Il protagonista è Joe, un timido meccanico specializzato in razzi che conduce una vita solitaria. La sua quotidianità cambia quando incontra Fran, una brillante astro-botanica impegnata nello sviluppo del primo razzo alimentato da piante.

I due iniziano a collaborare alla preparazione del lancio del rivoluzionario veicolo spaziale e, mentre tra loro nasce un’intesa sempre più forte, la situazione prende una piega decisamente imprevedibile.

Tre piccoli alieni combinaguai – Dunk, Welly e Shirm – si rifugiano infatti nella casa di Joe mentre cercano di sfuggire a Zandro, un goffo agente interplanetario deciso a catturarli. Per tornare sul loro pianeta, gli extraterrestri vedono proprio nel razzo di Fran l’unica possibilità di fuga, dando il via a una serie di disavventure che coinvolgeranno tutti i protagonisti.

Timothée Chalamet presta la voce a Joe, mentre Selena Gomez interpreta Fran. Per entrambi si tratta di un nuovo progetto animato di alto profilo, destinato ad ampliare ulteriormente le rispettive carriere.

Alla regia troviamo Eric Guillon, storico collaboratore di Illumination e già coinvolto nella saga di Cattivissimo Me, affiancato da Claire Dodgson e Jonathan Del Val, già al lavoro su diversi successi dello studio.

Dopo aver costruito il proprio successo con franchise come Cattivissimo Me, Minions, Pets – Vita da animali e Super Mario Bros. – Il film, Illumination punta questa volta su una storia completamente originale.

Il primo trailer mette in evidenza un mix di avventura spaziale, comicità e sentimenti, mantenendo lo stile visivo colorato e l’umorismo che hanno reso celebre lo studio. Resta ora da capire se Not Alone riuscirà a trasformarsi in un nuovo franchise oppure resterà un’avventura autoconclusiva.

In attesa dell’uscita prevista per aprile 2027, il film si presenta già come uno dei progetti animati più interessanti del prossimo anno, grazie anche alla presenza di due protagonisti capaci di attirare un pubblico ben oltre quello tradizionale dell’animazione.

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Il nuovo film diretto da Pierre Coffin, storico co-creatore e voce dei Minions, immagina infatti i piccoli combinaguai nella Hollywood degli anni ’20, nel pieno dell’epoca del cinema muto. Una scelta più sensata di quanto sembri: da sempre i Minions funzionano come eredi moderni dello slapstick, più vicini a Buster Keaton, Charlie Chaplin e Harold Lloyd che ai classici personaggi animati costruiti sui dialoghi.

La parte più riuscita del film è proprio quella ambientata nella vecchia Hollywood. Dopo essere arrivati quasi per caso su un set western, i Minions finiscono per trasformarsi in star del grande schermo, attraversando generi, gag e citazioni cinefile con un’energia che il franchise non mostrava da tempo.

Il film gioca con la transizione dal muto al sonoro, con i codici della commedia fisica e con l’immaginario degli studios classici. Ci sono omaggi riconoscibili a Tempi moderni, Preferisco l’ascensore!, Quarto potere e alla grande stagione in cui il cinema imparava a raccontare con il corpo prima ancora che con la parola.

È qui che Minions & Monsters trova la sua identità migliore. Non si limita a usare i Minions come macchine da gag, ma li inserisce in una tradizione precisa, mostrando perché questi personaggi abbiano resistito così tanto nell’immaginario popolare: sono creature quasi primitive, infantili e rumorose, ma anche perfette per una comicità visiva universale.

Al centro della storia ci sono James e Henry, due Minions più ribelli e sognatori degli altri. Mentre il gruppo continua la sua eterna ricerca di un nuovo padrone malvagio da servire, loro sembrano attratti da qualcosa di diverso: raccontare storie, lasciare un segno, diventare parte di quel mondo di immagini e finzione che li circonda.

Questa piccola ambizione dà al film una dolcezza inattesa. Non parliamo certo di una profondità alla Pixar, ma di un cuore semplice e funzionale, abbastanza per rendere la loro avventura più compatta e meno meccanica rispetto ad altri capitoli della saga.

