The Accountant, diretto da Gavin O’Connor e interpretato da Ben Affleck, è un thriller d’azione del 2016 che sfida le convenzioni del genere. Non è il solito action movie muscolare e senza cervello, ma un film che intreccia dramma psicologico, tensione investigativa e sequenze d’azione calibrate con intelligenza. La durata di 128 minuti permette alla narrazione di respirare, di costruire strati su strati fino a rivelare un protagonista complesso, sfaccettato, umano.

La storia si sviluppa su binari paralleli che progressivamente convergono. Da una parte c’è Christian, che opera sotto la supervisione di una figura misteriosa nota solo come “La Voce”, broker invisibile tra lui e i cartelli della droga, le organizzazioni mafiose, i trafficanti internazionali. Il suo compito è semplice sulla carta: riconciliare conti, individuare perdite, ottimizzare flussi finanziari illeciti. Una competenza tecnica che lo rende indispensabile ai peggiori criminali del pianeta.

Dall’altra parte troviamo Raymond King, interpretato da un magistrale J.K. Simmons fresco di Oscar per Whiplash. King è il capo della Divisione anti-crimine finanziario del Dipartimento del Tesoro, e Christian Wolff rappresenta la sua ossessione personale, la sua “Moby Dick” come viene definito nel film. Per stanarlo, King si affida a Marybeth Medina, un’analista con un passato turbolento che diventa fondamentale nell’indagine.

Quello che doveva essere un lavoro di routine si trasforma rapidamente in un vortice di violenza. Avvicinarsi alla verità significa scoperchiare segreti che qualcuno è disposto a proteggere a qualunque costo. I cadaveri iniziano ad accumularsi, le minacce si moltiplicano, e Christian si trova costretto a utilizzare competenze che vanno ben oltre la ragioneria forense.

Perché il contabile Wolff nasconde un’altra identità: è un combattente letale, addestrato sin dall’infanzia dal padre alle arti marziali e all’uso delle armi. La sua formazione è stata brutale, quasi disumana, ma funzionale a trasformare quello che molti considererebbero un limite – la sindrome di Asperger con le sue difficoltà sociali e le sue rigidità comportamentali – in un’arma. La capacità di concentrazione assoluta, l’attenzione maniacale ai dettagli, la resistenza al dolore fisico ed emotivo: tutto diventa parte del suo arsenale.

The Accountant è un thriller intelligente che merita attenzione. Un film che dimostra come si possa costruire un action movie adulto, dove l’azione nasce dalla caratterizzazione dei personaggi e non viceversa, dove il cervello conta quanto i pugni, dove la diversità neurologica diventa forza senza scadere nella caricatura. Un contabile che fa i conti con la malavita, con il proprio passato e con la possibilità di una redenzione impossibile.

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Il film, prodotto da Netflix e destinato a una distribuzione cinematografica internazionale, adatta per la prima volta l’omonimo romanzo di C.S. Lewis, pubblicato nel 1955. Anziché riproporre le avventure già raccontate nei precedenti adattamenti, Gerwig sceglie di tornare alle origini del mondo fantastico, raccontando gli eventi che precedono Il leone, la strega e l’armadio.

Le prime immagini rivelano però una scelta estetica sorprendente: colori psichedelici, suggestioni rock e un immaginario visivo lontano dal fantasy tradizionale, accompagnati dalle note di Stairway to Heaven dei Led Zeppelin.

Narnia: Il Nipote del Mago, il trailer mostra la nascita del mondo fantastico

Protagonisti della storia sono Digory Kirke e Polly Plummer, interpretati dai giovani David McKenna e Beatrice Campbell. I due bambini scoprono l’esistenza di anelli magici capaci di trasportarli tra universi differenti, dando inizio a un’avventura che li condurrà ad assistere alla creazione di Narnia.

Il trailer si apre in una Londra dai toni relativamente sobri, prima che l’esperimento magico dello zio Andrew, interpretato da Daniel Craig, spalanchi le porte a paesaggi fantastici, dimensioni cosmiche e creature straordinarie.

Tra queste compare naturalmente Aslan, il grande leone al quale presta la voce Meryl Streep. Nel romanzo di Lewis è proprio il suo canto a dare origine a Narnia, un’immagine che Gerwig sembra voler tradurre in uno spettacolo visivo di proporzioni cosmiche.

La regista ha spiegato a Netflix quanto questa particolare idea l’abbia affascinata fin dall’infanzia: il concetto di un universo che nasce attraverso la musica è rimasto con lei molto prima che immaginasse di diventare una cineasta.

Il film introdurrà inoltre Jadis, interpretata da Emma Mackey, destinata a diventare la Strega Bianca. La sua presenza permette di esplorare le origini di uno dei personaggi più importanti dell’intera saga, mostrando come il male sia entrato nel mondo di Narnia.

Greta Gerwig reinventa Narnia tra rock, psichedelia e anni Cinquanta

Uno degli aspetti più discussi del trailer riguarda l’impostazione estetica scelta dalla regista. Le immagini alternano scenari fantastici fortemente digitalizzati, colori saturi e composizioni visionarie che si allontanano dall’iconografia medievaleggiante associata ai precedenti film della saga.

Come osservato da World of Reel e GeekTyrant, l’insieme richiama in alcuni momenti l’estetica delle illustrazioni fantasy psichedeliche e della cultura rock, con suggestioni che sembrano avvicinare l’universo di Lewis a un immaginario più contemporaneo.

A rendere ancora più evidente questa direzione è la presenza di Stairway to Heaven dei Led Zeppelin, utilizzata nel trailer per accompagnare il passaggio dal mondo ordinario alla dimensione fantastica. Secondo The Guardian, Gerwig ha ottenuto personalmente i diritti per utilizzare il brano, coerentemente con il ruolo centrale che la musica assume nella sua interpretazione della creazione di Narnia.

La regista ha inoltre spostato l’ambientazione terrestre agli anni Cinquanta, anziché mantenere il contesto storico del romanzo, collocato all’inizio del Novecento. Una modifica significativa, che consente di introdurre riferimenti alla cultura britannica del dopoguerra e alla nascente sensibilità rock.

Non si tratta dunque soltanto di una nuova veste visiva, ma di una rilettura che potrebbe modificare il rapporto tra il mondo reale e quello fantastico, pur conservando i personaggi e gli eventi fondamentali del libro.

Un cast stellare e un budget da 280 milioni di dollari

Accanto ai due giovani protagonisti, Narnia: Il Nipote del Mago riunisce un cast che comprende Daniel Craig, Emma Mackey, Meryl Streep, Carey Mulligan, Ciarán Hinds, Denise Gough, Susan Wokoma e Kobna Holdbrook-Smith.

La colonna sonora originale è affidata a Mark Ronson e Andrew Wyatt, già collaboratori di Gerwig per Barbie, mentre la fotografia è firmata da Seamus McGarvey.

Le dimensioni produttive sono altrettanto considerevoli. Secondo quanto riferito da World of Reel, citando dichiarazioni dello stesso McGarvey, il film avrebbe un budget di circa 280 milioni di dollari, cifra che lo collocherebbe tra le produzioni più costose mai realizzate da Netflix.

Un investimento che trova riscontro nell’ambizione delle immagini mostrate dal trailer, dove la nascita di Narnia viene rappresentata attraverso ambientazioni monumentali, creature digitali e spettacolari sequenze cosmiche.

Gerwig sembra quindi intenzionata a costruire un fantasy capace di distinguersi tanto dai precedenti adattamenti cinematografici quanto dalle produzioni contemporanee del genere, puntando su una combinazione di spettacolarità, musica e immaginario fiabesco.

Quando esce Narnia: Il Nipote del Mago in Italia e su Netflix?

Narnia: Il Nipote del Mago arriverà nei cinema italiani l’11 febbraio 2027, come confermato dal trailer pubblicato da Sony Pictures Italia e dal sito ufficiale di Eagle Pictures.

Negli Stati Uniti e in altri mercati internazionali, l’uscita è fissata al 12 febbraio, con alcune anteprime IMAX a partire dal 10 febbraio. Il film debutterà successivamente su Netflix il 2 aprile 2027.

La distribuzione rappresenta una scelta significativa per la piattaforma, che ha deciso di riservare al kolossal di Gerwig una vera finestra cinematografica internazionale, anziché limitarne la presenza nelle sale a pochi giorni.

Resta da vedere come il pubblico accoglierà questa reinterpretazione, che già dalle prime immagini appare molto distante dal tono dei film diretti da Andrew Adamson negli anni Duemila.

Di seguito, il trailer ufficiale italiano di Narnia: Il Nipote del Mago.

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Ray, Clare e la loro figlioletta Zoe sono rinchiusi in un bunker antiatomico da 301 giorni. Trecentouno giorni di buio, di paura, di vita ridotta all’essenziale. Fuori, sulla superficie, si aggira qualcosa di mostruoso, conseguenza di una devastante epidemia che ha spazzato via il mondo come lo conoscevano. O almeno, questo è ciò che crediamo all’inizio.

Alexander Skarsgård e Andrea Riseborough interpretano i due genitori con una credibilità che regge l’intero impianto narrativo. Skarsgård, lontano anni luce dal suo Eric Northman di True Blood, costruisce un padre protettivo ma segnato, capace di alternare tenerezza e determinazione spietata. Riseborough porta sullo schermo una madre dilaniata tra l’istinto di proteggere la figlia e la necessità di mantenere la lucidità in una situazione al limite della sopportazione umana. Emily Alyn Lind, nel ruolo della piccola Zoe, completa il triangolo emotivo con una performance che sa essere sia innocente che inquietante, a seconda di come la cinepresa sceglie di inquadrarla.

Il bunker diventa un personaggio a sé stante. Angusto, buio, umido, con le sue scorte che lentamente si esauriscono e i suoi spazi che si fanno sempre più opprimenti. I fratelli Duffer dimostrano già qui la capacità di costruire atmosfere sospese, di dosare le informazioni con parsimonia, di giocare con le aspettative del pubblico. Le riprese si sono svolte in Canada, nella zona di Vancouver e nella Columbia Britannica, ma la location vera è quella psicologica: un luogo mentale dove la paura del mondo esterno si mescola alla tensione interna di una famiglia costretta a convivere con se stessa, senza vie di fuga.

