata sugli Oompa-Loompa.

Quei progetti non si sono concretizzati nella forma originariamente annunciata. Charlie vs. the Chocolate Factory rappresenta quindi un nuovo capitolo nel rapporto tra Waititi e questo universo, anche se Netflix non ha indicato il film come trasformazione diretta delle precedenti serie.

Waititi, che figura anche come produttore esecutivo, ha descritto Wonka come un personaggio per lui particolarmente importante, sottolineando l’opportunità di dare voce in animazione a un personaggio tanto iconico quanto eccentrico.

Netflix porta Charlie vs. the Chocolate Factory davvero al cinema

Forse l’aspetto industrialmente più interessante dell’annuncio riguarda però la distribuzione. Netflix ha confermato una release cinematografica globale il 5 novembre 2027, mentre l’arrivo in streaming è fissato al 22 dicembre.

Tra le due date trascorreranno quindi 47 giorni. Non la consueta uscita limitata organizzata per alcuni titoli Netflix, ma una finestra esclusiva sostanziale che avvicina il film a una distribuzione cinematografica tradizionale. È un elemento particolarmente significativo per un grande progetto animato prodotto da Netflix Animation Studios.

Il film arriverà inoltre nelle sale nel periodo che precede le festività natalizie, per poi raggiungere Netflix appena tre giorni prima di Natale. Una strategia che permette alla società di sfruttare prima il potenziale cinematografico del marchio e successivamente trasformarlo in uno dei titoli di punta della piattaforma durante le feste.

Ed è forse proprio questa combinazione a rendere Charlie vs. the Chocolate Factory un progetto più curioso di quanto sembrasse inizialmente. Netflix non sta semplicemente realizzando l’ennesima versione di Willy Wonka: prende le conseguenze più assurde del racconto originale, le tratta come se fossero realmente accadute e costruisce da lì una nuova storia.

Gene Wilder mostrava un Wonka enigmatico, Johnny Depp ne accentuava l’eccentricità e Timothée Chalamet ne raccontava l’origine. Taika Waititi partirà invece da un punto che nessuno dei suoi predecessori aveva dovuto affrontare: la libertà vigilata.

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Mentre stiamo ancora elaborando le morti dell’ultima puntata e lo stato dei sopravvissuti, vale la pena notare che la serie ha chiaramente gettato le basi per il suo finale. I lettori del libro potrebbero avere un’idea chiara di cosa ci aspetta, visto che eventi cruciali della saga di Martin non sono ancora apparsi sullo schermo. Ma anche chi segue solo la serie ha ricevuto un percorso preciso di ciò che verrà. Ecco, quindi, quali eventi possiamo aspettarci dalla prossima stagione, quella conclusiva, di House of the Dragon.

Per quanto violente siano state la Battaglia del Gullet, lo scontro tra i draghi della famiglia reale e Ladro di Pecore, e la disastrosa Battaglia di Tumbleton di quest’ultima puntata, alcuni degli scontri più devastanti e delle morti più strazianti di House of the Dragon devono ancora arrivare. Con questo in mente, cinque filoni narrativi cruciali sono stati preparati per la stagione 4, anche se probabilmente dovremo aspettare due anni per vederli sullo schermo.

La riunione tra Aegon e Aemond rappresenta uno dei fili conduttori più intensi preparati dalla terza stagione. Aemond Targaryen ha coltivato per tutto il tempo la convinzione che la morte del fratello lo rendesse il legittimo erede al trono, delusioni alimentate dalla sua amante Alys Rivers. L’arrivo di Aegon e del suo drago a Harrenhal costringe Aemond non solo a confrontarsi con la verità delle sue ambizioni, ma anche a capire che i due fratelli sono più forti insieme e hanno un futuro migliore se seppelliscono l’ascia di guerra.

Anche senza Vhagar al suo fianco, l’unica scena con Aegon nel finale della terza stagione sta chiaramente preparando questi due personaggi per la loro prossima storia nella stagione finale. Per Aegon, si tratta di tentare di riconquistare quello che crede sia il suo diritto di nascita e di sconfiggere finalmente Rhaenyra. Dopo essere sembrato aver conquistato la morte, aver assunto uno status mitico in Westeros e aver chiarito ai suoi parenti che è lui il legittimo re, Aegon sarà chiaramente in modalità vendetta.

Per Aemond, invece, si prepara un confronto epico. I lettori del libro conoscono bene la Battaglia sopra l’Occhio degli Dei, un duello a lungo tra Daemon e Aemond. Quello che resta da vedere è come la serie arriverà a questo momento. La fedeltà di Aemond ad Alys giocherà senza dubbio un ruolo nel tenerlo a Harrenhal o nel difenderlo da suo zio. Non è chiaro come si riunirà con Vhagar, anche se questo è chiaramente parte del piano di Aegon.

Uno dei momenti più sorprendenti del finale è il congedo di Mysaria dalla corte di Rhaenyra. Considerando il loro momento piuttosto intimo alla fine dell’episodio 7, si sarebbe pensato che la regina fosse desiderosa di tenerla al suo fianco. Ma il discorso motivazionale che Rhaenyra riceve da Daemon sembra servire da carburante per capire chi vuole davvero accanto a sé nei giorni a venire.

Nonostante le sia stata promessa una cassa d’oro e una scorta fuori da Approdo del Re, Mysaria prende in mano la situazione e abbandona il carro e le ricchezze quando la gente comune inizia ad accalcarsi. Non è chiaro se Rhaenyra contasse sul fatto che travolgessero il suo carro per eliminarla dalla scena, ma la regina non aveva previsto che Mysaria rimanesse in città, soprattutto abbastanza a lungo da assistere personalmente alle sue rivendicazioni di legittimità davanti all’intera città, seguite dall’uccisione dell’Alto Septon.

Le pagine di Fuoco e Sangue rivelano un destino cupo per Mysaria: il materiale originale la fa morire durante la camminata dell’espiazione, qualcosa che i fan di Game of Thrones ricorderanno bene dalla storyline di Cersei Lannister. Non è chiaro se questo verrà mostrato in House of the Dragon, ma il fatto che rimanga potrebbe benissimo essere la preparazione per quel momento nella prossima stagione.

Parliamo ora della battaglia di Tumbleton e di come ha mietuto alcune vittime, incluso il subdolo Lord Ormund Hightower. Alla fine Daemon Targaryen e i neri sono costretti a ritirarsi e lasciare la città. Come risultato di questa ritirata, si creano diversi fili narrativi che la prossima stagione avrà l’opportunità di esplorare.