La seconda parte introduce l’elemento più dichiaratamente “monster movie”, con creature, incantesimi, robot e minacce più grandi del previsto. È una svolta coerente con il titolo, ma anche quella in cui il film diventa più convenzionale.

Dopo una prima metà piena di invenzioni visive e amore per la storia del cinema, l’arrivo dei mostri sposta il racconto verso un caos più familiare: inseguimenti, distruzione, battaglie e gag sempre più rumorose. Divertente, certo, ma meno originale rispetto alla brillantezza dell’ambientazione hollywoodiana.

Resta comunque una deviazione sostenuta da un ritmo rapido e da alcune idee riuscite, compreso il gioco tra cinema, fantasia e desiderio di spettacolo. Anche quando torna sui binari più prevedibili del franchise, Minions & Monsters conserva una vitalità superiore alla media degli ultimi capitoli.

Il merito principale del film è ricordare che i Minions funzionano meglio quando non sono semplici spalle comiche. Senza Gru al centro della scena, possono diventare puro movimento, ritmo, anarchia e invenzione visiva. In questo senso, l’idea di metterli nella Hollywood del muto è quasi perfetta.

Minions & Monsters non reinventa il cinema d’animazione e non pretende di farlo. Rimane un film pensato per far ridere i bambini, vendere pupazzi e riempire le sale. Ma dentro questa macchina commerciale trova spazio un’intuizione sorprendentemente cinefila: i Minions non sono soltanto mascotte da merchandising, ma discendenti diretti di una comicità antica, fisica, immediata, nata prima ancora che il cinema iniziasse a parlare.

Ed è proprio questo a renderlo uno dei capitoli più riusciti della saga. Non perché sia il più ambizioso, ma perché capisce finalmente dove quei piccoli mostri gialli appartengono davvero: non solo nel caos, ma nella storia stessa della risata cinematografica.

Nei cinema dall’1 luglio.

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Nel corso di un’intervista, Nogueira ha spiegato di aver sempre creduto che il fumetto si concludesse con Ruthye intenta a uccidere Krem molti anni dopo gli eventi principali della storia. Una lettura che si è poi rivelata diversa dalle intenzioni originali dell’autore, ma che nel frattempo aveva già plasmato il finale del film.

La sceneggiatrice ha raccontato che quella scelta era presente fin dalle primissime fasi dello sviluppo del progetto.

“Il finale tra Kara e Krem era previsto fin dal primo pitch, davvero fin dall’inizio. Perché nel fumetto Ruthye lo uccide, ma in un futuro molto lontano. Sapevamo che non avremmo potuto realizzare un salto temporale di quel tipo e, inoltre, trovavo quel finale piuttosto cupo.”

In realtà, Tom King aveva già chiarito in passato che il finale del fumetto non era mai stato pensato come ambiguo.

“Non dovrebbe esserci alcuna ambiguità: alla fine è vivo. Per questo si tiene la testa. Ruthye non lo perdona, continua a odiarlo e lo colpisce con il bastone prima di andarsene.”

Un dettaglio che rende ancora più sorprendente il fatto che l’equivoco abbia finito per influenzare una delle decisioni più importanti dell’adattamento cinematografico.

Nogueira ha spiegato che l’obiettivo era costruire un percorso diverso per Kara, preservando al tempo stesso l’innocenza di Ruthye.

“Lui, in sostanza, è cambiato, eppure lei lo uccide lo stesso, perché continua a portarsi dentro quella rabbia. E capisci che entra in gioco anche l’idea che se lo meriti.

Volevamo che Kara sentisse il bisogno di proteggere l’innocenza di Ruthye e che fosse lei a caricarsi di quel peso, assumendosi il compito di fare giustizia senza gravare una bambina di quella responsabilità.”

Secondo la sceneggiatrice, questa scelta apre anche una prospettiva interessante per il futuro della protagonista nel nuovo DC Universe.

“Trovo interessante anche il fatto che questo dia a Kara una bussola morale tutta sua, distinta da quella per cui Superman è famoso, cioè quella di non togliere mai una vita. Sarà interessante vedere come questo influenzerà il suo percorso.”