Quello che emerge con forza è la capacità del film di parlare, quasi profeticamente, di temi che sarebbero diventati centrali pochi anni dopo. La paranoia verso le pandemie, la paura del contagio, l’isolamento forzato, la necessità di proteggersi da minacce invisibili: Hidden racconta tutto questo nel 2015, molto prima che il mondo si fermasse davvero. Non è un caso se, rivedendolo dopo l’esperienza del Covid-19, molte scene assumono una risonanza diversa, più profonda, quasi disturbante nella loro capacità di anticipare dinamiche collettive che credevamo lontane.

Il film si inserisce in quella tradizione del thriller psicologico che gioca con la percezione dello spettatore, alla maniera di The Others o di certi episodi di The Twilight Zone. Non cerca lo splatter facile, non punta sugli jump scare gratuiti. Preferisce lavorare sull’inquietudine strisciante, sul dubbio che corrode, sulla sensazione che qualcosa non quadri. È un approccio che richiede pazienza, che non premia chi cerca emozioni immediate, ma che sa regalare una soddisfazione più duratura a chi accetta di farsi condurre per mano.

Hidden – Senza via di scampo non è un capolavoro, e sarebbe disonesto presentarlo come tale. È un film con evidenti limiti, specialmente nel finale, dove alcune scelte narrative appaiono meno rifinite rispetto al resto. Ma è anche un’opera che merita rispetto per l’intelligenza della sua costruzione, per la capacità di creare tensione con mezzi limitati, per il coraggio di tentare un ribaltamento audace. E soprattutto, per chi conosce e ama Stranger Things, è un tassello fondamentale per comprendere da dove vengano i Duffer, quali siano le loro ossessioni narrative, come abbiano imparato a maneggiare suspense e rivelazioni.

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Annunciato lo scorso luglio, il progetto è ancora nelle prime fasi di sviluppo, ma Duffield ha finalmente condiviso qualche aggiornamento durante il New York Comic Con 2026. E dalle sue parole emerge un dettaglio particolarmente interessante: l’idea alla base del film non seguirà necessariamente le aspettative di chi conosce già il mostro.

Siren Head: Brian Duffield anticipa un film diverso dalle aspettative

Intervistato da Polygon durante la convention, Duffield ha spiegato che gli impegni professionali suoi e di Cregger hanno rallentato il lavoro sulla sceneggiatura, senza però interrompere la collaborazione.

«Devo fare una telefonata a Zach Cregger, perché sono stato molto impegnato con la promozione, e poi lui era impegnato nel tour promozionale di Resident Evil. È qualcosa su cui dobbiamo metterci al lavoro», ha raccontato.

Il regista e sceneggiatore ha quindi spiegato come sia nata la collaborazione e quale ruolo stia assumendo Trevor Henderson, l’artista canadese che ha creato Siren Head nel 2018:

«Sono davvero entusiasta. È un progetto che Zach mi ha proposto un paio di mesi fa, e nel frattempo è stato molto divertente conoscere Trevor Henderson, il creatore di Siren Head. È stato interessante fargli domande del tipo: “Siren Head può fare questo?”, “Può fare quest’altro?”, ricevere le sue risposte e sottoporgli le idee che io e Zach stiamo sviluppando, vedendo quanto lo entusiasmino».

Il coinvolgimento diretto di Henderson rappresenta un elemento significativo: anziché limitarsi a utilizzare l’aspetto della creatura, gli autori stanno cercando di comprenderne le caratteristiche e i limiti, confrontandosi con chi l’ha inventata.

Ma è soprattutto un’altra dichiarazione di Duffield a suggerire che Siren Head potrebbe allontanarsi dalla struttura più prevedibile di un monster movie:

«Penso che l’idea concepita da Zach Cregger non sia quella che la gente si aspetta, ma la trovo davvero entusiasmante. È qualcosa che, finora, sembra entusiasmare molto anche Trevor. Non vedo l’ora di immergermici, dopo essermi concesso un lunghissimo sonno al termine di Whalefall».

Duffield non ha precisato in che cosa consista questa impostazione inaspettata. Al momento, quindi, non è possibile stabilire se il film punterà su una particolare interpretazione della creatura, su una struttura narrativa insolita o su un approccio differente all’horror soprannaturale.

Chi è Siren Head, il mostro diventato un fenomeno su Internet?

Creato da Trevor Henderson nel 2018, Siren Head è un’entità mostruosa alta circa dodici metri, caratterizzata da un corpo scheletrico, dall’aspetto quasi cadaverico, e da due enormi sirene al posto della testa.

La sua anatomia impossibile, che combina caratteristiche organiche ed elementi meccanici, è diventata rapidamente riconoscibile nell’immaginario dell’horror online. Il personaggio ha alimentato racconti, illustrazioni, videogiochi e video che ne hanno progressivamente ampliato la mitologia.

Secondo i dati riportati da Bloody Disgusting, il fenomeno ha generato circa tre miliardi di visualizzazioni su TikTok, un miliardo su YouTube e milioni di sessioni di gioco su Roblox.

Una popolarità che rende comprensibile l’interesse di Hollywood, ma pone anche una difficoltà creativa: trasformare una figura nata soprattutto per provocare inquietudine attraverso immagini e brevi racconti in un personaggio capace di sostenere un intero lungometraggio.

È proprio in questa prospettiva che potrebbe rivelarsi importante il contributo di Cregger, già interessato nei suoi precedenti lavori a sovvertire le aspettative del pubblico e a costruire storie horror che cambiano direzione nel corso del racconto.

Zach Cregger e Brian Duffield: a che punto è il film?

Il progetto è stato annunciato nel luglio 2026 per Warner Bros., con Cregger e Duffield impegnati nella scrittura della sceneggiatura e quest’ultimo indicato come probabile regista.

Entrambi sono però coinvolti in altri lavori. Cregger è impegnato con il nuovo Resident Evil e ha in preparazione anche il progetto fantascientifico The Flood, mentre Duffield sta promuovendo Whalefall, il suo nuovo film in uscita nell’ottobre 2026.

Le dichiarazioni raccolte da Polygon confermano che i due stanno sviluppando idee insieme a Henderson, ma suggeriscono anche che la sceneggiatura non sia ancora stata completata. Non sono stati annunciati interpreti, una data di inizio delle riprese o una finestra di distribuzione.

Per il momento, l’aspetto più promettente di Siren Head resta dunque l’intenzione dichiarata di evitare un adattamento troppo convenzionale. La sfida sarà conservare il potere perturbante di una creatura ormai familiare a milioni di utenti, riuscendo comunque a mostrarla sotto una luce completamente nuova.

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Mark Kimball è il favorito alle elezioni per la poltrona di sindaco di Los Angeles. Ha investito tutto nella sua campagna elettorale: soldi, tempo, energie, persino il suo matrimonio con Abigail, psicoterapeuta interpretata da Kerry Washington. Lei lo ama, forse lo ha amato, ma la corsa al potere ha logorato ogni intimità, facendo emergere crepe profonde che nessuno dei due ha più voglia di nascondere. Sono a pochi giorni dal voto quando, nella notte di Halloween, il loro figlio Denny viene rapito. La richiesta è di sette milioni di dollari. Soldi che Mark non ha più, bruciati nella costosa macchina elettorale.

La situazione precipita in una spirale di scelte impossibili. Mark non può rivolgersi alla polizia senza compromettere la campagna e perdere la fiducia degli elettori. Non può pagare il riscatto perché è al verde. E non può permettersi di perdere suo figlio. Quando il suo braccio destro, interpretato da Steven Yeun, gli suggerisce di contattare Dayle Burton, una risolutrice senza scrupoli con il volto di Gillian Anderson, Mark accetta. Ma quella telefonata spalanca le porte di un labirinto di inganni, tradimenti e violenza dal quale non sarà facile uscire.

Come spiega uno dei personaggi del film, siamo solo animali che raccontano delle storie. Quando la minaccia colpisce i nostri affetti più cari, l’istinto primordiale prende il sopravvento. Le regole sociali, l’etica, persino la legge diventano ostacoli da aggirare. Mark Kimball si presenta come un idealista, un uomo del popolo che vuole cambiare Los Angeles senza distinzioni di etnia o classe sociale. Ma quando si trova con le spalle al muro, scopre cosa si nasconde davvero sotto la maschera del politico integerrimo.

Affleck costruisce un doppio binario narrativo: da una parte il thriller puro, fatto di tensione crescente, colpi di scena e una regia che sa quando accelerare e quando lasciare respirare lo spettatore. Dall’altra, una dolorosa terapia di coppia tra Mark e Abigail, dove i non detti esplodono con la forza di una bomba a orologeria. Lei lo ha tradito, lui l’ha trascurata. Il rapimento del figlio diventa il catalizzatore che fa crollare definitivamente le apparenze.

Kerry Washington regala una prova intensa, lontana dai personaggi che l’hanno resa celebre. Ma è Affleck a dominare la scena. Come attore, restituisce un uomo che si sgretola pezzo dopo pezzo, scoprendo che i propri valori possono essere negoziabili quando la posta in gioco è la vita di tuo figlio. Come regista, dimostra ancora una volta di avere un controllo totale del mezzo cinematografico: la tensione non cala mai, i personaggi sono tridimensionali, la fotografia alternata tra i riflettori accecanti della campagna elettorale e le ombre cupe della Los Angeles notturna dove si consuma il crimine.

Il film pone interrogativi scomodi sulla politica contemporanea. Non conta tanto la verità, quanto la narrazione che riesci a imporre. Mark impara sulla propria pelle che l’immagine pubblica può essere più importante della realtà dei fatti. E che per mantenere quella facciata, si è disposti a sacrificare quasi tutto. È una riflessione amara su un sistema che premia l’apparenza e punisce la sincerità.

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Il film segna l’esordio nel lungometraggio dello sceneggiatore e regista Joshua Giuliano, che recupera gli elementi più riconoscibili dello slasher classico — isolamento, vulnerabilità delle vittime e un assassino apparentemente inarrestabile — per costruire una storia di sopravvivenza ambientata lungo un fiume sperduto.

River: il trailer e la trama del nuovo slasher

Al centro della vicenda ci sono tre fratelli che hanno interrotto da tempo i rapporti e decidono di riunirsi dopo la morte del padre. Il loro obiettivo è raggiungere in barca un luogo isolato lungo il fiume, particolarmente caro all’uomo, per disperderne le ceneri.

Quella che dovrebbe essere un’occasione per affrontare il lutto e, forse, ricucire vecchie fratture familiari si trasforma rapidamente in una trappola. Quando l’imbarcazione si guasta, i tre rimangono bloccati a chilometri di distanza da qualsiasi possibile soccorso, senza copertura telefonica.