Il primo è che Lord Corlys, ora prigioniero di Daemon, tornerà ad Approdo del Re, dove quasi certamente dovrà confrontarsi con Rhaenyra insieme ai suoi due figli, Alyn e Addam. Il secondo riguarda come reagirà Daemon alla battaglia appena conclusasi. La serie lo mette davanti alle conseguenze delle sue scelte e ci aspettiamo che possa subire psicologicamente il peso di ciò che ha fatto, forse per la prima volta in vita sua.

Il terzo elemento è che, come sanno bene i lettori del libro, ci sarà assolutamente un ritorno a Tumbleton. La Seconda Battaglia di Tumbleton avviene sotto copertura notturna e, naturalmente, porta i draghi in campo, il che significa che un altro scontro importante in questa location è assolutamente all’orizzonte per la stagione 4 di House of the Dragon.

Come già accennato, Tumbleton non va come Daemon si aspettava, e parte di questo ha tutto a che fare con due dei semi di drago presenti: Hugh Martello e Ulf il Bianco. L’ultimo episodio ha preparato il terreno per un tradimento che i lettori del libro stavano aspettando, con la rivelazione che Ormond Hightower aveva apparentemente convinto Ulf a unirsi ai verdi dopo avergli promesso ciò che Rhaenyra non gli aveva mai concesso: un titolo e delle terre.

Il risultato di questo colpo di scena, insieme al fatto che Hugh Martello abbandona il suo posto ad Approdo del Re per venire a Tumbleton e tentare di salvare sua moglie, preparerà senza dubbio il terreno affinché questi due semi di drago vengano visti come i Due Traditori nella quarta stagione di House of the Dragon, posizionandoli come una terza fazione nel conflitto più ampio tra verdi e neri.

Queste sono solo alcune delle dinamiche che si svilupperanno, o potrebbero svilupparsi, nella quarta e ultima stagione di House of the Dragon. I lettori del libro sanno cosa accadrà, ma lo show ci ha abituati a cambiamenti inaspettati e le cose potrebbero andare diversamente da quanto pronosticato. Non ci resta che aspettare il 2028 e capire come finirà la storia di Rhaenyra e Aegon Targaryen.

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Matalas ne ha parlato durante STLV: Trek to Vegas 2026, tornando su un progetto che i fan chiedono praticamente dal finale di Picard. È però importante chiarire lo stato di Legacy: Paramount non ha mai ordinato ufficialmente la serie e il progetto non è mai entrato realmente in sviluppo. Matalas elaborò e propose l’idea dopo la conclusione di Picard, senza ottenere il via libera dello studio.

Eppure il terreno era già stato preparato.

Il finale della terza stagione di Picard aveva infatti trasformato la USS Titan-A nella USS Enterprise-G, affidandone il comando a Sette di Nove. Raffi Musiker diventava il suo Primo Ufficiale, mentre Jack Crusher, figlio di Jean-Luc Picard e Beverly Crusher, entrava nell’equipaggio come consigliere speciale del capitano.

Legacy avrebbe continuato proprio da lì, seguendo Sette e la nuova generazione dell’Enterprise senza rinunciare ai legami con i personaggi storici di The Next Generation.

Ora scopriamo che uno dei primi grandi problemi dell’equipaggio sarebbe arrivato dallo spazio Klingon.

Secondo Matalas, Star Trek ha storicamente utilizzato i Klingon anche come riflesso delle tensioni geopolitiche con la Russia. Legacy avrebbe ripreso quella tradizione aggiornandola al presente e immaginando un Impero attraversato da elementi instabili e nuove tensioni politiche.

Tra questi elementi ci sarebbe stato proprio Alexander Rozhenko.

Figlio di Worf e K’Ehleyr, Alexander ha sempre avuto un rapporto complicato sia con il padre sia con la propria identità klingon. Cresciuto per buona parte lontano dalla cultura paterna, il personaggio era poi riapparso in Deep Space Nine tentando, non senza difficoltà, di trovare il proprio posto tra i Klingon.

Matalas non ha spiegato esattamente in che modo Alexander avrebbe contribuito alla crisi, limitandosi a descriverlo come uno degli elementi destabilizzanti della situazione. Ed è forse proprio questo il dettaglio più intrigante: dopo decenni trascorsi all’ombra di Worf, il personaggio sarebbe tornato con un ruolo potenzialmente decisivo.

La scelta avrebbe dato anche un significato ulteriore al titolo Legacy. Non soltanto l’eredità dell’Enterprise e di The Next Generation, ma i figli dei protagonisti storici costretti a confrontarsi con ciò che i loro genitori hanno lasciato loro: Jack Crusher da una parte, Alexander dall’altra.

Per Worf, soprattutto, il ritorno del figlio avrebbe potuto riaprire uno dei rapporti più problematici della sua storia.

Naturalmente non sappiamo quanto di questa idea sarebbe sopravvissuto alla vera fase di sviluppo. Una proposta iniziale può cambiare radicalmente prima di diventare una serie, e Matalas non ha rivelato una trama completa della stagione.

Rimane però affascinante immaginare ciò che Star Trek: Legacy avrebbe potuto essere: Sette di Nove al comando dell’Enterprise-G, Jack Crusher all’inizio della propria carriera nella Flotta Stellare e una crisi klingon capace di riportare Alexander nella vita di Worf.

Per ora quella nave resta ferma nello spazio delle possibilità. Ma più Terry Matalas racconta ciò che aveva immaginato, più Star Trek: Legacy assomiglia a una delle grandi occasioni mancate della recente storia televisiva del franchise.

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A riportare l’aggiornamento è l’insider Jeff Sneider, lo stesso che lo scorso febbraio aveva rivelato l’esistenza del film. All’epoca il progetto si trovava ancora nelle primissime fasi di sviluppo: Sony era alla ricerca degli sceneggiatori e Reitman non era stato ufficialmente scelto come regista, anche se avrebbe potuto assumere successivamente la guida del film.

Ora, però, quella particolare incarnazione di Astro Boy non dovrebbe più vedere la luce.

«Mi è stato riferito che il film live-action di Astro Boy di Jason Reitman non andrà avanti alla Sony.»

La decisione arriva a pochi mesi dalle prime indiscrezioni e interrompe un progetto che sembrava particolarmente vicino a Reitman. Sneider lo ha infatti descritto come una sorta di passion project del filmmaker, lasciando comunque aperta la possibilità che in futuro qualcun altro possa tentare nuovamente di riportare il personaggio sul grande schermo.

L’idea di Sony era quella di trasformare Astro Boy in un’avventura per tutta la famiglia, recuperando inevitabilmente la componente da Pinocchio fantascientifico presente nella storia originale.

Creato da Osamu Tezuka nel 1952 e conosciuto in Giappone come Tetsuwan Atom o Mighty Atom, Astro è un bambino robot costruito dallo scienziato Umataro Tenma dopo la morte del figlio. Incapace però di sostituire davvero il bambino perduto, Tenma finisce per rifiutare la propria creazione, dando inizio a una storia che dietro l’immaginario avventuroso affronta identità, discriminazione, rapporto tra esseri umani e macchine e significato stesso dell’umanità.