Le dichiarazioni hanno acceso il dibattito tra i fan, anche perché Tom King collabora attivamente con i DC Studios e molti si chiedono come questa diversa interpretazione del fumetto non sia emersa durante lo sviluppo del film. Resta comunque il fatto che un semplice fraintendimento del materiale originale abbia contribuito a modificare uno dei momenti più importanti dell’adattamento cinematografico.

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Ancora oggi questi film rappresentano alcuni dei momenti più significativi della sua filmografia e spiegano perché continui a essere uno degli attori più apprezzati del cinema di genere. Ecco la nostra selezione dei cinque migliori film con Vincent D’Onofrio.

I magnifici sette (2016)

Nel remake western diretto da Antoine Fuqua, Vincent D’Onofrio interpreta Jack Horne, un cacciatore esperto dal carattere schivo che si unisce al gruppo guidato da Sam Chisolm. Pur circondato da un cast ricco di star, l’attore riesce a distinguersi grazie a una prova intensa e ricca di sfumature, in uno dei ruoli più apprezzati della sua carriera recente.

Jurassic World (2015)

Nel quarto capitolo della saga cinematografica di Jurassic Park, che ha inaugurato la trilogia Jurassic World, Vincent D’Onofrio veste i panni di Vic Hoskins, responsabile della sicurezza della InGen e principale antagonista umano del film. Convinto che i velociraptor possano essere impiegati come armi militari, il suo personaggio rappresenta una delle principali minacce per i protagonisti.

Men in Black (1997)

Nel blockbuster fantascientifico diretto da Barry Sonnenfeld, D’Onofrio interpreta Edgar, un contadino il cui corpo viene occupato da un gigantesco insetto alieno appartenente alla razza dei Bug. Grazie a una straordinaria interpretazione fisica, fatta di movimenti innaturali, espressioni deformate e una mimica inconfondibile, dà vita a uno dei villain più memorabili dell’intera saga.

The Cell – La cellula (2000)

Diretto da Tarsem Singh, The Cell è uno degli horror psicologici fantascientifici più visionari dei primi anni Duemila. Vincent D’Onofrio interpreta il serial killer Carl Stargher, offrendo una performance impressionante che alterna registri completamente diversi tra realtà e mondo onirico. Ancora oggi questa rimane una delle interpretazioni più inquietanti e celebrate della sua carriera.

Full Metal Jacket (1987)

Il ruolo che ha consacrato Vincent D’Onofrio. Nel capolavoro di Stanley Kubrick interpreta il soldato Leonard “Palla di Lardo” Lawrence, assoluto protagonista della celebre prima parte del film e uno dei personaggi più iconici del cinema di guerra. Per ottenere la parte l’attore aumentò di oltre 30 chilogrammi, una trasformazione fisica eccezionale che contribuì a rendere il personaggio ancora più memorabile. La sua interpretazione è oggi considerata uno dei momenti più iconici dell’intera filmografia di Kubrick.

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Realizzato con un budget di appena 750.000 dollari, Obsession è diventato uno dei successi horror più inattesi degli ultimi anni. La storia segue Bear, un giovane che utilizza un misterioso ramo magico per far innamorare di sé la collega Nikki, senza immaginare che il desiderio si trasformerà presto in un incubo.

Attraverso il suo profilo Threads, King ha spiegato di aver assegnato al film un voto positivo, pur senza arrivare all’entusiasmo totale.

“Gli ho dato un B+ nel mio ‘libro dei film’, ma continuo a pensarci. Quello strano mix tra umorismo e horror.”

Un commento che lascia intendere come il film abbia saputo colpirlo soprattutto per la sua atmosfera, più che per la spettacolarità o la quantità di spaventi.

Diretto dal ventiseienne Curry Barker, Obsession racconta una classica storia in stile “desiderio maledetto”. Dopo aver espresso il desiderio che Nikki si innamori di lui, Bear ottiene esattamente ciò che voleva… ma in una forma terrificante. L’amore della ragazza diventa infatti un’ossessione incontrollabile, trasformando quella che sembrava una fantasia romantica in una spirale di violenza e paura.