È allora che si accorgono di non essere soli: una figura inquietante, priva di un volto riconoscibile, li osserva dalla riva. L’individuo emerge dai boschi e comincia a dar loro la caccia, costringendo i fratelli a mettere da parte i rancori per tentare di sopravvivere alla notte.

Il trailer insiste proprio sull’assenza di vie di fuga: il fiume, anziché rappresentare una possibilità di salvezza, diventa un ambiente ostile, mentre il bosco circostante nasconde una minaccia dalla presenza quasi mitologica.

Jane Levy e Jessica Rothe contro il killer interpretato da Dane DiLiegro

Accanto a Jane Levy e Jessica Rothe, che interpretano due dei fratelli protagonisti, troviamo Max Mattern, già apparso in Devil in Disguise: John Wayne Gacy.

A impersonare il misterioso persecutore è invece Dane DiLiegro, interprete particolarmente adatto a ruoli di creature e figure minacciose grazie anche alla sua imponente presenza fisica. Gli appassionati lo ricorderanno soprattutto per aver interpretato il Predator in Prey di Dan Trachtenberg.

La scelta delle due protagoniste costituisce uno degli elementi più interessanti del progetto: Levy aveva già affrontato un assedio brutale nel remake di La casa e nel thriller Man in the Dark, mentre Rothe aveva conquistato il pubblico horror con la combinazione di slasher e commedia temporale di Auguri per la tua morte.

Le prime recensioni: uno slasher vecchia scuola, brutale e senza tregua

River ha inaugurato la sezione Midnight Madness del Toronto International Film Festival 2026 ed è stato presentato anche al Festival di Sitges, dove ha partecipato al concorso ufficiale fantastico. Blumhouse–Atomic Monster ne ha acquisito i diritti di distribuzione dopo la première di Toronto, confermando l’interesse suscitato dal debutto di Giuliano.

Le prime recensioni descrivono un horror che non cerca necessariamente di reinventare le regole del genere, ma le sfrutta con precisione. Nella sua recensione per Bloody Disgusting, Meagan Navarro sottolinea il ritmo serrato, l’efficacia del cast e soprattutto l’utilizzo dell’ambientazione fluviale come parte integrante della tensione.

Le reazioni raccolte nel trailer parlano di un’esperienza horror viscerale, mentre IndieWire promette un’immersione nel terrore puro. Al di là dei giudizi promozionali, è soprattutto l’impostazione essenziale a distinguere il progetto: pochi personaggi, uno spazio apparentemente aperto ma impossibile da abbandonare e un predatore che sembra conoscere ogni possibile via di fuga.

Una curiosità riguarda anche la lavorazione: durante un’intervista al Toronto Film Festival, il cast ha raccontato le difficoltà delle lunghe riprese notturne sull’acqua, realizzate sia in un vero fiume sia in uno specchio d’acqua artificiale.

Quando esce River al cinema?

Negli Stati Uniti, River arriverà nelle sale il 15 gennaio 2027, distribuito da Universal Pictures. Il film ha già ricevuto una classificazione Rated R per la forte violenza sanguinosa, alcune immagini particolarmente macabre e il linguaggio esplicito.

Per il momento non è stata annunciata una data di uscita italiana.

Di seguito, il trailer ufficiale di River, che anticipa l’incubo fluviale orchestrato da Joshua Giuliano.

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Cosa succederebbe se un uomo completamente incapace di sentire dolore si trovasse costretto a diventare un eroe d’azione? Nathan Caine, interpretato da Jack Quaid, è nato con una patologia rarissima chiamata CIPA, acronimo di Insensibilità Congenita al Dolore con Anidrosi. Questa condizione genetica gli impedisce di percepire qualsiasi stimolo doloroso e di sudare, costringendolo a una vita di precauzioni estreme. Frulla il cibo per evitare di mordersi inconsapevolmente la lingua, porta sempre con sé un timer per ricordarsi quando andare in bagno, e vive in un regime di iperprotezione che lo ha reso un uomo timido, metodico e abitudinario.

La sua esistenza grigia da impiegato di banca, vice direttore di una piccola filiale, viene sconvolta quando alcuni rapinatori mascherati da Babbi Natale irrompono nel suo luogo di lavoro e prendono in ostaggio Sherry, la giovane stagista di cui Nathan si è perdutamente invaghito. È in quel momento che la sua maledizione si trasforma in un dono letale. Senza la paura di soffrire, Nathan si lancia in una missione disperata per salvare la donna che ama, affrontando ostacoli e nemici con una determinazione fuori dal comune. Quello che ne emerge è un action movie demenziale e sopra le righe, dove le scene di violenza si alternano a gag comiche e momenti romantici, il tutto condito da litri di sangue finto e coreografie ardite.

Jack Quaid, figlio d’arte di Dennis Quaid e Meg Ryan, porta sullo schermo un personaggio che oscilla tra la vulnerabilità e una forza quasi superumana. La sua interpretazione riesce a bilanciare i toni contrastanti della sceneggiatura firmata da Lars Jacobson, che mescola thriller, commedia romantica e black comedy in un cocktail esplosivo. Al suo fianco troviamo Amber Midthunder nel ruolo di Sherry, Ray Nicholson, altro figlio d’arte (stavolta di Jack Nicholson e Rebecca Broussard), nei panni del cattivo Simon, e un cast di supporto che include Matt Walsh, Jacob Batalon e Betty Gabriel.

La regia di Berk e Olsen non si prende mai troppo sul serio. Il duo ha costruito un film che strizza l’occhio ai classici action anni Novanta e ai fumetti, con un’estetica pop e una narrazione che privilegia il ritmo serrato e l’intrattenimento puro. Alcune scene costringono letteralmente lo spettatore a girarsi dall’altra parte: unghie strappate, pollici spezzati, ustioni di terzo grado affrontate con distaccata indifferenza. Eppure, grazie al tono leggero e alla consapevolezza autoironica del film, queste sequenze diventano parte integrante dell’esperienza, più vicine al cartone animato che all’horror gratuito.

Mr. Morfina dura 109 minuti e non conosce cali di ritmo. Riesce a intrattenere senza pretese intellettuali, offrendo allo spettatore esattamente quello che promette: un’ora e mezza di evasione adrenalinica, risate nervose e qualche momento di tenerezza. Il film non reinventa la ruota, ma la fa girare con efficacia, pescando a piene mani dai luoghi comuni del genere senza vergognarsi, anzi facendone una bandiera. È un’operazione nostalgica per chi ricorda con affetto le commedie action degli anni Duemila, quando film come Kick-Ass o Scott Pilgrim vs. the World dimostravano che si poteva mescolare violenza, humour e romanticismo senza scadere nel cinismo.

Mr. Morfina non è un capolavoro, non ambisce a esserlo. È un film che sa cosa vuole essere e lo fa con convinzione: un prodotto di intrattenimento puro, capace di far ridere, sussultare e, perché no, persino commuovere in qualche passaggio.

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Un’operazione rischiosa, visto che in Europa quasi nessuno conosceva quella serie cult che aveva segnato un’intera generazione oltreoceano. Eppure, proprio in questa scommessa risiede uno degli aspetti più affascinanti del film: la capacità di prendere un prodotto di nicchia e trasformarlo in qualcosa di universale, giocando con i codici del genere horror e sovvertendoli completamente.

La storia prende avvio sul finire del Settecento, quando Barnabas Collins, ricco e spietato playboy figlio di immigrati inglesi che hanno costruito un impero in America, commette l’errore fatale di spezzare il cuore della bella Angelique. Lei, però, non è una donna qualunque: è una strega potente e vendicativa che, per punirlo, uccide la sua amata Josette e lo condanna a un destino peggiore della morte. Lo trasforma in vampiro e lo fa seppellire vivo in una bara, dove Barnabas rimarrà intrappolato per due secoli interi.

Nel 1972, una squadra di operai edili scoperchia accidentalmente la sua tomba durante degli scavi. Barnabas emerge finalmente, assetato di sangue ma soprattutto disorientato da un mondo che non riconosce più. Ed è qui che il film di Burton compie la sua mossa più intelligente: invece di mostrarci l’ennesimo vampiro terrificante che semina il panico, ci presenta un “non morto” terrorizzato dalla modernità. Le automobili, i semafori, la musica rock, i McDonald’s, le lampade al neon: tutto ciò che per noi è ordinario diventa per Barnabas fonte di meraviglia e spavento. Il vampiro, tradizionalmente incarnazione della paura, si trova a essere lui stesso impaurito.

Questa inversione è il cuore pulsante del film. Seth Grahame-Smith, sceneggiatore del progetto, ha dichiarato di aver voluto evitare sia l’horror puro sia il romance smielato, puntando invece su un equilibrio tra umorismo nero e atmosfere gotiche. Il risultato è un’opera che si prende gioco dei propri stessi codici, una commedia macabra che non chiede di essere presa troppo sul serio ma che allo stesso tempo dimostra un rispetto profondo per il materiale originale.

Johnny Depp, fan della serie sin da bambino, è stato non solo il protagonista ma anche uno dei produttori del film. Per lui interpretare Barnabas Collins rappresentava la realizzazione di un sogno coltivato fin dalla metà degli anni Duemila. Il personaggio era stato reso iconico in TV da Jonathan Frid, attore che aveva dato vita al vampiro per cinque anni di programmazione quotidiana. Impossibile cancellare quella memoria dall’immaginario collettivo, così Depp ha scelto una strada diversa: invece di rinnegare l’interpretazione di Frid, ha deciso di omaggiarla, mantenendone la gestualità compassata e l’impostazione vocale ma aggiungendo il proprio tocco personale attraverso un linguaggio fiorito, quasi barocco, che rende Barnabas un gentiluomo fuori tempo massimo.

Dark Shadows è un divertissement volutamente esagerato, un caleidoscopio di riferimenti visivi e narrativi che funziona meglio se lo si accetta per quello che è: non un horror spaventoso, non una commedia demenziale, ma qualcosa a metà strada, un ibrido che celebra l’artificiosità del cinema e il piacere del racconto fine a se stesso. È un film che parla a chi ama il gotico in tutte le sue declinazioni, a chi apprezza l’estetica sopra le righe, a chi non ha paura di mescolare registri e generi.