Il manga di Tezuka è diventato uno dei titoli fondamentali nella storia del fumetto e dell’animazione giapponese, generando nel corso dei decenni numerose serie animate e adattamenti.

Hollywood aveva già provato a portarlo al cinema nel 2009 con Astro Boy, lungometraggio d’animazione prodotto da Imagi Animation Studios. Nonostante un cast vocale che comprendeva Freddie Highmore, Nicolas Cage, Charlize Theron e Donald Sutherland, il film non riuscì a trasformarsi nel successo necessario per dare origine a un nuovo franchise.

Quello di Reitman e Kenan non era neppure il primo tentativo successivo di realizzarne una versione dal vero: un altro progetto live-action era stato annunciato già nel 2015, senza riuscire ad arrivare sul set.

La nuova versione sembrava poter beneficiare soprattutto dell’esperienza maturata dai due filmmaker con Ghostbusters. Reitman ha diretto Ghostbusters: Legacy, scritto insieme a Kenan, mentre quest’ultimo ha successivamente diretto Ghostbusters: Minaccia glaciale. I due hanno inoltre un accordo produttivo con Sony Pictures.

La cancellazione non significa necessariamente che Astro Boy sia destinato a rimanere lontano dagli schermi. Il personaggio conserva un’importanza enorme nella cultura popolare giapponese e altri progetti legati alla proprietà continuano a essere sviluppati.

Per il momento, però, una cosa sembra certa: il live-action sviluppato da Jason Reitman e Gil Kenan per Sony si ferma qui. E considerando quanti tentativi siano già naufragati nel corso degli anni, il piccolo robot di Tezuka continua curiosamente ad avere molti meno problemi a volare nei suoi fumetti che a decollare davvero a Hollywood.

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Quando 65 – Fuga dalla Terra è arrivato nelle sale cinematografiche ha avuto un’accoglienza tiepida, per usare un eufemismo. I critici non sono stati particolarmente generosi, assegnandogli un magro 35% su Rotten Tomatoes. Al botteghino ha racimolato circa 60 milioni di dollari a livello mondiale a fronte di un budget di 45 milioni, il che nella matematica hollywoodiana significa sostanzialmente un flop. Eppure, guardando cosa offre realmente questo film, viene da chiedersi se non sia stato giudicato con aspettative sbagliate.

La trama ribalta in modo intelligente il classico canovaccio della missione spaziale finita male. Adam Driver interpreta Mills, un pilota che intraprende una spedizione di esplorazione cosmica per raccogliere i fondi necessari a curare la figlia malata. Guida la Zoic, un’astronave che trasporta 35 passeggeri, quando una pioggia di asteroidi la colpisce in pieno, causandone lo schianto su un pianeta alieno. Mills si ritrova bloccato su questo mondo ostile senza apparenti possibilità di fuga. Il colpo di scena? Quel pianeta alieno è la Terra, 65 milioni di anni fa.

È un ribaltamento narrativo elegante. Invece del solito equipaggio umano che si addentra nell’ignoto cosmico, qui è un visitatore del futuro a trovarsi spaesato nel nostro stesso pianeta, quando era ancora il regno indiscusso dei dinosauri. Mills scopre presto di non essere l’unico sopravvissuto: c’è Koa, interpretata da Ariana Greenblatt, una giovane passeggera che diventa rapidamente una sorta di figlia surrogata per il protagonista. Questa dinamica padre-figlia, con Koa che rispecchia la bambina che Mills ha lasciato sul suo pianeta d’origine, diventa il motore emotivo del film.

Mills deve attraversare un territorio ostile, popolato da creature che considerano lui e Koa come prede. Per raggiungere l’unica navicella di salvataggio disponibile e lasciare il pianeta prima che un evento catastrofico lo spazzi via – sì, proprio quell’evento catastrofico – deve affrontare tirannosauri, pterodattili e altre minacce preistoriche. Il risultato è un susseguirsi di sequenze action ben coreografate, dove Driver dimostra ancora una volta la sua presenza scenica anche quando il copione non gli chiede grandi acrobazie recitative.

Ma il vero problema di 65 – Fuga dalla Terra è stato il contesto della sua uscita. È essenzialmente un film da streaming che ha ricevuto una distribuzione cinematografica importante. La sua premessa high-concept ma narrativamente lineare si presta perfettamente a una visione casalinga, dove le aspettative sono calibrate diversamente rispetto alla sala.

Su Prime Video, dove ora risiede, può finalmente trovare il suo pubblico naturale: quegli spettatori che cercano novanta minuti di intrattenimento diretto, senza fronzoli, con un attore carismatico e creature preistoriche ben realizzate. Se quello che vuoi è vedere Adam Driver che brandisce armi futuristiche contro creature che hanno dominato il pianeta milioni di anni prima della comparsa dell’uomo, allora questo piccolo film dimenticato potrebbe essere esattamente ciò di cui hai bisogno.

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Il film prosegue idealmente Run Hide Fight, thriller del 2020 ambientato durante un attacco armato in una scuola. Questa volta Rankin conserva la struttura dell’assedio, ma sposta l’azione in un campus universitario americano e immerge la storia nelle tensioni politiche contemporanee.

La sinossi ufficiale non utilizza mezzi termini: un gruppo di terroristi islamisti radicali prende il controllo dell’accampamento pro-Palestina di un college liberal, imponendo la Sharia e minacciando gli studenti. A contrastarli saranno alcuni ragazzi, una guardia di sicurezza e soprattutto un veterano della Delta Force interpretato da Jonathan Majors.

Il trailer chiarisce immediatamente il registro scelto da Rankin: sparatorie, esplosioni e combattimenti trasformano il campus in una vera zona di guerra, recuperando l’immaginario dell’action americano più muscolare e contaminandolo con temi destinati inevitabilmente a dividere il pubblico.

Perché Run Hide Fight: Infidels non sembra affatto intenzionato a separare lo spettacolo dalla politica. Il materiale promozionale diffuso nei mesi scorsi ha utilizzato persino immagini reali dell’11 settembre e riferimenti alle proteste universitarie legate alla guerra a Gaza, sovrapponendole allo scenario immaginario raccontato dal film.

Anche il produttore Dallas Sonnier ha esplicitato le intenzioni del progetto, sostenendo che il movimento pro-Palestina rappresenti un nuovo fenomeno da prendere di mira attraverso il cinema. La provocazione, insomma, non sembra un effetto collaterale del film, ma una parte precisa della sua strategia.

