Adesso Bong ha deciso di assumersi completamente la responsabilità del flop.

In una nuova intervista con Variety, il regista ha parlato apertamente della pressione psicologica vissuta durante la lavorazione del film, spiegando che l’esperienza lo avrebbe convinto a ridimensionare i suoi prossimi progetti.

“Tutti i miei film sono sempre usciti come director’s cut definitivo, persino un film enorme come Mickey 17. E tutte le cose belle e tutte le cose brutte di quel film vengono da me. Mi assumo ogni responsabilità. Quindi insultatemi pure se non vi è piaciuto.”

Mickey 17 era stato uno dei maggiori azzardi recenti di Warner Bros., con un budget che secondo diverse indiscrezioni avrebbe sfiorato i 140 milioni di dollari. Al box office il film si è fermato intorno ai 130 milioni worldwide, numeri considerati deludenti rispetto ai costi produttivi e alle aspettative dello studio.

Negli ultimi mesi erano già emerse indiscrezioni molto tese dietro le quinte del progetto. Alcuni report sostenevano infatti che le prime test screening del film, tra il 2023 e il 2024, avessero ottenuto reazioni molto negative.

Secondo queste ricostruzioni, Warner Bros. avrebbe persino preparato un montaggio alternativo del film che avrebbe ottenuto punteggi sensibilmente migliori rispetto alla versione di Bong. Ma il regista possedeva il final cut contrattuale e avrebbe deciso di mantenere la propria visione originale.

Bong ha inoltre ammesso che tutta la situazione ha avuto un forte impatto personale:

“La pressione psicologica e mentale durante Mickey 17 è stata enorme.”

E infatti il regista sembrerebbe ora intenzionato a tornare a produzioni più piccole e controllabili dopo l’esperienza blockbuster.

Il prossimo progetto sarà infatti Ally, primo lungometraggio animato della sua carriera, recentemente acquisito da Neon e previsto per il 2027.

La sensazione è che Mickey 17 abbia rappresentato per Bong Joon-ho una collisione piuttosto brutale tra libertà autoriale e logiche da blockbuster hollywoodiano. E il fatto che il regista abbia deciso di esporsi così apertamente sul fallimento del film è probabilmente la parte più sorprendente di tutta la vicenda.

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Negli ultimi anni Hollywood e le piattaforme streaming hanno accelerato enormemente sugli adattamenti videoludici, nel tentativo di replicare successi come Super Mario Bros. il film. Accanto ai trionfi commerciali, però, non sono mancati titoli accolti in modo più tiepido da pubblico e critica, come la serie live-action di Yakuza o Return to Silent Hill. Nonostante questo, l’industria continua a investire senza sosta in nuove trasposizioni.

Tra i franchise attualmente in sviluppo ci sono Helldivers, Duke Nukem, It Takes Two, Call of Duty, Battlefield e Metal Gear Solid, mentre sono già in arrivo nuovi capitoli di Mortal Kombat, Street Fighter e Resident Evil.

Secondo l’analista Ricardo Parsons, il fenomeno è esploso soprattutto dalla seconda metà del 2023:

“Gli adattamenti videoludici sono cresciuti enormemente dalla seconda metà del 2023, con almeno 25 nuovi annunci ogni sei mesi.”

Adi Shankar, però, non sembra particolarmente convinto che questa corsa agli adattamenti possa durare a lungo. Parlando apertamente della situazione con GamesRadar+, ha spiegato perché ritiene che molti di questi progetti non vedranno mai la luce:

“Non credo che la maggior parte di questi progetti arriverà davvero a compimento, perché ci sono troppi soggetti coinvolti. È facile dire: ‘Adatteremo questo videogioco’. Ma non è una novità. Annunci di film e serie tratte da fumetti o videogiochi esistono dagli anni ’90.”

Secondo Shankar, inoltre, il mercato non arriverà mai a produrre decine e decine di adattamenti ogni anno:

“Non arriveremo a un punto in cui usciranno 50 adattamenti all’anno. Stanno annunciando tantissime cose, ma se continui a trattare ogni videogioco come un romanzo da adattare fedelmente, il pubblico finirà per desiderare sempre di più storie originali.”

Per lo showrunner, il vero problema nasce quando i franchise smettono di essere guidati dai creatori originali e diventano semplicemente marchi da gestire:

“Penso inevitabilmente che molti adattamenti videoludici saranno cringe, perché i videogiochi di enorme successo non vengono più gestiti dalle persone che li hanno creati. A controllarli sono grandi aziende che affidano tutto a brand manager.”

Shankar ha poi approfondito ulteriormente il concetto, spiegando come molti franchise perdano identità una volta trasformati in prodotti commerciali globali:

“Quando un videogioco viene trattato troppo a lungo come un brand, finisce per diventare soltanto un logo. Cominci a mettere quel logo ovunque, tra spin-off, mobile game e merchandising. A quel punto tutto diventa un marchio. E allora viene quasi da chiedersi: dov’è il film di Captain Crunch?”

Una riflessione piuttosto dura, ma che tocca un tema sempre più discusso: molti adattamenti sembrano puntare soprattutto sulla riconoscibilità del nome, più che sulla qualità della storia o sul rispetto dell’identità originale.

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Durante una recente intervista con Empire, Cameron ha spiegato che il franchise si trova in una fase delicata di sviluppo e che il problema principale non riguarda più soltanto la storia, ma il modo stesso in cui questi film vengono realizzati.

“Avatar 4 e 5 sono ancora lì fuori.”

Secondo il regista, continuare a produrre film con questo livello di complessità tecnica non è più sostenibile nel lungo periodo. Per questo motivo il team starebbe cercando nuove soluzioni produttive e tecnologiche capaci di ridurre drasticamente tempi e costi.

“Dobbiamo riuscire a fare i prossimi film in metà del tempo e con due terzi del budget.”

Cameron ha anche spiegato che trovare una soluzione concreta potrebbe richiedere parecchio tempo.

“Potrebbe volerci almeno un anno solo per capire come riuscirci.”

Le nuove dichiarazioni segnano un netto cambio di tono rispetto ai mesi precedenti. All’inizio del 2026 il regista aveva definito Avatar 4 “molto probabile”, evitando però di confermarlo ufficialmente. Dietro questa prudenza ci sarebbero soprattutto questioni economiche legate agli ultimi risultati del franchise.

Avatar: Fuoco e Cenere ha infatti incassato circa 1,49 miliardi di dollari nel mondo, numeri enormi per qualsiasi blockbuster moderno ma leggermente inferiori rispetto ai precedenti capitoli della saga. A pesare sarebbe soprattutto il budget gigantesco dei film, che secondo diverse indiscrezioni avrebbe ormai superato i 400 milioni di dollari per produzione.

Disney aveva inizialmente programmato altri due sequel con uscite fissate per il 2029 e il 2031, ma secondo alcune fonti lo studio non sarebbe obbligato contrattualmente a proseguire davvero con Avatar 4 e Avatar 5. Questo significa che il futuro del franchise dipenderà soprattutto dalla sostenibilità economica dei prossimi capitoli.

Più che abbandonare Pandora, Cameron sembra quindi intenzionato a rivoluzionare completamente il processo produttivo della saga. L’obiettivo sarebbe quello di mantenere lo spettacolo visivo di Avatar riducendo però tempi di lavorazione, costi tecnologici e complessità generale delle riprese.

Esiste poi anche un altro fattore importante. Se Avatar 4 dovesse davvero uscire nel 2029, arriverebbe soltanto quattro anni dopo Fuoco e Cenere, un intervallo che potrebbe non bastare per ricostruire l’attesa del pubblico attorno al franchise.