Uno degli elementi più apprezzati del film è proprio il continuo equilibrio tra tensione e comicità. Barker alterna momenti inquietanti a situazioni volutamente imbarazzanti, costruendo un horror che riesce a far ridere e mettere a disagio quasi nello stesso istante.

Il successo di Obsession conferma anche la crescita di una nuova generazione di registi provenienti da YouTube che stanno trovando spazio nel cinema horror. Dopo questo exploit, Barker è già al lavoro su una nuova horror comedy intitolata Anything But Ghosts e, secondo le indiscrezioni, sarebbe coinvolto anche nello sviluppo di un nuovo film di Non aprite quella porta.

Se persino Stephen King continua a ripensare a Obsession dopo la visione, significa che il film è riuscito nel suo obiettivo più importante: lasciare il segno ben oltre i titoli di coda.

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La sua è una parabola artistica e personale imprevedibile e affascinante, segnata da momenti di gloria, tragedie personali e una resilienza che ha del leggendario. Non è mai stato un attore convenzionale, né ha cercato di esserlo. La sua presenza scenica, quel mix di intensità fisica e vulnerabilità emotiva, lo ha reso perfetto per ruoli di cattivi carismatici, mentori tormentati, figure al margine della società. Oggi, l’attore compie 82 anni perciò ecco alcuni dei suoi migliori film, per rispolverare un artista a tutto tondo.

Arma Letale (1987)

Quando Arma letale arrivò nelle sale americane il 6 marzo 1987, nessuno immaginava che quel film avrebbe riscritto le regole del cinema d’azione. Richard Donner, reduce dal successo di Superman e I Goonies, mise in scena qualcosa di radicalmente diverso rispetto agli action hero muscolosi e invincibili che dominavano gli anni ’80. Al centro della storia c’era Martin Riggs, un poliziotto sull’orlo del suicidio interpretato da un Mel Gibson ancora lontano dai fasti di Braveheart, affiancato da Danny Glover nei panni del sergente Roger Murtaugh, padre di famiglia che pronuncia la battuta destinata a diventare iconica: “Sono troppo vecchio per questo“.

La genialità di Arma letale sta nell’aver trasformato un personaggio profondamente disturbato in un eroe d’azione credibile. Riggs non è solo un poliziotto coraggioso: è un reduce del Vietnam vedovo recente, ossessionato dalla morte della moglie adorata, che ha trasferito nella pistola il suo unico amore rimasto. Vive alle soglie della follia, flirta costantemente con il suicidio, eppure proprio questa fragilità psicologica lo rende magnetico. Nelle mani di Gibson, Riggs diventa “l’arma letale” del titolo, un uomo così pericoloso per se stesso da risultare invincibile contro i nemici.

Predator 2 (1990)

Los Angeles, 1997. Non la città scintillante delle cartoline, ma una metropoli sull’orlo del collasso, dove le gang di narcotrafficanti si fronteggiano a colpi di mitra e la polizia fatica a mantenere il controllo. In questo scenario distopico, già esplosivo di suo, si inserisce un nuovo giocatore: un cacciatore alieno che trasforma le strade della California in un personale campo di caccia. Benvenuti in Predator 2, il sequel del 1990 che portò il celebre extraterrestre dalla giungla centroamericana al cemento rovente della città degli angeli.

La trama si sviluppa in un crescendo di violenza urbana. I massacri si moltiplicano: corpi squartati, appesi a testa in giù, contrassegnati da simboli che sembrano voodoo. Colombiani contro giamaicani, polizia contro federali, tutti contro tutti. Ma c’è qualcosa di diverso in questi omicidi, qualcosa che non quadra. Le vittime sono macellate con una precisione chirurgica, come animali da trofeo, e gli assassini sembrano dissolversi nell’aria senza lasciare traccia.

L’agente federale Peter Keyes, interpretato da Gary Busey, rivela a Harrigan la verità: non si tratta di criminali umani, ma di predatori alieni dotati di tecnologia avanzatissima che li rende praticamente invisibili. Questi cacciatori extragalattici giungono sulla Terra nei periodi di massima violenza per dare la caccia agli esseri umani più pericolosi, collezionandone i teschi come trofei. Un concetto disturbante che trasforma il Predator da semplice mostro in un serial killer cosmico con un codice d’onore tutto suo.