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Uscito il 22 dicembre 2017 in esclusiva sulla piattaforma di streaming, Bright ha immediatamente polarizzato critica e pubblico. Da un lato, un massacro quasi unanime da parte dei recensori professionisti: su Rotten Tomatoes il film si è fermato a un misero 26% di gradimento, mentre Metacritic gli ha assegnato appena 29 su 100. Dall’altro, un riscontro di pubblico decisamente più generoso, con 6,3 su IMDb e soprattutto numeri di visualizzazione che hanno convinto Netflix a confermare immediatamente un sequel.

La trama si sviluppa attorno alla coppia di poliziotti formata da Daryl Ward, interpretato da Smith, e Nick Jakoby, un orco sotto pesante trucco prostetico affidato a Joel Edgerton. Jakoby è il primo orco nella storia ad entrare nella polizia di Los Angeles, e questo gli vale l’ostilità tanto dei colleghi umani quanto della sua stessa comunità. Durante un turno di pattuglia, i due si imbattono in Tikka, un’elfa in possesso di una bacchetta magica: un artefatto di potere immenso che può essere maneggiato solo dai “Bright”, individui dotati di particolari capacità. Chi non lo è e tenta di toccare la bacchetta si polverizza all’istante.

L’idea di base non manca di fascino. Immaginare un mondo dove le creature tolkeniane sono sopravvissute fino ai giorni nostri, integrandosi nella società moderna con tutti i conflitti che questo comporta, offre spunti narrativi interessanti. Gli orchi occupano il gradino più basso della scala sociale, vittime di pregiudizi sistemici e segregati nei quartieri più degradati. Gli elfi, al contrario, costituiscono un’élite ricca e potente. Una metafora nemmeno troppo velata delle dinamiche razziali che attraversano la società americana.

Il problema è che Ayer sceglie di giocare questa carta in modo incredibilmente superficiale. Il sottotesto sul razzismo viene appena accennato attraverso battute e situazioni che ricalcano pedissequamente il cliché del buddy cop movie, senza mai sviluppare davvero la complessità del mondo che ha costruito. È come se il regista avesse preso l’universo narrativo di Shadowrun o di un qualsiasi gioco di ruolo urban fantasy, lo avesse svuotato di profondità e ci avesse infilato dentro l’ennesimo poliziesco action con sparatorie, inseguimenti e dialoghi che alternano cinismo e battute ironiche.

Sul piano tecnico, l’impegno produttivo è innegabile. Il trucco prostetico degli orchi è convincente, così come la ricostruzione di una Los Angeles alternativa dove insegne elfiche luminose convivono con graffiti e degrado urbano. Il budget si vede nella cura dei dettagli visivi, negli effetti speciali, nella fotografia cupa e desaturata che Ayer predilige. Ma la confezione patinata non basta a mascherare la mancanza di sostanza narrativa.

In un’epoca dove le visualizzazioni contano più dei giudizi critici, dove un film può essere considerato vincente anche con recensioni disastrose purché generi ore di visione sulla piattaforma, i parametri tradizionali vacillano. E forse è proprio questo il vero lascito di Bright: non tanto il film in sé, quanto la dimostrazione che nel mondo dello streaming le regole del gioco sono cambiate, nel bene e nel male.

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Il film arriverà nei cinema italiani il 12 novembre, anche in IMAX, ma il pubblico potrà scoprirlo in anteprima nazionale il 31 ottobre a Lucca Comics & Games 2026.

Dopo i precedenti teaser e il primo trailer, il nuovo filmato approfondisce l’atmosfera apocalittica del sequel, mostrando un Giappone che, appena due anni dopo la precedente catastrofe, si trova nuovamente sull’orlo della distruzione.

La storia riparte nel 1949, due anni dopo gli eventi di Godzilla Minus One: il Paese sta ancora tentando di risollevarsi dalle conseguenze della Seconda Guerra Mondiale e dal precedente attacco del kaiju quando Godzilla riemerge, distruggendo la fragile normalità conquistata dalla popolazione. La sinossi ufficiale non lascia molto spazio all’ottimismo: «Non ci sarà una terza volta. Tutto finisce qui».

Godzilla Minus Zero: il Trailer 2 mostra un Giappone sull’orlo dell’apocalisse

Il nuovo trailer si apre con le inquietanti parole del dottor Ogata, interpretato da Jun Kunimura, prima di immergere lo spettatore in una successione di immagini sempre più catastrofiche.

Una donna rimane intrappolata all’interno di una casa sospesa a mezz’aria, mentre esplosioni e macerie investono il paesaggio circostante. Il raggio atomico di Godzilla attraversa uno scenario ormai fuori controllo, lasciando dietro di sé una scia di distruzione.

Al centro della storia ritroveremo Ryunosuke Kamiki nei panni dell’ex pilota Kōichi Shikishima e Minami Hamabe in quelli di Noriko. Insieme alla piccola Akiko, i due hanno cercato di ricostruire una vita dopo gli eventi del precedente film, ma il ritorno del mostro minaccia di cancellare tutto ciò che sono riusciti a riconquistare.

È proprio questa vicinanza temporale a rappresentare uno degli elementi sui quali Yamazaki costruisce il sequel. Invece di limitarsi ad aumentare le dimensioni dello spettacolo, il regista torna a confrontarsi con il trauma provocato da una catastrofe che si ripresenta quando le sue vittime non hanno ancora avuto il tempo di riprendersi.

Il Trailer 2 suggerisce inoltre che il kaiju potrebbe trovarsi davanti a qualcosa di inedito. Il materiale promozionale parla infatti di una minaccia di proporzioni ancora più devastanti, con la quale persino Godzilla sarebbe destinato a confrontarsi.

Già le immagini precedenti, insieme a un misterioso ruggito, avevano alimentato online le ipotesi sulla possibile presenza di un’altra creatura. Per il momento, però, TOHO non ha confermato ufficialmente l’arrivo di un secondo kaiju, e qualsiasi identificazione con mostri già conosciuti della saga rimane una teoria dei fan.

Standing ovation alla première di New York: le prime reazioni al film

Il nuovo trailer arriva dopo la prima mondiale di Godzilla Minus Zero, tenutasi il 26 settembre al New York Film Festival.

Secondo quanto comunicato da Plaion Pictures, la proiezione si è conclusa con una standing ovation e il film ha raccolto reazioni particolarmente positive da parte della critica e del pubblico statunitense.

Tra gli aspetti maggiormente apprezzati figurerebbero la spettacolarità delle sequenze d’azione, la componente emotiva e la capacità del sequel di ampliare la scala narrativa e visiva del precedente capitolo senza rinunciare alla dimensione umana della storia.

Il distributore riferisce inoltre che alcuni commentatori hanno già evocato una possibile nuova corsa agli Oscar, arrivando ad auspicare una candidatura anche nella categoria Miglior Film. Si tratta, naturalmente, di valutazioni preliminari e non di riconoscimenti già ottenuti.

Per Yamazaki sarebbe un ulteriore traguardo dopo lo storico Oscar per i Migliori Effetti Visivi conquistato nel 2024 da Godzilla Minus One, primo film della saga a ottenere la statuetta.

Il primo Godzilla giapponese girato per IMAX

La maggiore scala del sequel passa anche attraverso una novità produttiva importante. Godzilla Minus Zero è il primo film della saga prodotto in Giappone a essere realizzato secondo il programma Filmed For IMAX, con telecamere digitali certificate e una lavorazione ottimizzata per le caratteristiche visive e sonore delle sale IMAX.

Yamazaki torna a ricoprire contemporaneamente i ruoli di regista, sceneggiatore e responsabile degli effetti visivi, proseguendo il lavoro che aveva contribuito al successo internazionale di Minus One.

La distribuzione di Minus Zero segna inoltre un passaggio significativo per il franchise: secondo Plaion Pictures, sarà il primo capitolo giapponese di Godzilla a beneficiare di un lancio globale coordinato.

Negli Stati Uniti, l’uscita regolare è prevista per il 6 novembre, con proiezioni anticipate in IMAX il 3 novembre, in occasione del Godzilla Day.

Godzilla Minus Zero in anteprima a Lucca Comics & Games: quando esce in Italia?

Per il pubblico italiano, il primo appuntamento sarà sabato 31 ottobre a Lucca Comics & Games 2026, dove Godzilla Minus Zero verrà presentato in anteprima nazionale.

La proiezione sarà preceduta da un red carpet dedicato al film, inserito nel programma cinematografico della manifestazione.

L’uscita nelle sale è invece fissata al 12 novembre 2026, con distribuzione di Plaion Pictures nell’ambito della partnership con TOHO Global. Il film sarà disponibile sia doppiato in italiano sia in lingua originale sottotitolata, anche nel formato IMAX.

Dopo che Minus One aveva riportato Godzilla alle sue radici trasformando il kaiju nella manifestazione fisica delle ferite del Giappone del dopoguerra, il nuovo trailer suggerisce che Yamazaki non voglia abbandonare quella prospettiva.

Questa volta, però, il Paese non deve imparare a sopravvivere alla comparsa del mostro: deve trovare il modo di sopravvivere al suo ritorno. E se le anticipazioni sulla nuova minaccia troveranno conferma, potrebbe non essere soltanto l’umanità a dover temere ciò che sta arrivando.

Di seguito potete vedere il Trailer 2 ufficiale di Godzilla Minus Zero.

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Dopo Kane Parsons con Backrooms e Curry Barker con Obsession, Ullom è un altro giovanissimo autore horror cresciuto fuori dai percorsi tradizionali di Hollywood, passando attraverso cortometraggi autoprodotti e YouTube. Filmmaker Magazine lo ha inserito tra le sue “25 New Faces of Independent Film”, mentre It Ends ha attirato l’attenzione proprio per il modo in cui trasforma una premessa estremamente semplice in un incubo esistenziale.

La storia segue James (Phinehas Yoon), Day (Akira Jackson), Fisher (Noah Toth) e Tyler (Mitchell Cole), quattro amici appena usciti dal college che vogliono trascorrere insieme una delle ultime serate prima che le loro vite prendano direzioni differenti. Alla ricerca di qualcosa da mangiare, imboccano per errore una strada isolata che attraversa un bosco. Ben presto, però, scoprono che non sembra esistere alcun modo per tornare indietro: il percorso continua a ripetersi e ogni tentativo di abbandonarlo fallisce.

Come se non bastasse, fermarsi non è un’opzione. Quando i ragazzi rimangono fuori dalla loro Jeep Cherokee troppo a lungo, misteriose presenze emergono dagli alberi e li costringono a riprendere il viaggio. La strada diventa così uno spazio impossibile, sospeso tra luogo fisico e trappola mentale, nel quale le normali coordinate di tempo e spazio sembrano progressivamente dissolversi.