Nel frattempo James Cameron si avvicina ai 75 anni e, con produzioni sempre più gigantesche da gestire, il regista potrebbe anche decidere di dedicare parte del suo tempo ad altri progetti personali rimasti in sospeso da anni.

Per ora il destino di Avatar 4 e Avatar 5 resta quindi incerto, ma le nuove parole di Cameron mostrano chiaramente che persino uno dei franchise più redditizi della storia del cinema sta iniziando a fare i conti con i limiti economici del blockbuster moderno.

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Sono passati quattro anni dalla fine della sesta e ultima stagione su Prime Video, ma The Expanse continua a essere il metro di paragone per qualsiasi produzione sci-fi che ambisca alla grandezza. Con un punteggio del 95% su Rotten Tomatoes e una reputazione che cresce di anno in anno, questa serie rappresenta un caso unico: un prodotto che è diventato più influente dopo la sua conclusione che durante la sua messa in onda.

La storia di The Expanse è essa stessa degna di una space opera. Nata su SyFy nel 2015, la serie ha rischiato la cancellazione prematura prima di essere salvata da Amazon e trasferita su Prime Video, dove ha potuto concludere la sua narrazione con la dignità che meritava. Sei stagioni di televisione che hanno saputo bilanciare conflitti politici galattici, tensioni di classe, misteri alieni e horror della sopravvivenza, il tutto mantenendo al centro personaggi emotivamente complessi e credibili.

Ma qual è il segreto di questo successo postumo? The Expanse ha fatto qualcosa che poche serie tentano e ancor meno riescono: ha combinato la narrazione di una serie prestigiosa con concetti sci-fi da blockbuster cinematografico. Non si è accontentata di essere “una buona serie di fantascienza”, ha puntato a essere semplicemente una grande serie, punto. Ha dimostrato che la fantascienza televisiva poteva essere intellettualmente stimolante, emotivamente coinvolgente e visivamente spettacolare allo stesso tempo.

Steven Strait nei panni di Jim Holden e Dominique Tipper in quelli di Naomi Nagata sono diventati volti iconici di questo nuovo standard. Le performance dei protagonisti, insieme a quelle dell’intero cast, hanno dimostrato che la fantascienza non deve sacrificare la profondità dei personaggi sull’altare dello spettacolo visivo. Anzi, sono proprio i momenti più intimi e umani a rendere credibili i conflitti galattici.

La regia di Breck Eisner, Jeff Woolnough, David Grossman e degli altri registi che si sono alternati dietro la macchina da presa ha saputo mantenere una coerenza stilistica rara per una serie di lunga durata. Ogni episodio sembrava parte di un film incredibilmente lungo piuttosto che una produzione televisiva episodica tradizionale. Questa attenzione alla coerenza visiva e narrativa è diventata ora lo standard a cui aspirano tutte le produzioni sci-fi di prestigio.

The Expanse non ha semplicemente raccontato una delle migliori storie fantascientifiche mai viste in televisione. Ha permanentemente alterato le aspettative del pubblico nei confronti del genere. Quattro anni dopo la sua conclusione, l’industria sta ancora inseguendo lo standard che ha stabilito, e la televisione fantascientifica è infinitamente migliore proprio per questo motivo.

Mentre continuiamo ad attendere una serie che possa davvero raccogliere l’eredità di The Expanse, possiamo consolarci sapendo che il suo impatto si fa sentire in ogni nuova produzione sci-fi che cerca di raggiungere quella particolare combinazione di intelligenza narrativa, spettacolo visivo e profondità emotiva. La ricerca della prossima grande space opera continua, ma il punto di riferimento rimane cristallino. The Expanse ha dimostrato cosa è possibile quando la fantascienza viene trattata con la serietà e le risorse che merita. E quel traguardo, per ora, rimane inarrivabile.

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Secondo quanto riportato da Variety,  per Jackson il vero problema riguarda piuttosto la tutela degli attori e l’utilizzo non autorizzato delle loro sembianze digitali.

“Per me è semplicemente un effetto speciale. Non è diverso dagli altri effetti visivi.”

Il regista ha comunque sottolineato quanto sia fondamentale proteggere i diritti degli interpreti:

“Se stai creando un duplicato AI di qualcuno e hai ottenuto i diritti dalla persona coinvolta, non vedo il problema. Il problema nasce quando le sembianze delle persone vengono rubate e sfruttate senza consenso.”

Durante l’incontro, Jackson ha parlato anche del dibattito attuale attorno all’intelligenza artificiale e di come questo stia influenzando la percezione delle performance in motion capture.

Secondo il regista, proprio questa confusione tra AI e recitazione digitale penalizza ancora oggi il lavoro di Andy Serkis nei panni di Gollum nella trilogia de Il Signore degli Anelli:

“Con il clima attuale, dove tutti sono preoccupati dall’AI, non credo che un personaggio come Gollum abbia alcuna possibilità di vincere premi. Ed è ingiusto, soprattutto nel caso di Andy Serkis, perché quella non è una performance generata dall’intelligenza artificiale: è una performance umana al cento per cento.”

Le parole di Jackson riaprono così una discussione che accompagna Hollywood da anni: la motion capture deve essere considerata recitazione tradizionale a tutti gli effetti?

Il regista ha parlato anche di The Hunt for Gollum, il nuovo film ambientato nell’universo de Il Signore degli Anelli che sarà diretto proprio da Andy Serkis.

Jackson ha spiegato di aver scelto volontariamente di lasciare la regia a Serkis perché convinto che nessuno conosca il personaggio meglio dell’attore britannico:

“Il film parla della psicologia e della dipendenza di Gollum. Ho pensato: Andy conosce questo personaggio meglio di chiunque altro. La versione più interessante possibile di questo film è quella diretta da Andy Serkis.”

Durante la cerimonia inaugurale del Festival di Cannes, Peter Jackson ha ricevuto la Palma d’Oro onoraria dalle mani di Elijah Wood, interprete di Frodo nella trilogia.

L’attore ha ricordato l’impatto rivoluzionario avuto dal regista sul cinema fantasy moderno:

“Hai mostrato al mondo qualcosa che non aveva mai visto prima, e dopo nulla è stato più lo stesso.”

Jackson ha poi raccontato quanto fosse rischiosa, all’epoca, la scelta di girare contemporaneamente i tre film de Il Signore degli Anelli. Una decisione che molti consideravano destinata al fallimento prima ancora dell’uscita del primo capitolo.

Secondo il regista, la percezione cambiò radicalmente proprio a Cannes nel 2001, quando vennero mostrate in anteprima alcune sequenze de La Compagnia dell’Anello.

“Cambiò completamente la percezione del film.”

Le dichiarazioni di Peter Jackson arrivano in un momento in cui Hollywood continua a discutere del rapporto tra AI, effetti digitali e diritti degli attori.

Il regista neozelandese sembra però avere una posizione piuttosto chiara: la tecnologia non è il problema principale, purché venga usata nel rispetto delle persone coinvolte e senza sostituire il contributo umano dietro una performance.

L'articolo Peter Jackson: “Andy Serkis non vincerà mai un Oscar per Gollum per colpa dell’AI” proviene da Il Cineocchio.

La serie segue Alma, interpretata da Rosa Salazar, una giovane donna la cui vita viene sconvolta da un incidente d’auto. Da quel momento, inizia a sperimentare strani spostamenti temporali e distorsioni della realtà che mettono in discussione tutto ciò che credeva di sapere su se stessa, sulla sua famiglia e sul mondo che la circonda. Attraverso 16 episodi distribuiti in due stagioni, Undone costruisce una delle narrazioni sci-fi più intelligenti ed emotivamente stratificate dell’era dello streaming, mescolando generi in un modo che sfida le categorie tradizionali.