C’è poi un altro elemento destinato ad attirare l’attenzione. Run Hide Fight: Infidels rappresenta un nuovo tassello nel ritorno cinematografico di Jonathan Majors dopo il brusco arresto della sua carriera seguito alla condanna del 2023 per aggressione e molestie nei confronti dell’ex compagna Grace Jabbari.

Solo pochi anni fa Majors sembrava destinato a diventare uno dei volti centrali del Marvel Cinematic Universe grazie a Kang. Dopo la condanna, Marvel Studios interruppe però i rapporti con l’attore, cancellando di fatto il futuro che era stato costruito attorno al personaggio.

Ritrovarlo oggi protagonista di una produzione The Daily Wire da circa 5 milioni di dollari segna quindi un cambiamento radicale rispetto alla traiettoria hollywoodiana che sembrava attenderlo. Majors figura inoltre tra gli executive producer del film.

La produzione aveva già fatto parlare durante le riprese, quando Majors e JC Kilcoyne caddero attraverso una finestra durante una scena. L’incidente finì successivamente al centro di una controversia più ampia sulle condizioni di sicurezza del set e di una vertenza sindacale, con ricostruzioni contrastanti tra produzione e troupe.

Nel cast troviamo inoltre David Lucas, JC Kilcoyne, Tyler Aser, James Bingham, Savanna Leigh James, Jason Gray-Stanford, Sharon Johal e Siaka Massaquoi.

Run Hide Fight: Infidels debutterà il 16 settembre su DailyWire+.

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Il punto, secondo l’attore e produttore premio Oscar, non sarebbe sostituire interpreti o creativi, ma ridurre alcuni dei costi che rendono sempre più difficile finanziare film ambiziosi lontani dalle dimensioni dei grandi blockbuster.

Intervistato da Esquire, Pitt ha parlato apertamente delle resistenze che accompagnano l’ingresso dell’intelligenza artificiale nell’industria cinematografica, indicando però una possibile applicazione che considera particolarmente interessante.

«C’è molta opposizione all’IA, ma sarà proprio l’IA, se utilizzata come strumento, ad aiutare questi film a medio budget, quelli tra i 40 e i 90 milioni di dollari, a essere realizzati.»

L’attore ha definito la progressiva introduzione di queste tecnologie nel filmmaking «un esperimento molto interessante». La sua attenzione sembra rivolgersi soprattutto agli strumenti capaci di rendere meno costosi processi particolarmente onerosi, come quelli legati agli effetti visivi.

La distinzione è fondamentale perché Pitt non sostiene indiscriminatamente qualsiasi applicazione dell’IA al cinema. Al contrario, si è dichiarato apertamente contrario alla prospettiva di sostituire gli interpreti con attori generati artificialmente. Il suo ragionamento riguarda quindi l’IA intesa come supporto alla produzione, non come alternativa alle persone che realizzano un film.

Non è casuale che Pitt abbia individuato precisamente la fascia compresa tra 40 e 90 milioni di dollari. Sono produzioni abbastanza costose da richiedere un investimento importante, ma che spesso non possono contare sulla sicurezza commerciale garantita da franchise, sequel e grandi proprietà intellettuali.

Ed è un problema che Pitt conosce anche dall’altra parte della macchina cinematografica. Attraverso Plan B Entertainment, la società di produzione da lui co-fondata, ha contribuito negli anni a portare sullo schermo progetti e registi difficilmente riconducibili alla formula del blockbuster tradizionale.

Tra i film prodotti dalla società figurano 12 anni schiavo di Steve McQueen, Moonlight di Barry Jenkins, The Big Short di Adam McKay e The Lost City of Z di James Gray. Plan B ha inoltre lavorato con autori come Andrew Dominik e Terrence Malick.

Quando Pitt parla della difficoltà di realizzare questo tipo di cinema, quindi, non lo fa soltanto dalla prospettiva di una star, ma anche da quella di un produttore che da anni cerca di finanziare progetti guidati dagli autori.

Pitt non è inoltre l’unico nome importante di Hollywood a guardare con interesse alle possibilità offerte da queste tecnologie. Registi come Steven Soderbergh, Robert Rodriguez, Paul Schrader, Alex Proyas e Mathieu Kassovitz hanno esplorato o discusso differenti possibili applicazioni dell’intelligenza artificiale.

Anche Michael Mann starebbe valutando strumenti legati all’IA nel tentativo di contenere gli elevati costi produttivi di Heat 2, progetto particolarmente complesso proprio per le sue dimensioni e ambizioni.

È probabilmente questo il punto più interessante delle dichiarazioni di Pitt. L’IA non necessariamente come mezzo per sostituire il cinema tradizionale, ma come possibile strumento per rendere economicamente realizzabili film che altrimenti rischierebbero di non ottenere il via libera.

Naturalmente resta aperta la questione decisiva: dove finisca l’utilizzo dell’intelligenza artificiale come semplice strumento e dove inizi invece la sostituzione del lavoro umano. Pitt, almeno per il momento, sembra avere una posizione precisa: usarla per permettere a più film di esistere, non per eliminare le persone che li realizzano.

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La storia segue Jack Morton, uno studente universitario della prestigiosa Belgrave University, la cui vita viene stravolta quando diventa un licantropo e si unisce ai Cavalieri di San Cristoforo, un gruppo segreto di lupi mannari. Ma l’universo narrativo di The Order non si ferma qui: Jack e i suoi compagni si trovano presto coinvolti in un conflitto con l’Ordine Ermetico della Rosa Blu, una società segreta di streghe che opera nell’ombra del campus universitario.

Ciò che rende The Order particolarmente interessante è il suo equilibrio tra generi. A differenza di molte produzioni fantasy che tendono verso il young adult o il dramma romantico, questa serie abbraccia tonalità più oscure. Il sistema magico è elaborato e coerente, mentre la presenza di licantropi, golem, streghe e altre creature soprannaturali costruisce un world-building denso e stratificato. Non siamo di fronte al solito fantasy televisivo: The Order non ha paura di sporcarsi le mani.

Le scene più brutali, che includono omicidi efferati di studenti, l’uso di magie proibite e scontri feroci tra licantropi, conferiscono alla serie un’atmosfera cupa e adulta. Non si tratta di horror puro nel senso classico del termine, ma alcuni momenti, soprattutto quelli che coinvolgono la magia oscura e le trasformazioni, hanno un impatto visivo e narrativo che può mettere a disagio anche gli spettatori più navigati. È questo mix tra fantasy elaborato e horror psicologico che distingue The Order da produzioni più mainstream come The Witcher o Arcane.