Il nuovo trailer italiano insiste proprio su questa condizione di intrappolamento, accentuando il contrasto tra l’apparente immobilità del paesaggio e la minaccia che si nasconde oltre i margini della carreggiata. Ogni tentativo di trovare una via d’uscita sembra riportare i protagonisti al punto di partenza, mentre la prospettiva di continuare a guidare indefinitamente si fa sempre più angosciante.

Lo stesso Ullom ha descritto It Ends come l’incontro tra un hangout movie e un incubo esistenziale. Ed è proprio questa combinazione a distinguere il film da un più convenzionale survival horror: la Jeep in cui viaggiano i quattro protagonisti diventa uno spazio chiuso nel quale paura e assurdo convivono con conversazioni, silenzi, tensioni e rapporti personali.

It Ends si inserisce così nel filone contemporaneo dell’horror degli spazi liminali, che negli ultimi anni ha trovato espressioni molto diverse in opere come Skinamarink, Exit 8 e Backrooms. Ullom sembra però utilizzare l’impossibilità geografica soprattutto per parlare dei suoi personaggi: quattro ragazzi bloccati letteralmente in un limbo proprio mentre stanno attraversando quel momento della vita in cui il passato sta per chiudersi e il futuro non ha ancora assunto una forma precisa.

La strada infinita diventa quindi anche una materializzazione della loro incertezza. Più che affidarsi esclusivamente alla minaccia nascosta nel bosco, il film concentra progressivamente l’attenzione sulle conseguenze psicologiche di una situazione che non offre spiegazioni né una destinazione. Il vero terrore non è soltanto ciò che potrebbe aspettarli fuori dall’auto, ma la possibilità che il viaggio continui per sempre.

Con pochi personaggi, un’automobile e una strada apparentemente senza fine, Ullom costruisce così un dispositivo narrativo volutamente essenziale, utilizzando l’horror per riflettere sul tempo, sull’amicizia e sulla paura di non sapere cosa verrà dopo.

It Ends sarà nei cinema italiani dal 28 ottobre con I Wonder Pictures. Di seguito potete vedere il nuovo trailer italiano.

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La storia è quella di un uomo che parte dal nulla. Siamo nel 1980, Fidel Castro ha aperto le porte di Cuba permettendo l’espatrio ai suoi cittadini. Tony Montana e il suo amico Manny Ribera, interpretato da Steven Bauer, arrivano in Florida come due tra migliaia di rifugiati. Fanno i lavapiatti, vivono ai margini. Ma Tony ha fame, una fame che non si sazia con un lavoro onesto. È astuto, spietato, privo di qualsiasi freno morale quando si tratta di scalare la piramide della criminalità organizzata.

Il film di De Palma è in realtà un remake, dettaglio che molti ignorano. L’originale Scarface del 1932, diretto da Howard Hawks, era ambientato nella Chicago del proibizionismo. De Palma, con una sceneggiatura firmata da Oliver Stone, trasferisce l’azione nella Miami degli anni Ottanta, sostituendo l’alcol illegale con la cocaina, il nuovo oro bianco che sta invadendo l’America. Il risultato è un affresco brutale, lungo 170 minuti che non concedono respiro, dove la violenza esplode in scene che all’epoca fecero gridare allo scandalo.

Tony Montana non è un eroe, nemmeno un antieroe romantico. È un predatore che costruisce il suo impero sul traffico di droga, accumulando denaro, potere e una moglie bellissima, Elvira, interpretata da una Michelle Pfeiffer glaciale e disillusa. Ma proprio come nei grandi racconti tragici, la sua ascesa contiene in sé i germi della distruzione. La dipendenza dalla cocaina, la paranoia crescente, l’incapacità di fidarsi di chiunque: Tony diventa prigioniero del suo stesso delirio di onnipotenza.

La regia di De Palma è barocca, eccessiva quanto il suo protagonista. La macchina da presa non si limita a documentare, ma partecipa all’orgia di violenza e potere. Ogni inquadratura sembra urlare, ogni scena è costruita per lasciare il segno. E poi c’è Pacino, in uno stato di grazia interpretativa che rasenta la possessione. Il suo Tony Montana parla con un accento cubano marcato, gestisce con le mani, esplode in monologhi memorabili. “Say hello to my little friend” è diventata una delle battute più citate della storia del cinema, simbolo perfetto di quell’eccesso che caratterizza ogni fotogramma.

Oggi Scarface è disponibile su diverse piattaforme streaming, permettendo a nuove generazioni di scoprire o riscoprire questo monumento del cinema criminale. La sua influenza si estende ben oltre il cinema: nella musica hip-hop Tony Montana è diventato un’icona, citato in centinaia di canzoni come simbolo di chi parte dal basso e conquista il mondo. Nel videogioco, nella moda, nella cultura pop: ovunque lo sfregiato ha lasciato il suo segno indelebile.

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Il regista, che ha costruito buona parte della propria reputazione grazie a opere come Oculus, Hush, Midnight Mass e Hill House, ne ha parlato durante una sessione di domande e risposte con gli utenti di Reddit, riflettendo sul rapporto tra cinema originale, sequel e grandi proprietà intellettuali.

Le sue dichiarazioni, riprese da World of Reel, rivelano un cambiamento di prospettiva rispetto agli inizi della carriera, quando Flanagan non immaginava di dedicarsi così frequentemente a universi narrativi già esistenti.

Mike Flanagan: «Pensavo che non avrei mai fatto franchise o sequel»

Rispondendo a una domanda sul proprio interesse per le saghe cinematografiche, il regista ha ammesso di aver cambiato idea nel corso degli anni:

«Ho trascorso gran parte della mia carriera pensando che non avrei realizzato film appartenenti a franchise o sequel e… ops! Ma adoro davvero la possibilità di entrare in un universo che conosco, rispetto e amo, e di reinterpretarlo a modo mio».

Una posizione che trova riscontro nei suoi progetti più recenti. Dopo aver diretto Doctor Sleep, seguito di Shining tratto dall’omonimo romanzo di Stephen King, Flanagan ha continuato a confrontarsi con opere preesistenti, dalla nuova serie Carrie fino a The Exorcist: Martyrs, il cui trailer completo è stato diffuso proprio nei giorni scorsi.

Il suo interesse, tuttavia, non sembra rivolto alla semplice riproposizione di storie familiari. Come ha spiegato anche a proposito del nuovo Esorcista, l’obiettivo è individuare possibilità narrative ancora inesplorate all’interno di universi conosciuti.

«Vorrei da morire fare un film de Lo squalo»

Tra i franchise che gli piacerebbe affrontare, Flanagan ha citato innanzitutto Lo squalo, il classico del 1975 con cui Steven Spielberg ha ridefinito il cinema di suspense e inaugurato una delle saghe più riconoscibili della storia di Hollywood.

Il regista non nasconde la propria ammirazione per l’originale, ma ritiene che i suoi sequel abbiano lasciato ampio spazio a nuove interpretazioni:

«Sinceramente, vorrei da morire poter realizzare un film de Lo squalo. È un altro esempio di un’opera alla quale NESSUNO riuscirà MAI ad avvicinarsi, ma c’è un enorme margine di miglioramento rispetto ai sequel. Anche un film di Jurassic Park potrebbe essere uno spasso: vorrei renderlo davvero spaventoso. Realizzare un autentico horror sui dinosauri sarebbe fantastico».

Il riferimento ai sequel dello Squalo non è casuale. Dopo il successo del film di Spielberg, la Universal ha proseguito il franchise con Lo squalo 2 (1978), Lo squalo 3 (1983) e Lo squalo 4 – La vendetta (1987), senza riuscire a replicare l’impatto del capostipite.

Flanagan sembra dunque interessato non tanto a rifare il film originale, quanto alla possibilità di recuperare la dimensione di terrore che aveva reso così efficace la sua premessa: un predatore quasi invisibile, una comunità minacciata e la paura di ciò che si nasconde sott’acqua.

Jurassic Park potrebbe diventare un vero horror sui dinosauri?

Ancora più interessante, almeno per gli appassionati di cinema di genere, è l’idea di un Jurassic Park dichiaratamente horror.

Fin dal romanzo originale di Michael Crichton, la saga ha intrecciato fantascienza, avventura e suggestioni horror, mettendo in scena le conseguenze della manipolazione genetica e l’impossibilità di controllare creature appartenenti a un ecosistema scomparso milioni di anni fa.

Nel corso dei successivi capitoli cinematografici, tuttavia, la componente spettacolare e avventurosa ha spesso assunto un ruolo predominante. Le parole di Flanagan suggeriscono invece un approccio più vicino alla tensione claustrofobica e alla vulnerabilità dei personaggi di fronte a predatori che non possono essere affrontati con mezzi convenzionali.

Non sarebbe necessariamente una rottura con il film di Spielberg, che già conteneva sequenze costruite secondo i meccanismi del cinema horror, dall’attacco del Tyrannosaurus rex alla caccia dei velociraptor nelle cucine. Piuttosto, si tratterebbe di portare quella componente al centro dell’intera narrazione.

Naturalmente, non esiste al momento alcun progetto annunciato che coinvolga Flanagan nei franchise di Lo squalo o Jurassic Park. Le sue dichiarazioni esprimono un desiderio personale, non l’esistenza di trattative con Universal Pictures.

Resta però interessante osservare come un autore che ha spesso raccontato l’orrore attraverso il trauma, il lutto e i conflitti familiari immagini di confrontarsi con due universi cinematografici tradizionalmente associati al cinema spettacolare. Soprattutto nel caso di Jurassic Park, un film capace di recuperare la dimensione più brutale e spaventosa dei romanzi di Crichton potrebbe rappresentare una direzione sensibilmente diversa per la saga.

Nel frattempo, il prossimo appuntamento cinematografico con Flanagan resta The Exorcist: Martyrs, atteso nelle sale statunitensi il 12 marzo 2027.

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Universal Pictures e Blumhouse hanno diffuso il filmato in occasione del New York Comic Con 2026, mostrando per la prima volta in modo esteso il nuovo capitolo interpretato da Scarlett Johansson, affiancata da Chiwetel Ejiofor, Diane Lane, Sasha Calle, John Leguizamo, Laurence Fishburne e Jacobi Jupe. L’uscita americana è fissata per il 12 marzo 2027.