Point Break – Punto di rottura (1991)

Ci sono film che definiscono un’epoca, e poi c’è Point Break. Uscito nel 1991, questo thriller d’azione diretto da Kathryn Bigelow ha fatto molto più che intrattenere il pubblico: ha creato un linguaggio visivo che ancora oggi riconosciamo ovunque. Le maschere degli ex presidenti americani durante le rapine, il fascino autodistruttivo del fuorilegge carismatico, l’infiltrato che rischia di perdere se stesso. Tutto nasce qui, in questo film che mescola adrenalina pura, filosofia surf e un duetto maschile tra i più intensi del cinema anni Novanta.

La trama vede quattro rapinatori mascherati da Carter, Reagan, Nixon e Johnson terrorizzano le banche di Los Angeles. In 90 secondi entrano, svuotano le casse e scompaiono. L’FBI brancola nel buio finché l’anziano detective Angelo Pappas, interpretato da Gary Busey, formula un’ipotesi tanto bizzarra quanto azzeccata: i colpevoli sono surfisti che usano il bottino per finanziare i loro viaggi alla ricerca dell’onda perfetta. A indagare viene mandato Johnny Utah, un giovane agente interpretato da Keanu Reeves.

Guardare Point Break oggi significa immergersi in un’epoca in cui il cinema d’azione sapeva essere intelligente, i personaggi avevano profondità e le acrobazie erano reali. Un film dove il confine tra bene e male si sfuma davanti alla potenza di un’onda e alla forza di un legame impossibile.

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A raccontarlo è stata la sceneggiatrice Ana Nogueira, che ha lavorato a entrambe le versioni del progetto e ha spiegato quanto sia stato radicale il cambio di direzione dopo l’arrivo di James Gunn e Peter Safran alla guida dei DC Studios.

Intervistata da Entertainment Weekly, Nogueira ha confermato che la sceneggiatura scritta per Sasha Calle raccontava una storia totalmente differente.

“Era completamente diverso. Non credo nemmeno di poter dire di cosa parlasse, ma non avrebbe potuto essere più diverso.”

Non si trattò quindi di semplici modifiche o di un normale lavoro di riscrittura. Con il cambio di gestione ai vertici dello studio, il film venne sostanzialmente azzerato.

La sceneggiatrice ha spiegato che nessun elemento della precedente versione è confluito nel nuovo film.

“Tutto. Non è stato trasferito nulla da un progetto all’altro, ed è incredibile.”

Questo significa che trama, tono, personaggi, motivazioni e approccio alla mitologia di Kara Zor-El furono completamente ricostruiti per adattarsi al nuovo DC Universe.

Invece di recuperare la vecchia sceneggiatura, Gunn e Safran chiesero a Nogueira di ricominciare da capo adattando Supergirl: La Donna del Domani, l’acclamata miniserie a fumetti scritta da Tom King.

La nuova storia segue Kara durante un viaggio nello spazio, lontano dalla Terra e dai riferimenti più tradizionali del personaggio. Il suo percorso si intreccia con quello di Ruthye Marye Knoll, una giovane aliena decisa a vendicare l’uccisione della propria famiglia.

Pur avendo abbandonato del tutto il vecchio progetto, Nogueira ha spiegato che quell’esperienza non è stata inutile: lavorare alla prima versione le ha permesso di comprendere meglio i poteri di Supergirl, i loro limiti e il modo in cui Kara combatte, elementi poi confluiti nella scrittura del nuovo film.

Per Sasha Calle, l’esperienza nei panni di Supergirl si è quindi conclusa con The Flash. L’attrice, però, ha raccontato di conservare un ricordo positivo di quel ruolo e di essere grata per le opportunità che le ha aperto.

“Sono profondamente grata che mi abbia portata in questo mondo in cui posso fare arte. L’ho amato.”

La vicenda conferma quanto sia stato netto il cambio di rotta imposto dal nuovo corso dei DC Studios. Il film con Sasha Calle non è stato semplicemente modificato: è stato cancellato e sostituito da una visione completamente nuova, pensata per inserire la Supergirl di Milly Alcock nel futuro del DC Universe.