Ciò che rende davvero sconcertante il destino di questa serie è che sulla carta aveva tutti gli ingredienti per esplodere. Innanzitutto, arriva dal team creativo dietro BoJack Horseman, una delle serie animate più acclamate degli anni 2010. Raphael Bob-Waksberg e Kate Purdy hanno dimostrato di saper creare storie complesse che intrecciano umorismo tagliente e profondità emotiva devastante, e con Undone hanno portato quella sensibilità su un territorio ancora più ambizioso.

Poi c’è il cast. Bob Odenkirk appare nel ruolo del padre di Alma, Jacob, in un periodo in cui la sua stella brillava al massimo grazie a Better Call Saul. Era il 2019, l’attore era all’apice della fama, eppure la sua presenza non è bastata a catalizzare l’attenzione del grande pubblico. È genuinamente inspiegabile, soprattutto considerando che la sua interpretazione è tra le migliori della sua carriera, un ritratto sfumato e commovente che si allontana dai territori più battuti dei suoi ruoli iconici.

Ma forse l’elemento più distintivo di Undone è la sua estetica visiva. La serie utilizza la tecnica della rotoscopia, sovrapponendo animazione dipinta a mano su performance dal vivo. Il risultato è un’esperienza visiva onirica, quasi pittorica, in cui la realtà sembra costantemente sul punto di dissolversi o trasformarsi. È un approccio che rende ogni fotogramma simile a un quadro in movimento, perfetto per una storia che gioca continuamente con i confini tra ciò che è reale e ciò che potrebbe essere immaginazione, trauma o qualcosa di completamente diverso.

Ogni episodio di Undone introduce nuove idee e svolte emotive che invitano all’interpretazione e al dibattito. È il tipo di serie che non ti lascia andare facilmente, che continua a rimbalzare nella testa nei giorni successivi alla visione. In un’epoca in cui il pubblico cerca sempre più narrazioni stratificate, capaci di offrire qualcosa di più della semplice evasione, è quasi paradossale che una delle proposte più ricche e meno superficiali disponibili in streaming sia così ampiamente ignorata.

Per chiunque ami le serie che persistono nella memoria, che sollevano domande invece di fornire solo risposte facili, Undone non è solo consigliata, è praticamente essenziale. È un promemoria che, nell’era dell’abbondanza, i veri tesori esistono ancora, ma vanno cercati attivamente. E quando li si trova, l’esperienza ripaga ogni secondo investito nella ricerca.

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Il nuovo trailer ufficiale anticipa una serie che punta tutto sugli elementi che hanno reso Ghost in the Shell un cult assoluto: tecnologia, identità, filosofia e combattimenti spettacolari. Le immagini mostrano sequenze d’azione intense, atmosfere neon e uno stile visivo elegante che sembra voler aggiornare il franchise senza tradirne l’identità originale.

La storia sarà ambientata ancora una volta nel 2029, in un Giappone futuristico dominato da reti informatiche globali, flussi di dati e innesti cibernetici, dove però nazioni e identità continuano a sopravvivere nonostante l’iperconnessione totale.

Al centro della serie ritroviamo Motoko Kusanagi, cyborg dal corpo completamente artificiale che guida una squadra d’élite impegnata nella prevenzione del cybercrimine. Insieme a Batou e agli altri membri dell’unità, Kusanagi finirà coinvolta nella nascita della Sezione 9, il celebre gruppo operativo noto come “Ghost in the Shell”.

Nel corso delle indagini emergerà anche la figura del Puppet Master, misterioso hacker destinato a mettere in discussione non solo la sicurezza del sistema, ma anche la stessa identità di Motoko.

Ad animare la serie sarà Science SARU, studio ormai diventato uno dei nomi più interessanti dell’animazione giapponese contemporanea grazie a produzioni come Dandadan, Scott Pilgrim Takes Off e Star Wars: Visions. Lo studio sembra perfetto per accompagnare il franchise verso una nuova fase più fluida, sperimentale e visivamente aggressiva.

La regia è affidata a Mokochan, mentre la sceneggiatura sarà curata da EnJoe Toh. Il character design e la supervisione dell’animazione porteranno invece la firma di Shuhei Handa.

Pubblicato originariamente nel 1989, Ghost in the Shell è diventato negli anni uno dei franchise sci-fi più influenti di sempre. Il film anime del 1995 viene ancora oggi considerato una pietra miliare dell’animazione cyberpunk e ha influenzato opere come Matrix e gran parte dell’immaginario fantascientifico moderno.

Dopo anni di adattamenti, spin-off e reinterpretazioni, The Ghost in the Shell sembra voler riportare il franchise alle sue radici più filosofiche e politiche, senza rinunciare a un’estetica contemporanea e a un’azione molto più aggressiva.

La serie debutterà il 7 luglio nel blocco televisivo giapponese “Ka Anibaru!!” di Fuji TV e sarà distribuita in streaming anche su Prime Video:

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La ricerca, condotta con Kantar e UC Berkeley, ha coinvolto 6.250 consumatori “highly engaged” negli Stati Uniti, Regno Unito e Australia. Il quadro che emerge è netto: per i più giovani le piattaforme streaming non sono più una “casa” digitale a cui restare fedeli, ma un servizio temporaneo da usare quando serve.

La sequenza è semplice: abbonamento, binge watching, cancellazione, ripetizione. È un comportamento che mette sotto pressione il modello costruito negli ultimi anni da Netflix, Disney+, Prime Video, Max e dagli altri player: un sistema basato su abbonamenti streaming ricorrenti, permanenza dell’utente e crescita costante delle sottoscrizioni.

La frase chiave del report, ripresa da Variety, è molto chiara: “La fedeltà alla piattaforma è di fatto morta”. Tradotta in termini di mercato, significa che la Gen Z non paga per restare dentro un ecosistema, ma per accedere subito a un contenuto specifico.

Il fenomeno non riguarda solo lo streaming. Il report segnala che il 62% della Gen Z non vuole pagare il prezzo pieno per i videogiochi, mentre il 71% ha smesso di comprare musica fisica e il 70% non acquista più copie fisiche di film e serie TV. Il passaggio è culturale prima ancora che economico: proprietà e collezione contano meno, accesso e convenienza contano di più.

Fortune collega questo comportamento anche alla cosiddetta subscription fatigue, la stanchezza da abbonamenti. Tra dicembre e gennaio, secondo dati Civic Science citati dalla testata, il 37% degli abbonati Gen Z ha cancellato almeno un servizio streaming per saturazione da sottoscrizioni, mentre un altro 29% ha dichiarato di volerlo fare presto.

Ma il report mostra anche un’apparente contraddizione: mentre i giovani abbandonano gli abbonamenti fissi, tornano più volentieri al cinema.

C’è infatti un dato positivo per Hollywood: la Gen Z non sta abbandonando l’intrattenimento, sta scegliendo meglio dove spendere. Il report indica che i giovani sono il 13% più propensi rispetto agli spettatori più adulti ad andare al cinema nel weekend di apertura. Il motivo è soprattutto sociale: il cinema viene vissuto come evento, uscita, esperienza condivisa.

Brent Koning, global head of gaming di Dentsu, ha spiegato a Variety: “La Gen Z vive il cinema come un’esperienza sociale e collettiva, non come un semplice esercizio di adorazione dello schermo. Per loro la sala fa parte di una giornata o serata più ampia, non è un evento isolato.”