Un serial killer giustiziato, nuovi omicidi e un’indagine che conduce al soprannaturale

Al centro della storia troviamo Julie Miller (Johansson), detective della polizia di New York e madre single di un ragazzo di dodici anni. Tredici anni prima, la donna era riuscita a fermare Father Sunday (John Leguizamo), un assassino seriale ossessionato dall’immaginario cattolico e responsabile di una serie di delitti di matrice satanica.

La cattura del criminale aveva trasformato Julie in un’eroina. Ma quando un nuovo assassino scrive il suo nome sulle pareti della cripta di una chiesa usando il sangue di un chierichetto, il passato torna improvvisamente a perseguitarla.

Ad aiutarla nell’indagine saranno Gina Restrepo (Sasha Calle), una giovane detective, e padre William (Chiwetel Ejiofor), ex cappellano carcerario che aveva raccolto l’ultima confessione di Father Sunday.

Le loro ricerche porteranno alla luce un possibile legame tra assassini appartenenti a epoche diverse, da H. H. Holmes allo Zodiaco. Un filo conduttore che potrebbe suggerire l’esistenza di una forza maligna capace di attraversare le generazioni, servendosi di individui differenti per continuare a uccidere.

Nel frattempo, la minaccia si avvicina alla famiglia della protagonista: anche Max (Jacobi Jupe), il figlio dodicenne di Julie, sembra essere diventato il bersaglio di una presenza demoniaca.

Il trailer di The Exorcist: Martyrs richiama L’esorcista III e il cinema sui serial killer

Le nuove immagini insistono sull’aspetto investigativo della vicenda: scene del crimine, simboli religiosi, cripte, rituali e il sospetto crescente che dietro gli omicidi si nasconda qualcosa di impossibile da spiegare razionalmente.

È un’impostazione che richiama da vicino L’esorcista III (1990), diretto da William Peter Blatty, nel quale un’indagine su delitti apparentemente riconducibili a un assassino morto da anni conduceva verso una realtà soprannaturale.

Flanagan sembra recuperare proprio questa dimensione del franchise, avvicinandola al thriller criminale di Seven e Il silenzio degli innocenti. La possessione non scompare necessariamente dall’orizzonte narrativo, ma non è più l’unico meccanismo attraverso cui raccontare l’irruzione del male nel mondo contemporaneo.

Il regista ha chiarito a Esquire di non voler realizzare una nuova versione del capolavoro di William Friedkin:

«Credo che il primo obiettivo sia far capire al pubblico che non vedrà una ripetizione de L’esorcista. Non stiamo cercando di realizzare un reboot o un remake, né di sostituirci al film di Friedkin. Vedrete una storia ambientata nell’universo de L’esorcista che non è mai stata raccontata prima, unica all’interno del franchise e capace di portarlo in una direzione molto diversa da quelle esplorate in passato».

Mike Flanagan promette il film più oscuro della sua carriera

Dopo Doctor Sleep, Midnight Mass, La caduta della casa degli Usher e la recente trasposizione televisiva di Carrie, Flanagan torna quindi a confrontarsi con un classico dell’orrore, ma attraverso una storia originale.

Parlando del nuovo film, il regista lo ha descritto come il progetto più oscuro che abbia mai scritto, spiegando di essersi spinto verso situazioni emotive particolarmente difficili:

«È estremamente oscuro. A tratti è oscuro in modo quasi pericoloso, e ci siamo spinti in territori emotivi che non avevo mai esplorato prima su un mio set. Ma devo dire che, alla fine, siamo riusciti a trovare anche un po’ di luce e di speranza, e ne sono davvero grato, perché è una storia straziante».

La promessa è quella di un horror nel quale la violenza non sia soltanto spettacolare, ma abbia conseguenze profonde sui personaggi. Un approccio coerente con la filmografia di Flanagan, spesso interessata al rapporto tra trauma, fede, perdita e sopravvivenza.

Il progetto rappresenta inoltre un nuovo tentativo di rilanciare la saga dopo L’esorcista – Il credente del 2023, senza proseguire direttamente la vicenda di quel film.

The Exorcist: Martyrs arriverà nei cinema statunitensi il 12 marzo 2027. Resta da capire fino a che punto Flanagan riuscirà a trasformare un’indagine sui serial killer in una nuova interpretazione dell’orrore religioso che ha reso celebre il franchise.

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Uscito su Netflix il 16 settembre 2020, Le strade del male è l’adattamento cinematografico del romanzo di Donald Ray Pollock, un thriller psicologico diretto da Antonio Campos che ha diviso critica e pubblico con la sua rappresentazione cruda e spietata dell’America rurale tra la fine della Seconda guerra mondiale e la guerra in Vietnam. Un’America dove la fede religiosa si mescola alla violenza, dove la corruzione morale è la norma e dove il male si annida proprio dove dovrebbe esserci redenzione.

Il film inizia nel 1945, quando il giovane marine Willard Russell, interpretato da Bill Skarsgård, torna dalla guerra portandosi dietro traumi che non lo abbandoneranno mai. Durante un’operazione militare si è imbattuto in un commilitone scuoiato e crocifisso dai giapponesi, costringendolo a porre fine alla sua agonia con un colpo di grazia. Quell’immagine, quella violenza estrema, quel momento in cui Dio sembra aver voltato le spalle all’umanità, segnerà per sempre la sua esistenza.

Tornato a casa, Willard sposa la giovane cameriera Charlotte e si trasferisce a Knockemstiff cercando di costruire una vita normale. Ma quando sua moglie si ammala di cancro, la disperazione lo spinge verso forme di devozione sempre più estreme. Costruisce un altare nel bosco, prega ossessivamente, poi inizia a sacrificare animali, convinto che solo un atto estremo possa convincere Dio a concedere un miracolo. Il giovane Arvin, loro figlio, assiste a tutto questo, crescendo in un ambiente dove la linea tra fede e follia è diventata impercettibile.

Tom Holland, che il grande pubblico conosce come l’attuale Spider-Man del Marvel Cinematic Universe, interpreta Arvin adulto con una maturità sorprendente. Questo ruolo rappresenta per l’attore britannico un distacco netto dall’immagine dell’eroe positivo, mostrandolo invece come un giovane segnato dalla perdita e dalla violenza, costretto a confrontarsi con un mondo dove la bontà sembra non avere spazio. Dopo la morte della madre e il conseguente suicidio del padre, Arvin si ritrova solo, bullizzato a scuola, cresciuto da una nonna che fa del suo meglio ma non può cancellare le cicatrici che il ragazzo porta dentro.

La struttura narrativa del film è particolare, quasi corale. Non segue una sola storia lineare ma intreccia le vite di diversi personaggi, tutti legati da un filo conduttore di violenza e religiosità deviata. C’è la coppia di serial killer formata da Carl e Sandy Henderson, interpretati rispettivamente da Jason Clarke e Riley Keough, che viaggia per le autostrade americane in cerca di autostoppisti da fotografare in pose compromettenti prima di ucciderli. C’è il predicatore Preston Teagardin, cui Robert Pattinson presta il volto con un’interpretazione disturbante, un uomo di chiesa che usa la sua posizione per abusare delle fedeli più giovani e vulnerabili, nascondendosi dietro la parola di Dio mentre commette gli atti più spregevoli.

Le strade del male è un film che chiede molto allo spettatore. Chiede di immergersi in un mondo senza speranza, di seguire personaggi raramente redimibili, di assistere a violenze esplicite e situazioni moralmente ripugnanti. Non è intrattenimento leggero, non offre catarsi facili o finali confortanti. È cinema che vuole disturbare, provocare, lasciare un segno. E in questo, per molti versi, ci riesce pienamente.

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In Mammina (la recensione), il mostro più spaventoso non è quello che si nasconde nell’armadio, ma quello che assume il volto della persona di cui una bambina dovrebbe potersi fidare più di chiunque altro. L’horror diretto da Rob Savage, con Jessica Chastain nel doppio ruolo di Ursula e della sua inquietante imitatrice, costruisce attorno a questa idea una storia di possessione che, nel finale, prende una direzione molto diversa da quella del romanzo di Josh Malerman, Incidents Around the House.

La differenza è sostanziale: nel film Bella sopravvive e riesce a respingere l’entità, mentre nel libro il suo destino è decisamente più terribile. Ma per capire il significato di questa scelta bisogna partire da ciò che Mammina vuole davvero.

Chi è Mammina e perché vuole entrare nel cuore di Bella?

Fin dalle prime apparizioni, la creatura rivolge alla piccola Bella (Arabella Olivia Clark) una domanda apparentemente innocente: può entrare nel suo cuore?

Non si tratta di una richiesta d’affetto. Mammina è un’entità demoniaca che desidera ciò che gli esseri umani possiedono e lei no: un corpo vivo, un’identità e la possibilità di esistere nel mondo materiale. Entrare nel cuore della bambina significa appropriarsi della sua esistenza, cancellandone progressivamente la coscienza.

La creatura, però, non cerca semplicemente di sopraffarla con la forza. Ha bisogno del suo consenso e per ottenerlo alterna manifestazioni terrificanti a un comportamento rassicurante. Si presenta come un’amica, promette protezione e assume le sembianze di Ursula, sfruttando proprio il legame tra madre e figlia.

È una dinamica di manipolazione particolarmente crudele: Mammina crea paura e poi si propone come l’unica presenza capace di alleviarla. E più Bella si sente insicura nella propria famiglia, più quella falsa promessa di amore rischia di diventare convincente.

Il segreto di Ursula: chi è il vero padre di Bella?

Il demone trova terreno fertile nelle tensioni che attraversano la casa. Ursula e Russ (Jay Duplass) amano Bella, ma il loro rapporto è segnato da tradimenti e segreti che la bambina percepisce senza comprenderli pienamente.

Bella sa già che sua madre ha avuto una relazione con Frank, un amico di famiglia interpretato da Arian Moayed. Ma la verità che i genitori le nascondono è ancora più destabilizzante.

Quando la minaccia soprannaturale diventa insostenibile, Ursula rivela di essere stata sposata con un altro uomo quando ha conosciuto Russ. I due hanno iniziato una relazione clandestina, ma quando Ursula è rimasta incinta, il padre biologico di Bella era ancora il suo precedente marito.

Russ, dunque, non è il padre biologico della bambina, anche se è l’uomo che l’ha cresciuta e che lei considera suo padre.

La rivelazione non serve soltanto a spiegare le tensioni familiari. È fondamentale per il conflitto con Mammina: la creatura ha sfruttato la sensazione di Bella che gli adulti stessero nascondendo qualcosa, trasformando la sua insicurezza in una porta attraverso cui cercare di entrare.