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Il titolo italiano può trarre in inganno: Mezzogiorno e mezzo di fuoco non è una semplice parodia di Mezzogiorno di fuoco, ma una satira dell’intero immaginario del western classico americano, dai grandi eroi della Frontiera fino ai suoi stereotipi più radicati.

Ambientato nel vecchio West, il film racconta la storia di Bart (Cleavon Little), un operaio afroamericano condannato all’impiccagione che viene nominato, per puro calcolo politico, primo sceriffo nero della cittadina di Rock Ridge. L’idea del corrotto procuratore generale Hedley Lamarr (Harvey Korman) è semplice: sfruttare il razzismo degli abitanti per costringerli ad abbandonare il paese e impossessarsi dei terreni destinati al passaggio della ferrovia.

Il piano, però, fallisce quando Bart conquista la fiducia della comunità con intelligenza e ironia, affiancato dal leggendario Waco Kid, interpretato da Gene Wilder. Il pistolero alcolizzato ma ancora infallibile diventa il perfetto contrappunto alla lucidità di Bart, dando vita a una delle coppie più iconiche della commedia americana.

La fama di Mezzogiorno e mezzo di fuoco è legata soprattutto al suo linguaggio estremo. Ancora oggi viene spesso citato come “il film che non si potrebbe più realizzare”, ma il bersaglio della satira non sono mai le minoranze. Al contrario, Brooks usa volutamente insulti, stereotipi e situazioni assurde per mettere alla berlina i razzisti e smontare i miti eroici del West classico.

Non a caso il protagonista è sempre il personaggio più intelligente della storia: Bart anticipa tutti, ribalta continuamente le aspettative e trasforma i suoi avversari in caricature della loro stessa ignoranza. Una scelta che nel 1974 risultò sorprendentemente coraggiosa per una grande produzione hollywoodiana.

Tra gli sceneggiatori figurava anche Richard Pryor, il cui contributo fu determinante nel dare autenticità ai dialoghi e nel rendere la satira razziale ancora più pungente. Brooks avrebbe voluto affidargli anche il ruolo di Bart, ma lo studio giudicò troppo rischioso puntare su di lui a causa della sua reputazione fuori dal set.

Il personaggio finì così a Cleavon Little, autore di un’interpretazione oggi considerata una delle più sottovalutate della storia della commedia americana.

Tra citazioni metacinematografiche, continue rotture della quarta parete e un finale che invade letteralmente gli studi della Warner Bros., Mezzogiorno e mezzo di fuoco anticipò un modo completamente nuovo di fare comicità. Il film alterna slapstick, parodia, nonsense e critica sociale senza mai perdere ritmo, influenzando generazioni di registi e sceneggiatori.

Il finale, in particolare, è diventato uno dei momenti più celebri del cinema di Brooks: la storia abbandona il western, sfonda i confini del set e finisce per demolire non solo il genere, ma anche l’illusione stessa del cinema. Una scelta folle e liberatoria, perfettamente coerente con lo spirito anarchico dell’intero film.

Molte battute oggi possono risultare scioccanti, ma il loro significato resta sorprendentemente attuale: il film non ride del razzismo, ride dei razzisti. Ed è proprio questa distinzione ad avergli permesso di attraversare oltre mezzo secolo senza perdere la propria forza satirica.

Oggi Mezzogiorno e mezzo di fuoco continua a dividere il pubblico, ma difficilmente lascia indifferenti. Alcune gag sono inevitabilmente figlie del loro tempo, eppure il cuore del film resta moderno: usare la comicità più irriverente possibile per ridicolizzare il razzismo, il potere e i miti fondativi dell’America. È anche per questo che, a oltre cinquant’anni dall’uscita, continua a essere citato come una delle commedie più coraggiose e influenti mai realizzate.