Eppure, nonostante le recensioni entusiastiche di critica e pubblico, Netflix ha deciso di cancellare The Order dopo appena due stagioni. La piattaforma non ha mai fornito una spiegazione ufficiale, ma secondo quanto riportato da Digital Spy, la decisione sarebbe legata ai costi di produzione e agli ascolti non sufficientemente elevati. Il timing non ha aiutato: la serie è stata travolta dalle conseguenze della pandemia di COVID-19, periodo in cui Netflix ha dovuto fare scelte drastiche, privilegiando solo le produzioni con numeri di visualizzazione stellari.

Ma chi dovrebbe recuperare The Order oggi? Se hai amato The Vampire Diaries per il suo mix di soprannaturale, dramma adolescenziale e relazioni complesse, questa serie potrebbe conquistarti. Lo stesso vale per chi ha apprezzato Le Terrificanti avventure di Sabrina, con il suo tono dark e la sua esplorazione della magia come forza ambigua. The Order condivide con queste produzioni un DNA comune: personaggi giovani che scoprono poteri straordinari mentre affrontano conflitti che sono tanto interiori quanto esterni.

C’è anche una componente di humor che emerge nei momenti giusti, mai fuori luogo, che alleggerisce l’atmosfera senza snaturare il tono generale della serie. I dialoghi sono taglienti, i personaggi hanno profondità e le dinamiche di gruppo tra i Cavalieri di San Cristoforo funzionano perfettamente, creando un senso di cameratismo che rende lo spettatore emotivamente investito nelle loro sorti.

Oggi, a distanza di anni dalla cancellazione, The Order rimane disponibile su Netflix come una capsula del tempo, un esempio di come talento creativo, ottima esecuzione e consenso critico non siano sempre sufficienti nell’economia dello streaming moderno. Per chi cerca qualcosa di diverso dal solito fantasy televisivo, qualcosa che non abbia paura di esplorare zone d’ombra e che offra un’esperienza narrativa completa in due stagioni, questa serie rappresenta una scoperta preziosa.

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Disponibile sulla piattaforma dal 7 agosto, il film vede protagonisti Greta Lee e Wagner Moura nei panni di Ann e Jason Delgado, genitori di due bambini che si ritrovano improvvisamente prigionieri della loro abitazione quando una misteriosa entità sigilla ogni via d’uscita proprio mentre una tempesta apocalittica si abbatte sul mondo. La narrazione si sviluppa attraverso un arco temporale che copre diversi anni, trasformando quello che poteva essere un semplice survival thriller in un dramma psicologico familiare dove la vera sfida diventa mantenere intatti i legami affettivi mentre le risorse si esauriscono e la speranza vacilla.

La sceneggiatura di Matthew Robinson costruisce il suo arsenale di tensione attingendo a piene mani dall’esperienza collettiva del lockdown pandemico, ma amplificando quell’isolamento forzato fino a dimensioni distopiche. Se durante il Covid le restrizioni sono durate settimane o mesi, qui la prigionia domestica si protrae per un lustro intero, costringendo i Delgado a sviluppare strategie di sopravvivenza sempre più disperate: Jason riconverte le sue competenze da ingegnere disoccupato per “pescare” scoiattoli attraverso una crepa nel camino, Ann avvia un orto indoor sollevando le assi del pavimento per accedere al terreno sottostante, i bambini crescono senza mai vedere il mondo esterno.

Per buona parte del minutaggio, Leterrier tiene volutamente vaga la natura della minaccia che tiene in ostaggio l’umanità. Questa scelta narrativa, che potrebbe frustrare gli spettatori in cerca di adrenalina immediata, trova invece il suo punto di forza nelle performance degli attori. Greta Lee e Wagner Moura riescono a mantenere vivo l’interesse attraverso interpretazioni solide che restituiscono tutta la complessità emotiva di genitori che devono nascondere le proprie paure ai figli mentre cercano disperatamente di capire contro cosa stanno combattendo.

La rivelazione arriva circa un’ora dopo l’inizio, quando le creature responsabili della prigionia si mostrano finalmente. Qui il film compie una virata più marcata verso il genere horror sci-fi, con entità tentacolate che attingono a un immaginario che spazia da H.P. Lovecraft ai kaiju, passando per echi del mostro fluviale di The Host.

Il salto temporale di cinque anni mostra Graham e Ruth ormai adolescenti: il primo sempre più cupo e impaziente, la seconda rifugiata in un mondo fantastico fatto di letture su sirene, Kraken e Leviatani, sviluppando teorie sulle creature degli abissi oceanici mai scoperte dall’uomo. È proprio quando le creature si palesano completamente che, secondo diversi critici, il film perde parte della sua efficacia. Il design degli antagonisti non riesce a raggiungere l’impatto visivo di opere come A Quiet Place, e l’abbondanza di jump scare prevedibili – cadaveri che galleggiano in superficie, corpi infestati da parassiti – finisce per impoverire la tensione così pazientemente costruita nella prima metà.

Con un rating PG-13 e una durata di 112 minuti, il film di Leterrier rappresenta un esperimento interessante nel panorama del genere, un tentativo di ibridare il survival thriller con la riflessione sulla famiglia come organismo che resiste alle pressioni esterne. Nel cast figurano anche Riley Chung e Noah Alexander Sosnowski nei panni dei figli più giovani, Emma Ho e Gabriel Barbosa come le versioni adolescenti, oltre a Arden Cho, Sid Edwards, Lewis Goody e Audrey Anderson.

Se durante la pandemia ci siamo chiesti come avremmo reagito a un isolamento prolungato, The Last House propone una versione estrema di quell’esperimento sociale, dove il nemico non è un virus invisibile ma creature altrettanto incomprensibili che vengono dagli abissi. Un film che dialoga con le nostre ansie contemporanee – climatiche, sociali, esistenziali – vestendole con i panni logori ma sempre efficaci del genere fantascientifico.

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Raccontare la trama di Dragon Wars è un’impresa titanica, forse più ardua dello stesso film. Non perché sia complessa o stratificata, ma perché semplicemente non segue alcuna logica narrativa riconoscibile. Il protagonista Ethan, interpretato da Jason Behr, è un reporter che trova una scaglia di drago gigante sulla scena di un incidente.

Questo innesca una serie di flashback annidati l’uno dentro l’altro come matrioske narrative: ricordi di quando era bambino, quando un uomo di nome Jack gli rivelò di essere la reincarnazione di un guerriero antico, e poi ancora più indietro, in una vita precedente dove amava una ragazza con un misterioso tatuaggio che i draghi desideravano.

Nel presente, una ragazza di nome Sarah guarda il telegiornale condotto da Ethan e tappezza inspiegabilmente la sua casa con simboli coreani. I draghi compaiono allo zoo divorando elefanti. Un personaggio vestito come Shredder delle Tartarughe Ninja perseguita Sarah nei suoi sogni. Lei finisce in ospedale per ragioni mai chiarite. Ethan la salva proprio mentre un drago attacca la struttura sanitaria. Fuggono, si baciano sulla spiaggia, si fermano per un caffè che viene interrotto da un altro attacco draconiano.