Il finale spiegato: come fa Bella a sconfiggere Mammina?

Nello scontro conclusivo, Bella riesce a respingere l’entità non grazie a un esorcismo o a un intervento soprannaturale, ma affrontando ciò che ha cercato di evitare per tutta la storia.

La bambina comprende che i suoi genitori possono amarla pur essendo persone imperfette, capaci di mentire, tradirsi e ferirsi reciprocamente. Accetta che la propria famiglia non corrisponda all’immagine rassicurante alla quale si era aggrappata.

Questo cambiamento priva Mammina della sua principale arma: la possibilità di presentarsi come un’alternativa migliore agli adulti reali. Bella non ha più bisogno di credere alla promessa di una madre perfetta e onnipotente, perché ha imparato a riconoscere la differenza tra l’amore autentico, con tutte le sue contraddizioni, e quello utilizzato come strumento di controllo.

Mammina viene così respinta e Bella conserva il proprio corpo. Anche Ursula e Russ sopravvivono. Il film sceglie quindi una conclusione relativamente rassicurante sul piano soprannaturale, ma non risolve automaticamente le fratture della famiglia.

Come finisce Incidents Around the House? La differenza più importante con il romanzo

È proprio qui che l’adattamento di Savage si allontana maggiormente dal libro di Josh Malerman.

Nel romanzo, Bella finisce per accettare la richiesta dell’entità e le permette di entrare nel proprio cuore. Subito dopo si ritrova in uno spazio immenso e vuoto, mentre sente la creatura esercitarsi a riprodurre la sua voce.

Il dettaglio suggerisce un vero e proprio scambio d’identità: Mammina si prepara a vivere nel mondo esterno al posto della bambina, mentre la coscienza originale di Bella rimane imprigionata altrove.

È un epilogo molto più crudele perché non si limita a mostrare la morte o la scomparsa della protagonista. Immagina qualcosa di peggiore: una sostituzione così completa che chi le sta vicino potrebbe non accorgersene.

Il film elimina questa conclusione e trasforma il confronto con il mostro in una dolorosa esperienza di maturazione. Bella perde la propria innocenza, ma non la propria identità. Nel romanzo, invece, la vulnerabilità infantile conduce a una sconfitta pressoché definitiva.

Perché Ursula è infelice nell’ultima scena? È stata posseduta?

L’ultima sequenza mostra Bella e Russ insieme, intenti a ridere, mentre Ursula appare distante e infelice. Dopo quanto accaduto, l’espressione della donna potrebbe sembrare il segnale di un’ulteriore minaccia.

Il film, tuttavia, non conferma che Ursula sia posseduta. La sua espressione può essere interpretata più semplicemente come la conseguenza di una verità che il lieto fine soprannaturale non può cancellare: il matrimonio è ancora in crisi.

La famiglia ha sconfitto una presenza demoniaca, ma non ha risolto le contraddizioni che ne avevano favorito l’intrusione. Russ e Bella possono condividere un momento di serenità; Ursula, invece, sembra incapace di ritrovare la stessa tranquillità.

È una conclusione coerente con il percorso della bambina. Superare Mammina non significa tornare alla famiglia idealizzata di prima, ma imparare a convivere con una realtà emotivamente più complessa.

La scena dopo i titoli di coda significa che Mammina è ancora viva?

Mammina contiene anche un’ultima apparizione dell’entità dopo i titoli di coda. La creatura guarda verso lo spettatore e porta un dito alle labbra, invitandolo a fare silenzio.

Il momento suggerisce che la presenza demoniaca non sia necessariamente scomparsa per sempre, ma non dimostra che abbia conquistato il corpo di Bella o di Ursula. Funziona soprattutto come un’ultima provocazione horror rivolta direttamente al pubblico.

Resta così una differenza decisiva tra i due finali: nel romanzo l’orrore vince appropriandosi dell’identità della bambina; nel film Bella sopravvive, ma deve rinunciare all’idea che crescere significhi poter contare su adulti infallibili.

Il vero prezzo della sua salvezza è la perdita dell’innocenza. Mammina non riesce a rubarle la vita, ma la costringe a guardare finalmente la propria famiglia per ciò che è, senza più poterla confondere con una promessa di protezione assoluta.

L'articolo Mammina, il finale spiegato: cosa succede davvero a Bela e perché il film cambia il destino del romanzo proviene da Il Cineocchio.

Un incontro creativo particolarmente significativo, considerando che proprio Crossed era stato una delle fonti d’ispirazione di Jabbaz per il suo esordio cinematografico. Dopo aver esplorato in The Sadness le conseguenze di un’epidemia capace di trasformare gli esseri umani in assassini sadici, il regista si confronta quindi direttamente con l’opera che aveva contribuito a influenzare il suo immaginario.

Creato da Ennis e illustrato da Jacen Burrows, Crossed racconta un mondo devastato da una misteriosa infezione. Chi contrae la malattia sviluppa un caratteristico segno a forma di croce sul volto e perde qualsiasi freno morale, abbandonandosi ai propri impulsi più violenti e perversi.

A differenza degli zombie tradizionali, però, gli infetti non perdono intelligenza, memoria o capacità di ragionamento. Possono parlare, organizzarsi, usare armi e pianificare le proprie azioni, rendendo la loro brutalità ancora più imprevedibile. Non si tratta dunque di creature guidate semplicemente dalla fame, ma di esseri umani privati di ogni inibizione, capaci di esercitare deliberatamente la crudeltà.

La storia seguirà Stan e Cindy, interpretati rispettivamente da Devin Druid (13 Reasons Why) e Ash Santos (American Horror Story), alla guida di un gruppo di sopravvissuti che tenta di raggiungere il nord per sfuggire agli infetti.

Nel cast figurano anche Ethan Jones Romero nel ruolo di Thomas, Kyla Hee in quello di Kelly, Chido Nwokocha nei panni di Kitrick, Spenser Granese come Brett, Bob Morley come Randall, Ana Mulvoy Ten come Sheena, Steven Hack come Geoff e Lorenzo Ross come Patrick.

Tra gli infetti spicca invece Owen Harn, chiamato a interpretare Horsecock, uno degli antagonisti più inquietanti della storia. Al suo fianco ci saranno Fedor Steer nel ruolo di Face e Kelvin Adekunle in quello di Stump. Completano il cast Angie Campbell e Peter Falls, rispettivamente nei panni di Amy e Joel.

La sceneggiatura è stata scritta dallo stesso Garth Ennis e prende come riferimento i primi dieci numeri della serie originale, quelli che hanno introdotto il mondo di Crossed e ne hanno definito l’identità narrativa, fondata su un’esplorazione particolarmente brutale della violenza umana.

Il coinvolgimento diretto dell’autore e la scelta di Jabbaz suggeriscono la volontà di non attenuare eccessivamente il materiale di partenza. Del resto, The Sadness aveva già dimostrato come il regista fosse interessato non soltanto alla violenza grafica, ma anche all’idea di un contagio che trasformi gli impulsi più oscuri dell’essere umano in comportamenti incontrollabili.

Resta da capire quanto l’adattamento riuscirà a conservare della radicalità del fumetto senza limitarsi ad accumulare atrocità. Il vero elemento disturbante di Crossed, infatti, non è semplicemente la quantità di violenza, ma il fatto che i suoi responsabili continuino a essere pienamente consapevoli delle proprie azioni. È questa caratteristica a distinguere l’opera di Ennis dalla maggior parte dei racconti apocalittici sugli infetti.

Il primo teaser, riservato a un pubblico adulto, offre un assaggio dell’atmosfera del film. Una data di uscita precisa non è stata ancora annunciata.

Di seguito il primo teaser trailer originale di Crossed.

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Affleck interpreta Mark Kimball, candidato indipendente alla carica di sindaco di Los Angeles. Ex militare e uomo dalle molteplici esperienze professionali, Mark ha costruito la propria campagna su promesse di trasparenza, uguaglianza e rinnovamento. Ma dietro l’immagine pubblica si nasconde una situazione precaria: i sondaggi lo danno in svantaggio, le spese elettorali hanno prosciugato le sue risorse e persino la casa di famiglia è stata ipotecata per finanziare la corsa al municipio.

Anche il matrimonio con Abigail (Kerry Washington), psicologa e madre di suo figlio Denny, è tutt’altro che solido. Quando, durante la notte di Halloween, il bambino viene apparentemente rapito e i sequestratori chiedono sette milioni di dollari, Mark scopre che la sua ricchezza non è più sufficiente a garantirgli una soluzione. Il responsabile della campagna, Sam (Steven Yeun), propone allora di rivolgersi a Dayle Burton (Gillian Anderson), una misteriosa consulente specializzata nel risolvere crisi compromettenti per personaggi pubblici.

La struttura narrativa richiama immediatamente Anatomia di un rapimento (High and Low, 1963) di Kurosawa, già reinterpretato da Spike Lee nel recente Highest 2 Lowest. Il punto di contatto non è soltanto il sequestro, ma soprattutto il dilemma che ne deriva: quanto vale una vita umana quando salvarla significa sacrificare il proprio privilegio? Affleck trasferisce la questione nella politica americana contemporanea, intrecciandola con le contraddizioni di un candidato che predica solidarietà e inclusione, ma protegge anzitutto i propri interessi.

È qui che Animals avrebbe potuto trovare una propria identità. La campagna elettorale offre infatti un terreno ideale per esplorare la distanza tra convinzioni dichiarate e comportamenti reali. Mark parla spagnolo con gli elettori latinoamericani e difende pubblicamente gli immigrati, ma evita di assumere il compagno senza documenti della collaboratrice domestica Cecilia (Adriana Paz), temendo ripercussioni sulla propria immagine. La crisi familiare dovrebbe costringerlo a confrontarsi con quelle stesse disuguaglianze che, fino a quel momento, aveva potuto osservare da una posizione privilegiata.

Il problema è che la sceneggiatura di Affleck, Billy Ray e Connor O. McIntyre introduce questioni che raramente approfondisce. Le tensioni razziali e sociali restano sullo sfondo, mentre il matrimonio in crisi e i segreti dei protagonisti occupano uno spazio sproporzionato rispetto al loro peso drammatico. Le conversazioni si moltiplicano, i personaggi discutono continuamente delle conseguenze delle proprie scelte, ma il racconto sembra incapace di tradurre questi conflitti in autentica suspense.