Il messaggio per Hollywood e per le piattaforme è diretto: non basta più avere un catalogo enorme. La Gen Z vuole contenuti rilevanti, prezzi più flessibili, accesso immediato e valore percepito. Chi continua a puntare solo sulla fedeltà all’abbonamento rischia di parlare a un pubblico che, ormai, ha già imparato a entrare e uscire quando vuole.

In sintesi: la Gen Z non ha rotto l’intrattenimento. Ha rotto il vecchio patto economico dello streaming. E ora Hollywood deve decidere se abbassare i prezzi, ripensare gli abbonamenti o accettare che l’era degli abbonamenti automatici potrebbe essere finita.

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Secondo Deadline, Warner Bros. sta sviluppando un nuovo film tratto dall’universo sci-fi creato da Michael Crichton, con David Koepp incaricato della sceneggiatura.

E il nome non è casuale.

Koepp è infatti uno degli sceneggiatori più legati all’immaginario di Crichton: ha scritto Jurassic Park per Steven Spielberg, oltre a Il mondo perduto: Jurassic Park e il recente Jurassic World La Rinascita. Inoltre tornerà a collaborare con Spielberg anche nel blockbuster fantascientifico Disclosure Day.

Per ora i dettagli sul progetto restano segreti, ma Deadline sostiene che un importante regista sarebbe già interessato a dirigere il film.

L’universo di Westworld nasce nel 1973 proprio con Il mondo dei robot, scritto e diretto dallo stesso Michael Crichton, ambientato in un futuristico parco a tema per adulti popolato da androidi. Quando uno dei robot va fuori controllo, la vacanza dei visitatori si trasforma in un incubo tecnologico.

Il film originale – con Yul Brynner, Richard Benjamin e James Brolin – è diventato uno dei punti di riferimento della fantascienza anni ’70, anticipando temi che oggi sembrano ancora più attuali: intelligenza artificiale, coscienza artificiale e rapporto tra esseri umani e tecnologia.

Negli ultimi anni il franchise era tornato in auge grazie alla serie HBO Westworld creata da Jonathan Nolan e Lisa Joy, cancellata nel 2022 dopo quattro stagioni.

La serie aveva progressivamente trasformato il concept originale in una riflessione molto più ampia su memoria, identità e libero arbitrio, diventando uno degli show sci-fi più ambiziosi e divisivi dell’ultimo decennio.

Proprio per questo sarà interessante capire quale direzione prenderà il nuovo film.

Warner potrebbe scegliere di tornare alle radici thriller-techno de Il mondo dei robot oppure sfruttare l’eredità filosofica lasciata dalla serie HBO. In entrambi i casi, il coinvolgimento di David Koepp suggerisce una possibile attenzione maggiore all’intrattenimento puro e alla tensione narrativa.

E considerando il ritorno sempre più forte della fantascienza adulta a Hollywood, il momento per riportare Westworld sul grande schermo potrebbe essere perfetto.

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Durante una lunga conversazione organizzata dal British Film Institute a Londra – dove il regista ha ricevuto il prestigioso BFI Fellowship – del Toro ha anticipato nuovi dettagli sul film, definendolo:

“un affascinante film in stop-motion per adulti incredibilmente difficile”

aggiungendo che sarà realizzato:

“senza alcuna concessione a un pubblico familiare.”

Il progetto, sviluppato per Netflix, adatterà il romanzo del 2015 di Kazuo Ishiguro, Il gigante sepolto, ambientato in una versione mitologica dell’Inghilterra post-arturiana, seguendo il viaggio di due anziani, Axl e Beatrice, in un mondo dove una misteriosa nebbia provoca una lenta e inquietante perdita della memoria collettiva.

La storia segue i due protagonisti mentre attraversano un paesaggio popolato da troll, fate, cavalieri e guerrieri sassoni, riportando gradualmente alla luce un passato oscuro che accomuna tutti i personaggi.

Secondo del Toro, proprio la natura sospesa e irreale della storia rende la stop-motion la scelta perfetta.

Il regista ha spiegato:

“Se fai un film live action su una coppia di anziani che attraversa un paesaggio pieno di troll e fate, con effetti speciali e attori… appena una marionetta attraversa la scena entri nell’uncanny valley, ed è una cosa orribile che non appartiene allo stesso mondo.”

Per questo motivo vuole che tutto condivida la stessa materia visiva:

“Voglio che tutte le creature siano fatte dello stesso materiale. Ci vorranno anni. Ed è incredibilmente difficile.”

Dopo il successo del suo Pinocchio in stop-motion — vincitore dell’Oscar come miglior film animato — e dopo il recente Frankenstein live action, il regista sembra intenzionato a spingersi ancora oltre, questa volta con un tono molto più adulto, malinconico e oscuro.

La sceneggiatura è scritta insieme a Dennis Kelly, autore di Matilda the Musical, Utopia e The Third Day, mentre la produzione dell’animazione sarà affidata ancora una volta a ShadowMachine, lo studio dietro Pinocchio e produzioni come Bojack Horseman e The Tiny Chef Show.

Durante l’incontro londinese è arrivata anche la prima conferma sul cast vocale: Ron Perlman, collaboratore storico di del Toro fin dai tempi di Cronos, farà ufficialmente parte del film, anche se il regista non ha ancora rivelato quale personaggio interpreterà.

“Sarà nel prossimo film,” ha dichiarato laconicamente del Toro.

Considerando la complessità della lavorazione in stop-motion, il film richiederà ancora molto tempo prima di arrivare sugli schermi. Secondo le stime più realistiche, The Buried Giant potrebbe debuttare su Netflix non prima del 2028 o addirittura del 2029.

Nel frattempo, del Toro sarà anche al Cannes Film Festival per presentare il restauro 4K de Il Labirinto del Fauno nella sezione Cannes Classics.

Tra il ritorno di uno dei suoi film più amati e un fantasy stop-motion definito dallo stesso regista “incredibilmente difficile”, The Buried Giant si sta già trasformando in uno dei progetti animati più ambiziosi e affascinanti degli ultimi anni.

L'articolo Guillermo del Toro prepara un nuovo film in stop-motion per adulti: “Sarà incredibilmente difficile” proviene da Il Cineocchio.

Ma quali sono gli anime che hanno perfezionato questa alchimia narrativa, mantenendo alta la qualità dall’inizio alla fine? Alcuni conoscono DanDaDan, ma la lista che segue raccoglie i titoli che hanno saputo bilanciare questi mondi opposti, creando esperienze memorabili che sfidano le categorizzazioni rigide. Tre anime poco conosciuti, rispetto a grandi titoli altisonanti, ma che si meritano di essere scoperti per l’audacia con cui hanno sperimentato con il genere.

A Certain Magical Index rappresenta probabilmente l’esempio più cristallino di science fantasy nell’animazione giapponese. L’universo di Toaru, condiviso tra A Certain Magical Index e A Certain Scientific Railgun, costruisce il proprio worldbuilding attorno a un conflitto fondamentale: scienziati contro stregoni. In Academy City, gli esper manifestano poteri soprannaturali come risultato di avanzamenti scientifici, creando un paradosso affascinante dove capacità che sembrano magiche hanno origine nella ricerca tecnologica. Dall’altra parte della barricata, i veri maghi padroneggiano arti mistiche che nemmeno gli scienziati più brillanti riescono a spiegare.

La serie di Toaru viene celebrata per la ricchezza del suo impianto narrativo, che si sviluppa gradualmente attraverso molteplici capitoli, diventando sempre più stratificato e coinvolgente. Ogni nuovo arco narrativo aggiunge profondità a un mondo già complesso, dove la linea tra scienza e magia diventa sempre più sottile e sfumata.