Ed è qui che il film abbandona definitivamente ogni parvenza di coerenza. L’esercito americano si mobilita con tre elicotteri contro un drago gigante che ha devastato Los Angeles. Poi, dal nulla, un intero esercito di guerrieri coreani feudali equipaggiati con tecnologia futuristica marcia per le strade della metropoli californiana ingaggiando battaglia contro i militari moderni. È una scena talmente surreale che sfida ogni tentativo di razionalizzazione.

Tra gli aspetti più divertenti del film c’è il fatto che nemmeno i personaggi sembrano capire cosa stia succedendo. Durante la lunga e confusa spiegazione di Jack sugli eventi mitologici che coinvolgono i protagonisti, non uno ma ben due personaggi diversi interrompono chiedendo: “Di cosa stai parlando?” È una domanda che probabilmente tutto il pubblico si pone continuamente, un momento di meta-cinema involontario che rende il tutto ancora più esilarante.

Eppure, e qui sta il vero colpo di genio involontario, tutto questo caos rende Dragon Wars un’esperienza incredibilmente divertente se affrontata con il giusto spirito. Il film appartiene a quella categoria rarissima di opere così tremendamente sbagliate da risultare irresistibili, come certi lavori di Uwe Boll o altre perle del cinema trash. Il piacere non deriva dalla qualità della narrazione o dalla profondità dei personaggi, ma dal puro spettacolo dell’assurdo che si dispiega sullo schermo.

Per gli amanti del cinema di serie B, per chi apprezza il fascino del trash elevato a forma d’arte involontaria, Dragon Wars rappresenta un must. Non è un film da prendere sul serio, come evidentemente fece il produttore al Comic-Con. È un’esperienza da vivere con autoironia, possibilmente in compagnia di amici altrettanto appassionati di assurdità cinematografiche. Perché a volte, il peggior cinema può offrire il miglior intrattenimento.

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Questo è l’incubo che alimenta Manifest, la serie che dal 2018 al 2023 ha tenuto milioni di spettatori incollati allo schermo, prima su NBC e poi su Netflix, diventando uno dei fenomeni streaming più discussi degli ultimi anni. Il volo 828 scompare dai radar, viene dato per disperso, e poi riappare come se nulla fosse. I passeggeri scendono dall’aereo convinti di aver vissuto un normale volo turbolento, ma la realtà che li accoglie è stravolta.

I figli sono cresciuti senza di loro, i partner si sono rifatti una vita, il mondo è cambiato.E qui inizia il vero viaggio, quello che trasforma Manifest da semplice mystery box in un’esperienza televisiva stratificata, capace di mescolare thriller psicologico, fantascienza e dramma familiare con una perizia rara.

Al centro della storia troviamo Ben Stone, interpretato da Josh Dallas, volto noto ai fan di Once Upon a Time dove vestiva i panni del Principe Azzurro. Qui Dallas porta in scena un uomo comune travolto da eventi che sfidano ogni logica, un padre che si ritrova a dover riconquistare la fiducia di una famiglia che ha dovuto imparare a vivere senza di lui. Ma Ben è solo uno dei tasselli di un mosaico narrativo molto più ampio, che include sua sorella Michaela, suo figlio Cal, e un’intera comunità di passeggeri che condividono lo stesso trauma e, ben presto, qualcosa di ancora più inquietante.

Perché Manifest non si accontenta di esplorare le conseguenze emotive e sociali di una sparizione temporale. La serie introduce un elemento soprannaturale che cambia tutto: i passeggeri iniziano a ricevere delle “chiamate”, visioni e voci che sembrano guidarli verso eventi specifici, spesso drammatici. Sono premonizioni? Messaggi da un’entità superiore? O semplicemente i sintomi di una mente che cerca di dare senso all’inspiegabile? La serie costruisce la tensione strato dopo strato, alimentando teorie e speculazioni episodio dopo episodio.

Il paragone con Lost è inevitabile, e gli autori di Manifest lo sapevano. Entrambe le serie condividono l’ossatura del mystery box, quella struttura narrativa che pone domande brucianti e dosifica le risposte con calcolata lentezza. Ma dove Lost spesso si perdeva nei suoi meandri mitologici, Manifest mantiene un focus più chiaro: sono i personaggi il vero cuore pulsante della storia. Le vicissitudini soprannaturali sono il motore della trama, certo, ma ciò che tiene davvero lo spettatore investito è il desiderio di vedere queste persone trovare risposte, pace, redenzione.

Disponibile integralmente su Netflix, Manifest rappresenta oggi un viaggio completo, dall’enigmatico inizio alla conclusione definitiva. Per chi non l’ha ancora scoperta, è l’occasione perfetta per immergersi in una delle serie mystery più avvincenti degli ultimi anni. Per chi l’ha seguita fin dall’inizio, resta la soddisfazione di aver fatto parte di una community che ha letteralmente cambiato il destino di uno show, dimostrando che a volte, solo a volte, lo streaming può davvero ascoltare.

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Creata da Chris Sheridan (uno che ha fatto gavetta sui Griffin) adattando l’omonimo fumetto della Dark Horse Comics firmato da Peter Hogan e Steve Parkhouse, la serie rappresenta qualcosa di raro nel panorama televisivo contemporaneo: un ibrido perfettamente riuscito tra fantascienza classica, commedia sopra le righe e mystery procedurale. Un mix che sulla carta potrebbe sembrare indigesto, ma che invece funziona proprio grazie alla sua capacità di tenere insieme elementi apparentemente inconciliabili.

Il protagonista è il Capitano Hah Re, alieno di intelligenza superiore che dopo un incidente con la sua astronave si trova bloccato sul nostro pianeta. Per sopravvivere e recuperare i frammenti del veicolo necessari a completare la missione, assume l’identità del dottor Harry Vanderspeigle. La scelta del luogo non è casuale: Patience, Colorado, è uno di quei tipici paesini dell’entroterra americano dove tutti si conoscono, ogni forestiero viene guardato con sospetto e le dinamiche sociali ricordano quelle di Everwood o Un medico tra gli orsi.

A interpretare questo personaggio diviso tra due mondi c’è Alan Tudyk, volto amatissimo dai fan della fantascienza per il ruolo di Hoban Washburne in Firefly e come voce di K-2SO in Rogue One: A Star Wars Story. Ed è proprio la presenza di Tudyk uno degli elementi trainanti della serie: la sua bravura nel mostrare diversi livelli di interpretazione, passando dall’alieno completamente spaesato all’essere che inizia lentamente a comprendere e persino apprezzare l’umanità, è il cuore pulsante di Resident Alien.