Neppure la regia riesce a compensare tale debolezza. Affleck aveva dimostrato con Gone Baby Gone e The Town di saper intrecciare tensione criminale, psicologia dei personaggi e geografia urbana. Qui, nonostante la fotografia di Robert Elswit, Los Angeles rimane sorprendentemente anonima. Gran parte dell’azione si svolge negli interni della lussuosa abitazione dei Kimball, mentre gli spazi cittadini, potenzialmente decisivi per raccontare le divisioni sociali, vengono utilizzati soprattutto come scenari funzionali.

Qualche intuizione emerge, come il lungo movimento di macchina che accompagna il caos successivo alla notizia del rapimento, ma la messinscena rimane generalmente piatta. Persino le sequenze più movimentate soffrono di una costruzione poco incisiva, mentre il finale accumula svolte e soluzioni difficili da accettare, indebolendo ulteriormente le implicazioni morali della vicenda.

Sul fronte interpretativo, Affleck è convincente nel restituire l’ambiguità di un uomo che vorrebbe apparire sincero senza rinunciare al controllo della propria immagine. Kerry Washington, invece, fatica a rendere Abigail qualcosa di più di una figura costantemente esasperata, mentre Steven Yeun rimane confinato nel ruolo del consigliere pragmatico.

A distinguersi è Gillian Anderson, che trasforma Dayle Burton in una presenza glaciale, elegantissima e deliberatamente sopra le righe. Il suo personaggio, con il completo bianco e la disinvoltura con cui attribuisce un prezzo a qualsiasi compromesso, introduce una vena di cinismo quasi grottesco. È una delle poche occasioni in cui il film sembra consapevole del potenziale corrosivo della propria materia.

Alla fine, Animals rimane un thriller più interessato a enunciare i propri dilemmi che a metterli realmente alla prova. Dove Kurosawa costruiva un confronto spietato tra responsabilità individuale e disuguaglianza sociale, Affleck preferisce una narrazione più accomodante, nella quale anche le decisioni più discutibili finiscono per perdere le proprie conseguenze. Un’occasione mancata per un regista che, proprio nel cinema criminale, aveva trovato alcune delle sue espressioni migliori.

Su Netflix dal 9 ottobre.

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La protagonista è Bella (Arabella Olivia Clark), che vive con la madre Ursula (Chastain) e il padre Russell (Jay Duplass). Dietro l’apparente normalità domestica, il matrimonio dei genitori attraversa una crisi che la bambina percepisce senza comprenderne le ragioni. Nella sua cameretta, intanto, ha stretto un rapporto con una presenza che chiama Mammina: una creatura capace di assumere le sembianze di Ursula e che insiste affinché Bella le permetta di entrare nel suo cuore.

Il presupposto più interessante riguarda la percezione infantile delle contraddizioni degli adulti. Bella coglie le reticenze dei genitori e intuisce che la madre le nasconde qualcosa. Il doppio mostruoso potrebbe incarnare la frattura tra l’immagine rassicurante della figura materna e la scoperta che anche gli adulti mentono, desiderano altro e possono diventare emotivamente inaccessibili.

È un terreno fertile per un horror psicologico costruito sull’incertezza. Savage, però, rinuncia quasi immediatamente a coltivarla. La presenza soprannaturale si manifesta troppo presto, rendendosi visibile anche agli adulti e trasformando il progressivo deterioramento della sicurezza domestica in una serie di aggressioni spettacolari. La domanda non è più se Bella possa fidarsi di ciò che vede, ma quale nuova apparizione escogiterà la creatura.

Il regista dimostra comunque talento per l’immagine perturbante. Mammina altera le proporzioni del corpo, compare negli spazi vuoti dell’inquadratura e modifica le leggi fisiche degli ambienti. Una festa familiare e una piscina di palline diventano scenari di incursioni soprannaturali, tra movimenti di macchina e distorsioni prospettiche.

Il problema è che l’invenzione visiva non si traduce in tensione. Le sequenze seguono uno schema riconoscibile: apparente tranquillità, anomalia nell’ambiente, movimento improvviso e inevitabile jump scare. Ripetuto senza variazioni, il meccanismo perde efficacia. Savage mantiene il film in uno stato di allarme permanente, dimenticando che la paura ha bisogno anche di attesa e incertezza.

A indebolire il racconto contribuisce la gestione del punto di vista. La storia dovrebbe appartenere a Bella, eppure la macchina da presa si concentra sulla bambina senza restituirci davvero il suo modo di elaborare gli eventi. Anche dopo episodi traumatici, le sue reazioni appaiono superficiali. La sceneggiatura di Nathan Elston procede da una situazione estrema all’altra, sacrificando la continuità emotiva alla necessità di introdurre nuovi spaventi.

Ne risente la componente familiare. Il rapporto tra Ursula e Russell, con omissioni e risentimenti, dovrebbe alimentare l’orrore, ma rimane schematico. La creatura sembra rappresentare le paure di Bella senza che il film stabilisca un legame convincente tra quelle paure e le sue manifestazioni. Non serve necessariamente spiegare l’origine di un’entità demoniaca; occorre però che il suo comportamento acquisti significato all’interno della storia.

In questo contesto, Jessica Chastain è l’elemento più interessante. L’attrice distingue la freddezza di Ursula dall’esuberanza sinistra del suo doppio, concedendosi espressioni esasperate e una fisicità innaturale. La sua interpretazione suggerisce un film più ambiguo, nel quale l’orrore potrebbe nascere dall’impossibilità di distinguere una madre autentica da una presenza che ne riproduce i gesti affettuosi. Ma il registro quasi caricaturale della creatura, amplificato dagli effetti digitali, provoca spesso incredulità anziché disagio.

Arabella Olivia Clark offre una prova spontanea, pur dovendo sostenere reazioni non sempre credibili, mentre Jay Duplass interpreta un padre affettuoso e spaesato, il cui comportamento oscilla tra preoccupazione e leggerezza. Anche il tono rimane instabile: alcune scene cercano un orrore familiare doloroso, altre sfiorano una comicità grottesca che non appare pienamente intenzionale.

Il limite di Mammina non è dunque la mancanza di idee, ma l’incapacità di svilupparle. La figura materna diventa terrificante quando smette di essere riconoscibile, ma il film preferisce trasformare questa intuizione in un catalogo di deformazioni corporee e apparizioni improvvise. Più la creatura mostra ciò che sa fare, meno diventa misteriosa.

Ne emerge un horror movimentato, a tratti visivamente ingegnoso, incapace però di costruire un’autentica esperienza di paura. Con Host, Savage aveva dimostrato quanto fosse efficace lavorare sui limiti dello spazio e su ciò che resta fuori campo. Qui dispone di mezzi maggiori, ma sembra aver perso quella disciplina. Mammina continua a mostrarci il mostro, quando avrebbe dovuto farci temere di riconoscerlo.

Se qualcosa non è chiaro e volete approfondire il significato del film e del finale, agevoliamo una spiegazione.

Nei cinema dall’8 ottobre.

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La trama di Contagion si sviluppa attorno a uno scenario che nel 2011 appariva come pura fantascienza catastrofica, ma che oggi risuona con una familiarità agghiacciante. Beth Emhoff, interpretata da Gwyneth Paltrow, torna a Minneapolis dopo un viaggio d’affari a Hong Kong. Quello che sembra un banale jet lag si rivela invece il sintomo di un virus letale e sconosciuto. In 48 ore, la donna muore in un pronto soccorso, lasciando i medici e il marito Mitch, un Matt Damon scioccato e impotente, senza risposte.

Da lì inizia una reazione a catena inarrestabile. Il virus si diffonde attraverso i gesti più banali della quotidianità: una stretta di mano durante una riunione d’affari, una mano nella ciotola dei salatini di un aeroporto, un colpo di tosse su un autobus affollato. Basta un contatto, un solo istante, per trasmettere il contagio. Minneapolis, Chicago, Londra, Parigi, Tokyo, Hong Kong: il numero dei casi cresce esponenzialmente, da uno a quattro, poi sedici, centinaia, migliaia. Una pandemia globale esplode sotto gli occhi dello spettatore.

La forza di Contagion risiede proprio nell’approccio quasi documentaristico con cui Soderbergh affronta la materia. Il regista premio Oscar, noto per la sua versatilità stilistica dimostrata in opere come Traffic e la trilogia di Ocean’s, costruisce qui una narrazione corale che intreccia le storie di ricercatori, politici, giornalisti e comuni cittadini alle prese con un nemico invisibile. Al Center for Disease Control degli Stati Uniti, il vice direttore Ellis Cheever, interpretato da Laurence Fishburne, cerca di contenere il panico crescente mentre coordina la risposta dell’agenzia federale. Kate Winslet veste i panni della dottoressa Erin Mears, incaricata di valutare i rischi sul campo, mentre Marion Cotillard interpreta Leonora Orantes dell’Organizzazione Mondiale della Sanità, impegnata a tracciare l’origine del virus in Cina.

Ma ciò che rende Contagion particolarmente inquietante, oltre alla precisione scientifica con cui descrive la diffusione di un agente patogeno, è la sua capacità di anticipare le dinamiche sociali e mediatiche che avrebbero caratterizzato la pandemia reale. Il personaggio di Alan Krumwiede, un blogger complottista interpretato da Jude Law, incarna perfettamente la figura del diffusore di fake news, che alimenta la psicosi collettiva sostenendo l’esistenza di cure miracolose non riconosciute dalle autorità sanitarie. La sua influenza sui social media scatena disordini civili, assalti alle farmacie e una crisi di fiducia nelle istituzioni che suona drammaticamente familiare a chiunque abbia vissuto gli anni della pandemia da Covid-19.

Il film si distingue anche per il cast stellare assemblato da Soderbergh, un ensemble che include alcuni dei nomi più prestigiosi di Hollywood. Accanto ai già citati Paltrow, Damon, Winslet, Law, Cotillard e Fishburne, troviamo anche Jennifer Ehle nei panni della dottoressa Ally Hextall, la ricercatrice che lavora allo sviluppo del vaccino, Elliott Gould come il dottor Ian Sussman, Bryan Cranston e persino un cameo del giornalista medico Sanjay Gupta che interpreta se stesso.

Oggi Contagion è disponibile su diverse piattaforme streaming in Italia, da Netflix a Prime Video, oltre che per il noleggio e l’acquisto su servizi come Chili, TIMVISION, Rakuten TV, Google Play e iTunes. La sua durata di 105 minuti permette una visione intensa e concentrata, che non concede pause o momenti di leggerezza.

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