Code Geass, invece, viene venerato principalmente come dramma politico mecha, ma il suo titolo nasconde un elemento fantastico che sfida le convenzioni del genere. Il Geass, il potere soprannaturale che dà il nome alla serie, non segue alcuna legge scientifica: è pura magia in un mondo altrimenti ancorato a regole militari e tecnologiche. Lelouch e la sua terrificante capacità di alterare le menti rappresentano un’anomalia fantasy in un contesto che, per il resto, rimane fedele alle aspettative di un action show con forti componenti psicologiche.

Questi elementi fantastici apparentemente minori ma fondamentali per la lore non sono rari negli anime mecha. I poteri Newtype di Gundam costituiscono forse l’esempio più iconico di questa tendenza. Eppure, in Code Geass, la natura mistica del potere di Lelouch non compromette mai l’atmosfera ancorata alla realtà, seppur teatrale, della serie. La tensione narrativa rimane costante, sostenuta da una trama che non perde mai mordente.

Wolf’s Rain conclude questo viaggio con una nota completamente diversa. Non c’è leggerezza qui, nessuna comicità. La serie accompagna gli spettatori in un viaggio malinconico attraverso una distopia morente e congelata, un mondo che sta per esalare il suo ultimo respiro. L’unica speranza risiede nella leggenda dei lupi, creature fantastiche apparentemente estinte che possono guidare l’umanità verso il Paradiso.

In Wolf’s Rain, il fantasy esiste come leggenda per la maggior parte delle persone, e lo stesso vale per le meraviglie del progresso tecnologico. Eppure entrambi hanno una presenza tangibile nell’ambientazione della serie. Wolf’s Rain sembra una favola tragica che si è materializzata, inspiegabilmente, in un mondo di fantascienza. Il risultato è un’esperienza contemplativa e dolorosa, dove scienza e magia si fondono in una narrazione elegiaca sulla speranza in un mondo senza futuro.

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La pellicola, liberamente ispirata al romanzo di H.G. Wells, è stata praticamente demolita dalla critica: appena il 4% su Rotten Tomatoes e ben cinque Razzie Awards conquistati, compreso quello per Peggior Film. Eppure Bekmambetov non sembra particolarmente turbato dalla reazione ricevuta.

Rispondendo a un utente durante un AMA su Reddit, il regista e produttore ha scritto:

“Le critiche a La guerra dei mondi non mi hanno sorpreso. Mi tengo tre settimane al numero uno su Amazon Prime piuttosto che una buona recensione, in qualsiasi giorno.”

Una dichiarazione piuttosto chiara: per Bekmambetov il successo su piattaforma e la capacità di attirare pubblico contano molto più dell’approvazione della critica.

In fondo non è nemmeno una posizione così sorprendente, considerando una filmografia che negli anni ha incluso titoli divisivi come Ben-Hur, Abraham Lincoln: Vampire Hunter e Mercy.

Interpretato da Ice Cube nei panni di un analista di cybersicurezza, La guerra dei mondi è riuscito a “vincere” cinque delle sei categorie ai Razzie per cui era candidato, tra cui Peggior Attore, Peggior Remake o Rip-off, Peggior Sceneggiatura e Peggior Regia per Rich Lee.

E proprio Ice Cube aveva rivelato un dettaglio piuttosto assurdo sulla produzione: secondo l’attore, il regista non era nemmeno presente sul set durante le riprese.

Il motivo è legato alla lavorazione particolarmente caotica del film. La guerra dei mondi venne infatti girato nel 2020, nel pieno della pandemia COVID, per poi restare bloccato per anni in una complicata post-produzione prima di approdare finalmente su Prime Video nel luglio 2025.

Il risultato finale è stato accolto come una delle reinterpretazioni più confuse e discutibili mai tratte dal romanzo di Wells. Nel film, il personaggio di Ice Cube scopre che la minaccia principale potrebbe non essere aliena, ma interna al sistema stesso.

Ma ciò che ha fatto discutere maggiormente è stata soprattutto l’estetica fortemente legata ad Amazon: camion per le consegne, droni, schermate di checkout e persino gift card da 1.000 dollari compaiono continuamente nel corso della storia, dando a molti spettatori la sensazione di stare guardando più una lunga pubblicità che un vero film.

Anche la produzione lampo ha contribuito alle critiche. Il film sarebbe stato girato in appena due settimane durante il lockdown, con una lavorazione frammentata e inevitabilmente limitata dalle restrizioni dell’epoca.

Per molti critici, La guerra dei mondi è diventato così un esempio perfetto di “disaster movie involontario”: un progetto nato per sperimentare nuovi linguaggi produttivi durante la pandemia e finito invece per trasformarsi in uno dei titoli più bersagliati degli ultimi anni.

Ma a giudicare dalle parole di Bekmambetov, i Razzie e il 4% su Rotten Tomatoes contano molto meno dei numeri registrati su Prime Video.

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Secondo Cinemark, il prezzo medio di un ticket negli USA nel 2025 è stato di circa 16,08 dollari. Ma il dato nazionale racconta soltanto una parte della storia. Nelle grandi città americane, soprattutto a New York e Los Angeles, il costo sale rapidamente tra affitti elevati, gestione delle sale e crescente domanda per i formati premium.

Negli ultimi anni il cinema statunitense ha infatti puntato sempre di più su esperienze considerate “speciali”: IMAX, Dolby Cinema, 4DX e proiezioni in 70mm vengono ormai vendute come eventi esclusivi più che semplici visioni cinematografiche.

Ed è proprio qui che entra in gioco Dune: Parte Tre.

Nelle ultime settimane Warner Bros. e IMAX hanno aperto con enorme anticipo le prevendite di alcune proiezioni IMAX 70mm del film diretto da Denis Villeneuve, la cui uscita è prevista per dicembre 2026. In diverse sale Regal americane il prezzo di un singolo posto ha raggiunto i 50 dollari.

Non si trattava di secondary ticketing o di prezzi gonfiati da reseller online. Come riportato dal Wall Street Journal, era il costo ufficiale applicato direttamente dal circuito cinematografico.

E il pubblico ha risposto immediatamente.

I primi blocchi di biglietti sono andati sold out nel giro di pochi minuti, dimostrando che esiste già una fascia di spettatori disposta a spendere cifre molto superiori alla media pur di assistere a determinati film nel formato più spettacolare possibile. Questo non significa che tutti i cinema diventeranno improvvisamente “di lusso”. Però mostra chiaramente la direzione verso cui si sta muovendo il mercato americano: meno centralità del cinema tradizionale e sempre più attenzione alle proiezioni-evento.

Anche i numeri confermano questa trasformazione. Secondo i dati riportati da The Sun US, nel 2021 gli schermi premium rappresentavano circa il 13% dei biglietti venduti negli Stati Uniti. Oggi quella quota è salita intorno al 17%.

Può sembrare una differenza minima, ma in realtà racconta un cambiamento enorme nel modo in cui Hollywood e le catene cinematografiche stanno ripensando il business delle sale. Dopo anni di crisi, streaming e calo degli spettatori, il modello sembra ormai puntare meno sulla quantità e più sull’idea di esperienza esclusiva.

In pratica, il cinema sta iniziando a funzionare come i concerti o gli eventi sportivi: alcuni titoli vengono percepiti come appuntamenti imperdibili per cui una parte del pubblico è pronta a pagare molto di più.

Film come Avatar, Oppenheimer e la saga di Dune hanno dimostrato quanto il formato premium possa trasformare una proiezione in qualcosa di “speciale”, soprattutto quando si parla di IMAX 70mm, ancora considerato da molti cinefili il massimo livello possibile per immersione visiva e qualità dell’immagine.