La serie funziona per una stratificazione di livelli narrativi. Da un lato c’è l’indagine, un vero e proprio whodunit che si dipana episodio dopo episodio. Dall’altro la commedia di situazione generata da un alieno che deve fingere di essere umano in un contesto dove tutti si conoscono fin troppo bene. E poi c’è la riflessione caustica e sarcastica su tutte le contraddizioni della nostra specie, vista attraverso gli occhi di un’intelligenza superiore.

La serie non lesina sugli effetti speciali, degni di una produzione cinematografica. La trasformazione di Harry dalla sua vera forma aliena all’aspetto umano è un esplicito omaggio a Un lupo mannaro americano a Londra, con quella stessa attenzione artigianale al dettaglio che ha fatto la storia del genere. Ma Resident Alien è infarcita di citazioni e riferimenti per appassionati: dai Visitors degli anni Ottanta a Incontri ravvicinati del terzo tipo, passando per omaggi a Frankenstein e persino una puntata che inizia come Cin Cin, sigla compresa.

Dal fumetto di Dark Horse Comics alla televisione, il viaggio di questo alieno residente continua a conquistare. E se vi state chiedendo cosa ci faccia un extraterrestre che impara l’inglese da Law & Order in un lago del Colorado mentre cerca di eliminare un bambino che può vederlo per quello che è davvero, beh, forse è il momento di premere play.

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L’annuncio è arrivato attraverso la lettera agli azionisti dedicata ai progetti previsti oltre il 2027, dove il film compare accanto ai futuri capitoli di Matrix e Batman.

Per il momento lo studio non ha diffuso dettagli sulla trama né sul regista, ma ha confermato un elemento fondamentale: Jim Carrey guiderà il cast del progetto.

Resta invece ancora sconosciuto il personaggio che interpreterà. L’ipotesi più naturale porta a George Jetson, il padre della celebre famiglia futuristica, ma Warner Bros. non ha ancora ufficializzato questa informazione.

Debuttata nel 1962, la serie animata di Hanna-Barbera immaginava la tipica famiglia americana… un secolo nel futuro.

George, Jane, Judy, Elroy, il cane Astro e la governante robot Rosie vivevano tra città sospese nel cielo, automobili volanti, nastri trasportatori, videotelefoni e gadget tecnologici pensati per semplificare la vita quotidiana, salvo poi complicarla in modi spesso esilaranti.

Molte delle invenzioni immaginate oltre sessant’anni fa – dalle videochiamate agli assistenti intelligenti fino ai robot domestici – oggi fanno ormai parte della nostra quotidianità.

Ed è proprio questo uno degli aspetti più interessanti del progetto.

Quando The Jetsons debuttò in televisione, gli anni Sessanta immaginavano il 2062 come un futuro lontanissimo. Oggi, invece, quel periodo è ormai relativamente vicino e molte delle intuizioni della serie sono diventate realtà.

Il film dovrà quindi decidere se mantenere l’estetica retrofuturistica che ha reso celebre il cartone oppure spostare la famiglia Jetson ancora più avanti nel tempo, immaginando un futuro completamente nuovo.

L’annuncio rappresenta anche un ritorno importante per Jim Carrey, che negli ultimi anni ha alternato apparizioni cinematografiche selezionate, ottenendo un grande successo con la saga di Sonic.

La sua comicità fisica e il talento nel dare vita a personaggi sopra le righe sembrano adattarsi perfettamente al mondo colorato e surreale de I Pronipoti, popolato da robot, macchine volanti e tecnologie imprevedibili.

Warner Bros. non ha ancora annunciato una data d’uscita, limitandosi a confermare che il film farà parte della propria line-up prevista dopo il 2027.

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Il segreto non sta nel semplificare, ma nel costruire mondi così coerenti e coinvolgenti che lo spettatore è disposto a seguire il filo anche quando si annoda su se stesso. Dalla clonazione umana ai loop temporali infiniti, dalle intelligenze artificiali coscienti alle civiltà aliene interconnesse.

Dark rappresenta probabilmente l’apice della costruzione narrativa intricata nella televisione contemporanea. La serie tedesca gioca con realtà alternative, loop temporali senza fine e personaggi che infrangono ogni regola del viaggio nel tempo che gli appassionati di fantascienza conoscono. I protagonisti creano paradossi e loop causali in cui un evento influenza un altro per l’eternità, occasionalmente diventando i propri antenati, mentre la narrazione procede con la sicurezza di uno show che sa esattamente dove sta andando e come finirà.

Le tre stagioni di Dark hanno ottenuto valutazioni eccezionali sia dalla critica che dal pubblico, con picchi del 100% su Rotten Tomatoes per la seconda stagione. Il merito principale della serie è aver lasciato virtualmente zero buchi di trama, un’impresa quasi impossibile considerando la complessità delle strutture temporali esplorate.

Lo show richiede praticamente una seconda visione per apprezzare appieno il worldbuilding magistrale e i concetti scientifici che affronta, ma non ha episodi deboli nelle sue tre stagioni, concludendo perfettamente la storia iniziata nel pilot. Dark crea un loop perfetto che riflette gli eventi e il tema profondo della storia che racconta, in cui il destino è ineluttabile e condannato a ripetersi. È una serie che tratta il tempo non come una linea ma come un cerchio, dove causa ed effetto si fondono in una danza infinita.

E come Dark, dovete assolutamente conoscere quel piccolo capolavoro che è Fringe. La serie è stata spesso vista come un’altra versione di X-Files e inizialmente la configurazione sembra simile: un gruppo di investigatori che ricerca fenomeni inspiegabili. Ma le due serie divergono drasticamente.

Mentre X-Files cresce in complessità mantenendo largamente il formato del mostro della settimana, Fringe incorpora rapidamente una minaccia mortale con versioni alternative dei personaggi principali, universi paralleli e una fazione misteriosa che esiste al di fuori del tempo normale. Ma Fringe ricorda tanto anche la complessità narrativa di Dark. Una storia dove la realtà è influenzata dal modo con cui gli universi si frappongono gli uni altri altri e come il tempo viene modificato costantemente.

In Fringe, persino la realtà stessa è in gioco, e gli episodi iniziali che sembravano storie autoconclusivi diventano parte della mitologia più ampia della serie. Lo show era irriconoscibile nella sua stagione finale rispetto agli esordi, ma questo riflette l’ambizione e la scala della serie, che ha ottenuto un 91% su Rotten Tomatoes e un finale definitivo, anche se straziante.

Queste due serie interconnesse dimostrano che la profondità narrativa non è sinonimo di inaccessibilità. Quando il worldbuilding è solido e la narrazione abbastanza sicura da guidare lo spettatore attraverso paradossi temporali, identità multiple e universi paralleli, anche le storie più complesse diventano non solo comprensibili, ma irresistibili. Il genere fantascientifico continua a esplorare territori narrativi dove nessuno è mai andato prima, costruendo mitologie che possono durare decenni e dimostrando che c’è sempre altro da scoprire.