E probabilmente è proprio questo il punto più importante: il biglietto da 50 dollari non rappresenta il nuovo standard del cinema, ma il segnale che Hollywood sta costruendo un modello sempre più diviso tra visione quotidiana e spettacolo-evento. Un modello che potrebbe rendere l’esperienza in sala sempre più spettacolare, ma anche molto più costosa.

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Tratto dal bestseller di Shelby Van Pelt, Creature luminose ruota attorno a Tova, interpretata da una Sally Field straordinariamente misurata. Vedova, chiusa in una routine fatta di silenzi e turni notturni in un acquario della costa nord-occidentale americana, Tova continua a convivere con l’assenza del figlio Erik, morto decenni prima in circostanze mai davvero elaborate. L’unico essere con cui sembra riuscire a comunicare davvero è Marcellus, gigantesco polpo del Pacifico dalla voce elegante e sarcastica di Alfred Molina (optate per la VO).

L’arrivo di Cameron, giovane musicista fallito e vagabondo (Lewis Pullman), rompe quell’equilibrio immobile. Lui arriva in città inseguendo il fantasma di un padre mai conosciuto; lei vive prigioniera del ricordo di un figlio perduto. È chiaro fin dall’inizio dove il film voglia andare, ma la forza della sceneggiatura non sta nella sorpresa. Sta nel modo in cui accompagna due persone ferite verso una forma inattesa di famiglia.

Olivia Newman, dopo La Ragazza della Palude, conferma di saper adattare romanzi popolari senza trasformarli in meri riassunti illustrati. Taglia molto del libro originale, asciuga sottotrame e punta quasi tutto sui rapporti umani. Una scelta intelligente: ogni volta che il film si allontana da Tova e Cameron perde intensità, mentre quando li lascia semplicemente parlare, litigare o condividere il peso delle rispettive assenze trova il suo tono migliore.

Sally Field tiene insieme tutto con una delicatezza impressionante. Non forza mai la commozione, non cerca il monologo “da Oscar”, e proprio per questo colpisce più di quanto farebbero scene apertamente manipolatorie. Il suo volto stanco, il modo in cui evita gli altri, la prudenza con cui si lascia lentamente coinvolgere di nuovo nella vita: è lì che il film diventa credibile. Lewis Pullman le risponde con una naturalezza rara, ereditando dal padre Bill Pullman quella qualità da uomo comune sempre un po’ spaesato ma immediatamente empatico.

Il vero limite del film è che spesso non si fida abbastanza del silenzio. Le metafore vengono spiegate, i parallelismi sottolineati, le emozioni accompagnate da dialoghi e musiche che insistono più del necessario. Anche Marcellus, affascinante all’inizio, a tratti smette di sembrare una creatura misteriosa e diventa un meccanismo narrativo troppo evidente, quasi un terapeuta marino incaricato di rimettere ordine nelle vite altrui. Alcune sottotrame romantiche restano superficiali e certi colpi di scena si intuiscono con largo anticipo.

Eppure il film continua a funzionare perché non cinico mai. In un panorama streaming pieno di prodotti costruiti per essere consumati in fretta, Creature luminose prova almeno a costruire calore umano. Ha il ritmo lento dei piccoli racconti costieri, l’atmosfera ovattata dei giorni di pioggia e quella malinconia gentile delle opere che parlano di persone sole senza trattarle come caricature.

Alla fine, il vero miracolo di Creature luminose non è far parlare un polpo. È riuscire a dare dignità emotiva a una storia che sulla carta rischiava continuamente di sembrare artificiale. Non evita tutti gli scogli del melodramma, ma quando smette di inseguire la propria eccentricità e lascia spazio ai suoi interpreti, trova qualcosa di sincero. Forse non davvero “remarkably bright”, ma abbastanza luminoso da restare addosso più del previsto.

Il teaser trailer doppiato in italiano di Creature luminose, a catalogo dall’8 maggio:

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Questa coerenza deriva interamente dalla visione di James Gunn, non solo nei modi più ovvi come l’umorismo o la colonna sonora, ma soprattutto nel modo in cui i film trattano i loro personaggi. Sono autorizzati a essere disordinati, contraddittori e a volte difficili da amare, e la trilogia non leviga mai questi spigoli per farli incastrare più comodamente nel franchise più ampio del Marvel Cinematic Universe. Guardare i tre film uno dopo l’altro rende questa chiarezza ancora più evidente: nulla sembra rielaborato per adattarsi a un tono diverso, nulla appartiene a una versione alternativa della stessa storia.

Il primo Guardiani della Galassia si impegna immediatamente in un tono che non dovrebbe essere così sostenibile. È rumoroso, autoconsapevole e costruito attorno a personaggi definiti più dai loro difetti che dal loro eroismo. Questo tipo di approccio di solito viene smussato nei sequel, ma qui accade l’esatto opposto. Guardiani della Galassia Vol. 2 spinge ancora più avanti in quello stesso spazio, usando il suo umorismo per scavare in idee più personali sull’identità e sulla connessione, invece di tirarsi indietro. Il film è più grande, ma non in un modo che sostituisce ciò che ha funzionato la prima volta: lo affila, specialmente nel modo in cui gestisce l’idea di famiglia scelta contro identità ereditata.

Quando arriva Guardiani della Galassia Vol. 3, la trilogia si è completamente stabilizzata in ciò che vuole essere. Il tono diventa più cupo, la posta in gioco sembra più immediata e i momenti emotivi colpiscono più forte, ma non sembra mai una deviazione: sembra una continuazione. La stessa voce, solo con più peso dietro. Il film si appoggia più pesantemente al disagio e alle conseguenze, ma filtra ancora quelle idee attraverso la stessa miscela di umorismo e sincerità che definisce il franchise nel suo nucleo.

La storia delle origini di Rocket Raccoon, raccontata attraverso flashback strazianti, è probabilmente il momento più oscuro dell’intera saga Marvel. Eppure funziona perché Gunn non tradisce mai l’equilibrio che ha costruito nei due film precedenti. Il dolore è reale, la rabbia è giustificata, ma c’è sempre spazio per un momento di leggerezza che non sminuisce la serietà di ciò che sta accadendo. È un filo sottile da percorrere, e la maggior parte dei registi cade da una parte o dall’altra. Gunn ci cammina sopra con sicurezza per tre film di fila.

Ciò che distingue questa trilogia da quasi tutte le altre nel panorama dei cinecomic è che non si piega mai alle aspettative esterne. Non cerca di diventare più seria per sembrare prestigiosa, né si nasconde dietro l’ironia per evitare momenti di vera vulnerabilità. I Guardiani rimangono stronzi con un cuore d’oro dall’inizio alla fine, e il fatto che Gunn non abbia mai sentito il bisogno di “evolverli” verso qualcosa di più tradizionalmente eroico è precisamente ciò che li rende così memorabili.

Guardare i tre film in un weekend significa immergersi in una visione autoriale rara per il genere supereroistico. Significa vedere personaggi che crescono senza perdere la loro essenza, una regia che non si fa intimidire dalle aspettative dello studio, e una colonna sonora che diventa parte integrante della narrazione invece di essere solo abbellimento nostalgico. Significa anche vedere come si può raccontare una storia in tre atti mantenendo la stessa temperatura emotiva, lo stesso ritmo narrativo, la stessa fiducia nel pubblico.

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Secondo le prime indiscrezioni, il progetto sarebbe nelle fasi iniziali presso Disney Live Action Studios e, a differenza di Hocus Pocus 2, distribuito direttamente su Disney+, il nuovo film potrebbe arrivare questa volta nelle sale cinematografiche. Lo studio, al momento, non ha rilasciato commenti ufficiali sui dettagli della produzione.