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La nuova edizione, intitolata ufficialmente The X-Files: I Want to Believe – Vrach Frankenshteyn, promette di riportare il film verso il thriller horror che il creatore della serie aveva inizialmente immaginato, recuperando materiale eliminato o modificato per consentire alla distribuzione cinematografica del 2008 di ottenere il visto censura PG-13.

A spiegare cosa accadde durante la post-produzione è stato lo stesso Carter, intervenuto nel podcast di David Duchovny.

«Avevo reso il film troppo spaventoso, e i dirigenti della Fox me lo dissero chiaramente. Volevano un film PG-13.»

La Director’s Cut dovrebbe quindi restituire al progetto parte della durezza sacrificata all’epoca, trasformando X-Files – Voglio Crederci in un thriller classificato R e più vicino alla visione originaria del suo autore.

Il nuovo trailer insiste proprio su questa componente, mostrando atmosfere più sinistre, immagini disturbanti e una minaccia umana descritta come ancora più oscura di quella suggerita dalla versione cinematografica.

La storia ritrova Fox Mulder e Dana Scully anni dopo il loro allontanamento dall’FBI.

Mulder vive isolato, ancora ossessionato dai fenomeni inspiegabili che hanno segnato la sua carriera, mentre Scully ha ripreso a lavorare come medico. I due vengono però richiamati quando un’agente federale scompare senza lasciare traccia.

L’unica pista conduce a padre Joseph Crissman, un sacerdote caduto in disgrazia interpretato da Billy Connolly, il quale sostiene di ricevere terrificanti visioni psichiche legate al crimine.

Attraversando paesaggi innevati e luoghi sempre più desolati, Mulder e Scully devono confrontarsi non soltanto con un’indagine particolarmente macabra, ma anche con le ferite e le scelte che li hanno separati dal passato.

La descrizione ufficiale presenta la Director’s Cut come la versione che Carter avrebbe sempre voluto mostrare al pubblico: un thriller più oscuro e spaventoso, costruito attorno a una sorta di Dottor Frankenstein del mondo reale.

Anche il nuovo sottotitolo, Vrach Frankenshteyn, richiama direttamente questa idea. L’espressione può essere tradotta dal russo come “Dottor Frankenstein” e rimanda agli esperimenti medici e alle implicazioni più raccapriccianti dell’indagine.

Il recupero del materiale inedito potrebbe quindi modificare sensibilmente il tono del film, rendendo più espliciti gli elementi horror e la natura delle operazioni clandestine attorno alle quali ruota il mistero.

Non si tratterebbe soltanto di aggiungere alcune scene, ma di restituire all’intera vicenda una tensione e una brutalità attenuate nella versione arrivata al cinema.

Uscito nel 2008, X-Files – Voglio Crederci rappresentò il secondo lungometraggio della saga dopo X-Files – Il film del 1998.

A differenza del capitolo precedente, strettamente collegato alla mitologia aliena della serie, il film diretto da Carter scelse di raccontare un caso autonomo, più vicino agli episodi procedurali e ai cosiddetti “mostri della settimana”.

Questa decisione divise il pubblico. Una parte dei fan apprezzò il ritorno a un’indagine più intima e indipendente dalla grande cospirazione, mentre altri considerarono la storia troppo contenuta per segnare il ritorno cinematografico di Mulder e Scully.

La nuova Director’s Cut potrebbe ora offrire una prospettiva differente, mostrando quanto l’intervento dello studio abbia influenzato l’atmosfera e l’impatto della versione distribuita nelle sale.

Accanto a David Duchovny e Gillian Anderson tornano Billy Connolly, Amanda Peet, Alvin “Xzibit” Joiner, Mitch Pileggi, Adam Godley e Fagin Woodcock.

La Director’s Cut di X-Files – Voglio Crederci arriverà su Disney+ e Hulu il 14 agosto. Nella stessa giornata sarà resa disponibile anche la versione cinematografica del 2008, permettendo agli spettatori di confrontare direttamente i due montaggi.

Resta da capire quanto materiale sia stato reintegrato e in che modo la nuova edizione cambierà il giudizio sul film. La promessa, tuttavia, è significativa: dopo quasi vent’anni, il pubblico potrà finalmente vedere X-Files – Voglio Crederci nella forma più vicina al thriller oscuro e disturbante originariamente concepito da Chris Carter.

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La storia che Edwards racconta insieme al co-sceneggiatore Chris Weitz è evocativa. In un futuro non troppo lontano, una misteriosa intelligenza artificiale ha fatto detonare un ordigno nucleare in territorio statunitense. La ritorsione umana è stata feroce nei confronti dei robot, creature senzienti nate dall’AI, vengono braccati senza pietà. Ma nel cuore di questa guerra tecnologica si nasconde un segreto: un’intelligenza artificiale racchiusa nel corpo di una bambina, un’arma che potrebbe cambiare gli equilibri del conflitto.

Joshua, interpretato da John David Washington, viene incaricato di catturare e neutralizzare questa minaccia. Ma il contatto con l’AI-bambina scatena in lui un conflitto morale che trasforma la missione in qualcosa di profondamente diverso. Edwards costruisce sostanzialmente una rivisitazione futuristica della guerra del Vietnam, vestita con gli abiti luccicanti della fantascienza. E sì, funziona esattamente come sembra sulla carta.

Il cast riunisce talenti di primo piano: accanto a Washington troviamo Allison Janney, Gemma Chan, Ken Watanabe, Amar Chadha-Patel e Ralph Ineson. Nomi che avrebbero dovuto garantire una certa attrattiva nelle sale, ma che evidentemente non sono bastati a contrastare lo scetticismo del pubblico verso una proprietà intellettuale originale in un mercato saturo di brand consolidati.

The Creator è, innanzitutto, un trionfo visivo. Gareth Edwards è un artista degli effetti visivi, e questa competenza tecnica permea ogni fotogramma del film. Il CGI rivaleggia con quello di District 9, altro esempio di fantascienza intelligente realizzata con budget relativamente contenuti.

Il direttore della fotografia Oren Soffer ha utilizzato lenti anamorfiche e location reali per costruire un mondo che sembra tangibile, vissuto, sporco nel modo giusto. Ad oggi è ricordato come uno dei più impressionanti esempi di worldbuilding fantascientifico dell’ultimo decennio.

The Creator non salverà il cinema originale, né rivoluzionerà il genere fantascientifico. Ma la sua riscoperta ci permette di entrare in un mondo fantascientifico unico, come ne sono stati realizzati veramente pochi negli ultimi anni.

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