Le voci su un possibile terzo capitolo circolavano già da tempo. Circa tre anni fa, Bette Midler aveva confermato l’esistenza di una sceneggiatura definita “brillante”, spiegando però che la produzione stava ancora risolvendo alcune questioni organizzative prima di dare il via libera definitivo al progetto.

Secondo quanto riportato da Deadline, uno degli ostacoli principali riguardava le trattative economiche con le tre protagoniste storiche, ora apparentemente concluse con successo.

Al momento, la trama di Hocus Pocus 3 resta top secret.

Il primo Hocus Pocus, uscito nel 1993 e diretto da Kenny Ortega, è diventato negli anni un autentico cult di Halloween. Ambientato nella cittadina di Salem, il film raccontava il ritorno delle tre streghe del XVII secolo, resuscitate accidentalmente durante la notte di Halloween. Il loro obiettivo? Rubare l’energia vitale dei bambini della città per ottenere l’immortalità.

Nel cast originale figuravano anche Thora Birch, Omri Katz, Jason Marsden e Sean Murray.

Il sequel del 2022, diretto da Anne Fletcher, riportava in scena le sorelle Sanderson 29 anni dopo gli eventi originali, introducendo una nuova generazione di protagonisti incaricati di fermarle prima che Salem venisse nuovamente travolta dal caos.

Nel cast di Hocus Pocus 2 erano presenti anche Hannah Waddingham, Tony Hale, Whitney Peak e Belissa Escobedo.

Diversi membri storici del franchise hanno più volte espresso il desiderio di tornare per un eventuale capitolo finale, inclusi Birch e Marsden. Per questo motivo, molti fan sperano che Hocus Pocus 3 possa trasformarsi in una vera celebrazione conclusiva della saga, riportando sullo schermo volti storici e riferimenti nostalgici ai film precedenti.

Se davvero sarà l’ultimo capitolo delle Sanderson, Disney sembra avere l’occasione perfetta per chiudere la trilogia nel modo più spettacolare possibile.

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Il motivo principale è semplice: Gilead non è un futuro impossibile, ma un incubo costruito con materiali già esistiti. Margaret Atwood ha sempre insistito su questo punto: nel creare The Handmaid’s Tale non ha inserito nulla che non avesse un precedente storico o un equivalente moderno. Il romanzo nasce quindi non come fantascienza pura, ma come “speculative fiction”, una distopia che non inventa il male: lo ricompone e lo rende riconoscibile.

La serie Hulu, poi, ha avuto la forza di trasformare quell’impianto letterario in un’immagine politica immediata. Quando arrivò nel 2017, molti critici notarono la sua inquietante tempestività: una storia in cui un governo usa la paura, reprime il dissenso e cancella i diritti riproduttivi delle donne sembrava parlare direttamente al presente. Gilead è stata definita come un “fascismo biblico”: non solo dittatura, ma dittatura travestita da ordine morale, dove il controllo passa attraverso la religione e la manipolazione del linguaggio.

Il punto, però, è che The Handmaid’s Tale non funziona solo perché “è attuale”. Funziona perché racconta la politica attraverso il corpo. La privazione della libertà non è astratta: passa dai vestiti, dagli sguardi abbassati, dalle stanze chiuse, dai rituali imposti, dal linguaggio che cambia significato. La serie immerge lo spettatore in una oppressione quotidiana e normalizzata, rendendola ancora più inquietante proprio perché ordinata e silenziosa, mai spettacolarizzata nel modo più facile.

È qui che l’adattamento televisivo trova la sua forza visiva. La claustrofobia di June non viene solo raccontata, ma costruita in immagini: colori rigidissimi, spazi simmetrici, corpi trasformati in simboli. La bellezza formale non addolcisce la violenza, la rende più disturbante. È un mondo in cui tutto è controllo, anche ciò che sembra neutro o estetico.

La grande differenza rispetto al romanzo è che la serie trasforma una narrazione interiore in un racconto più attivo e seriale. Questo ha dato nuova energia, ma ha anche aperto una questione: fino a che punto una distopia femminista può mostrare brutalità senza trasformarla in spettacolo? È un equilibrio delicato, che la serie a volte gestisce con precisione e altre volte mette in crisi.

È una domanda centrale, perché The Handmaid’s Tale è più efficace quando non si limita a scioccare. Le scene più forti sono quelle in cui mostra quanto facilmente una società possa abituarsi all’orrore. L’idea dell’“anormale reso normale” è il vero cuore della serie: non racconta solo la caduta di una democrazia, ma il modo in cui le persone imparano a viverci dentro, accettando compromessi sempre più profondi.

Questo spiega anche perché sia diventata un simbolo femminista globale. Non perché offra risposte semplici, ma perché mette al centro il controllo sistematico del corpo femminile. La distopia qui non è evasione: è denuncia, rappresentazione, memoria, e proprio per questo resta scomoda.

Ed è proprio questa tensione a rendere The Handmaid’s Tale interessante anche quando divide. È una serie necessaria perché costringe a guardare il rapporto tra potere, religione e patriarcato, ma può diventare estenuante perché costruita su una sofferenza reiterata che non sempre evolve.

Ridurla a una serie “sulla sofferenza delle donne” sarebbe però limitante. The Handmaid’s Tale parla anche di complicità, sopravvivenza, memoria e compromesso. Racconta chi opprime, chi obbedisce, chi si adatta e chi resiste, senza costruire un mondo diviso tra buoni e cattivi.

La sua forza sta nel non rendere tutti innocenti. Gilead non è popolata solo da mostri, ma da persone che hanno accettato un sistema mostruoso perché offriva sicurezza, status o protezione. È questa ambiguità a renderla credibile e inquietante.

Per questo vale ancora la pena vederla. Non perché sia perfetta, ma perché poche serie hanno trasformato una distopia in qualcosa di così riconoscibile, politico e disturbante. The Handmaid’s Tale non è intrattenimento: è uno specchio del presente, capace di mettere in discussione chi guarda.

La sua domanda più inquietante non è “potrebbe succedere?”. È: quanto di questo esiste già? E quando una serie riesce ancora a farti porre questa domanda, significa che il suo valore non si è esaurito.

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Il vero problema è che, negli anni, Roland Emmerich ha perfezionato questo tipo di spettacolo altrove. Se cerchi distruzioni iconiche, Independence Day resta imbattibile. Se vuoi il massimo dell’assurdo catastrofico, 2012 spinge tutto oltre il limite. The Day After Tomorrow, invece, prova a stare nel mezzo: vuole sembrare più realistico, ma senza rinunciare agli eccessi del genere. Ed è proprio questa ambiguità a renderlo interessante.

A differenza di altri film del regista, qui c’è un tentativo evidente di trasmettere un messaggio. Il cambiamento climatico non è solo uno sfondo, ma il motore narrativo. Il film insiste su un’idea precisa: ignorare il problema ha conseguenze. Un messaggio nobile, ma comunicato in modo problematico.

Il limite principale è che il film finisce per diventare una caricatura delle reali previsioni scientifiche. Tsunami che sommergono Manhattan, tempeste che congelano all’istante, eventi estremi compressi in poche ore. Tutto questo crea immagini potenti, ma rischia anche di semplificare troppo il discorso. Non è difficile capire perché, negli anni, questo tipo di rappresentazione sia stato usato per ridicolizzare il tema del cambiamento climatico.

Eppure, quando si concentra sui personaggi, il film diventa più efficace. All’inizio, il vicepresidente Becker chiede al climatologo Jack Hall:

“Chi pagherà il prezzo dell’Accordo di Kyoto? Costerebbe centinaia di miliardi all’economia mondiale.”

La risposta del film non è immediata, ma si costruisce attraverso le immagini. Quando le città iniziano a crollare, il sottotesto diventa evidente:

“Sai cos’altro è costoso? Quando il mondo diventa inabitabile.”

È qui che il film trova la sua forza. Non nei disastri spettacolari, ma nel confronto tra economia e sopravvivenza. Becker, inizialmente scettico, rappresenta una posizione reale: la paura del costo immediato delle politiche ambientali. Ma nel corso della storia cambia, riconosce l’errore e ammette di aver sottovalutato il problema. Non è un arco narrativo complesso, ma è significativo.

Questa trasformazione funziona anche perché si lega a un tema più ampio: il costo dell’inazione. Il film non dice semplicemente che il cambiamento climatico è pericoloso. Dice che non fare nulla è più costoso che intervenire. Ed è un concetto che resta attuale.

Un altro elemento interessante è il modo in cui vengono rappresentati i più giovani. Sam e il suo gruppo non sono semplici vittime. Sono preparati, intelligenti, capaci di adattarsi. Il film li usa come simbolo: la nuova generazione è quella che dovrà affrontare le conseguenze, ma anche quella che ha gli strumenti per farlo.

Questa scelta diventa ancora più evidente nella seconda metà del film, quando il tono cambia. Dopo una prima parte dominata dal caos, la storia si sposta verso una dimensione più “umana”. La biblioteca diventa un rifugio, i sopravvissuti collaborano, si crea una piccola comunità. Non è solo sopravvivenza, è organizzazione.

Alcuni passaggi possono sembrare troppo semplici. Le crisi si risolvono rapidamente, le coincidenze aiutano i protagonisti, il finale tende a chiudere in modo relativamente positivo. Ma c’è una coerenza di fondo. Il film non vuole raccontare la fine del mondo, ma la possibilità di andare avanti nonostante tutto.

Questo emerge chiaramente nel contrasto tra disperazione e resistenza. A un certo punto, uno dei personaggi esprime un sentimento molto diretto:

“Tutto ciò per cui ho lavorato… era solo una preparazione per un futuro che non esiste più.”

È una reazione comprensibile, quasi inevitabile di fronte a uno scenario del genere. Ma il film non si ferma lì. Ribalta quella prospettiva e propone un’altra idea:

“Il mondo non finisce. Cambia. E noi dobbiamo cambiare con lui.”

Ed è questo il messaggio che resta. Nonostante gli eccessi, le semplificazioni e le forzature, The Day After Tomorrow riesce a chiudere con un concetto chiaro: la crisi non è la fine, ma un punto di svolta.

Certo, si può criticare molto del film. La scienza è semplificata, la politica è idealizzata, la narrazione a tratti troppo comoda. Ma ridurlo a un semplice spettacolo catastrofico sarebbe limitante. Perché, nel suo modo imperfetto, prova comunque a dire qualcosa di preciso.
E forse è proprio questo il motivo per cui, a distanza di anni, continua a essere discusso. Non tanto per quello che mostra, ma per quello che suggerisce. In un genere che spesso punta solo sull’impatto visivo, prova a lasciare un’idea.

E quell’idea, alla fine, è difficile da ignorare: il costo di non fare nulla è sempre più alto del costo di cambiare.

La scena finale di The Day After Tomorrow – L’alba del giorno dopo:

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Ma è nella classifica dei titoli più visti stilata da Nielsen che emergono le dinamiche più rilevanti.

In cima resta Star Wars: Episodio IV – Una nuova speranza, segno di una tenuta culturale intatta. Subito dietro, però, si piazza Star Wars: Episodio I – La minaccia fantasma, seguito da Rogue One: A Star Wars Story. Un dato che conferma una tendenza ormai evidente: la rivalutazione della trilogia prequel.

Ancora più significativo è ciò che manca: nessuno dei film della trilogia sequel – da Star Wars: Il risveglio della Forza a Star Wars: Gli ultimi Jedi fino a Star Wars: L’ascesa di Skywalker – compare nella Top 10.

La trama della saga è ben nota: dalla nascita e caduta di Anakin Skywalker nei prequel, fino al ritorno della minaccia galattica e al percorso di Rey nella trilogia Disney. Ma il modo in cui il pubblico sceglie di tornare a questi capitoli oggi racconta una storia diversa da quella prevista al momento dell’uscita.

I tre film prequel – a lungo criticati – sono ora tutti presenti tra i titoli più visti, con La minaccia fantasma che nel 2025 ha persino superato L’Impero colpisce ancora in termini di visioni. Un ribaltamento che segnala un cambiamento nel rapporto tra pubblico e saga.

Per anni considerati il punto debole del franchise, i prequel sono oggi oggetto di una rilettura critica e affettiva. Non più solo blockbuster imperfetti, ma testi che hanno acquisito valore culturale nel tempo, anche grazie a una nuova generazione di spettatori cresciuta con quei film.

Al contrario, la trilogia sequel targata Disney – pur partita con il successo di J.J. Abrams e proseguita con le scelte più divisive di Rian Johnson – continua a restare un terreno controverso. Le scelte narrative, dalla gestione di Luke Skywalker alla costruzione del personaggio di Rey, hanno contribuito a creare una frattura nel fandom che, a distanza di anni, sembra ancora evidente nei dati.

Il punto non è solo cosa viene visto, ma cosa viene rivisto. E in questo momento, il pubblico sembra tornare con maggiore frequenza ai prequel di Lucas piuttosto che ai capitoli più recenti.

Le ragioni possono essere diverse: nostalgia, rivalutazione critica o semplice reazione a una trilogia più divisiva. Ma il risultato è chiaro: la percezione di Star Wars continua a evolversi nel tempo, e ciò che un tempo era criticato può diventare, anni dopo, il cuore stesso dell’esperienza per molti spettatori.

La TOP10:

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La trama si svolge in una comunità per anziani nel deserto del New Mexico, apparentemente tranquilla ma attraversata da presenze misteriose. Quando un nuovo arrivato scopre che qualcosa di mostruoso si aggira di notte, un gruppo di residenti decide di indagare, mettendo insieme le proprie competenze per svelare la verità.

Secondo la sinossi ufficiale:

«Nella distesa assolata del deserto del New Mexico si trova The Boroughs, una pittoresca comunità per pensionati che promette ai suoi residenti il periodo più bello della loro vita. Ma per il nuovo arrivato Sam Cooper il paradiso sembra più una prigione. Tutto cambia quando un terrificante incontro notturno rivela che qualcosa di mostruoso si aggira tra le strade. Ignorato dalle autorità, Sam trova alleati improbabili tra un gruppo di residenti sottovalutati che dovranno unire le forze per scoprire la verità prima che sia troppo tardi.»

A guidare il cast è Alfred Molina, affiancato da Geena Davis, Alfre Woodard, Bill Pullman, Clarke Peters e Denis O’Hare. Un ensemble che rafforza l’identità della serie, costruita attorno a personaggi maturi e spesso ignorati.

È proprio questo l’elemento distintivo: non adolescenti, ma adulti e anziani alle prese con l’ignoto. Una variazione che permette alla serie di esplorare temi come l’invecchiamento, la percezione sociale e la perdita di rilevanza, senza rinunciare alla componente thriller.

Dietro il progetto ci sono Jeffrey Addiss e Will Matthews, con il coinvolgimento dei fratelli Duffer, elemento che inevitabilmente alza le aspettative.

Il trailer punta su atmosfera e tensione più che su spiegazioni, suggerendo una narrazione costruita su progressiva scoperta e senso di minaccia.

The Boroughs debutterà su Netflix il 21 maggio con una stagione composta da 8 episodi:

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