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Quello che emerge dal percorso di Federico Zampaglione è il ritratto di un artista completo, refrattario alle etichette, capace di emozionare con una canzone d’amore e di inquietare con un thriller psicologico. In un’epoca che spesso premia la specializzazione estrema, lui ha scelto la strada opposta: abbracciare la complessità, seguire le proprie ossessioni creative ovunque lo portino, costruendo un’opera multiforme che continua a sorprendere e a evolversi. Per questo, oggi, nel giorno del suo 58esimo compleanno, vogliamo rinfrescarvi la memoria su tre suoi film da non dimenticare.

The Well (2023)

C’è un pozzo nelle campagne romane. Sul fondo, qualcosa che non dovrebbe esistere. Qualcosa nutrito dal dolore più estremo, imprigionato da secoli, in attesa. Questa è la premessa di The Well, l’horror diretto da Federico Zampaglione che ha portato il cinema di genere italiano sui palchi dei festival internazionali più prestigiosi. La protagonista è Lisa Gray, interpretata da Lauren LaVera, volto già noto agli amanti del genere per il ruolo in Terrifier 2. Lisa è una giovane restauratrice d’arte, figlia d’arte, che arriva in un piccolo borgo italiano con un incarico apparentemente semplice: riportare all’antico splendore un dipinto medievale. Ma quello che sembra un lavoro di routine si trasforma rapidamente in un incubo quando scopre che il dipinto è legato a una maledizione antica e a una creatura mostruosa imprigionata sul fondo di un pozzo.

Zampaglione, alla sua quinta regia e terzo horror, costruisce un’atmosfera che bilancia suggestioni d’epoca e linguaggio contemporaneo. The Well si distingue nel panorama dell’horror contemporaneo per la capacità di Zampaglione di fondere tradizione gotica e violenza esplicita senza cadere nella semplice provocazione gratuita. Il gore serve la narrazione, non il contrario. La creatura del pozzo, nutrita dal dolore più estremo, diventa metafora di traumi antichi che si perpetuano attraverso i secoli, di ferite che non si rimarginano ma si trasmettono di generazione in generazione.

Tulpa – Perdizioni mortali (2013)

Parlare di Tulpa significa addentrarsi in un territorio scivoloso, quello del cinema di genere italiano che negli anni Settanta ha scritto pagine memorabili e indimenticabili. Federico Zampaglione decide di misurarsi con l’eredità ingombrante di maestri come Dario Argento, Mario Bava e Lucio Fulci. Il risultato è un film che divide, polarizza, provoca reazioni viscerali. Un’opera che oscilla tra l’omaggio cinefilo e la deriva trash, tra l’ambizione artigianale e l’inadeguatezza produttiva.

La trama si sviluppa attorno a Lisa Boeri, interpretata da Claudia Gerini, una donna in carriera impeccabile di giorno e frequentatrice notturna del Tulpa, un club privé dove i soci possono realizzare ogni loro fantasia erotica, anche la più spinta e perversa. Il locale è gestito da un viscido proprietario che si atteggia a guru tibetano, figura laida ed esoterica interpretata da Nuot Arquint, già presente come maniaco nel precedente Shadow di Zampaglione. Lisa è una ricca donna d’affari la cui vita è totalmente incentrata sul lavoro, una manager poco realizzata sul piano personale che cerca nel sesso anonimo e trasgressivo una via di fuga dalla noia esistenziale.

Nel panorama del cinema horror italiano del nuovo millennio, Tulpa si colloca come opera di transizione: non abbastanza innovativa per creare una nuova stagione del genere, ma sufficientemente consapevole della propria eredità per dialogare con i fantasmi del passato. È un film imperfetto, a tratti imbarazzante, ma anche sincero nella sua passione per un cinema che non esiste più.

Shadow (2009)

Quando Federico Zampaglione ha deciso di girare il suo secondo film da regista, probabilmente non immaginava che sarebbe diventato uno degli horror italiani più venduti all’estero degli ultimi decenni. Shadow, uscito nelle sale italiane il 14 maggio 2010, è riuscito nell’impresa di conquistare ben 58 paesi, un risultato straordinario per una produzione nazionale con un budget stimato di un milione di euro.

La trama segue David, interpretato da Jake Muxworthy, un giovane soldato americano reduce dall’Iraq che cerca di dimenticare gli orrori della guerra attraverso un’avventura in mountain bike per l’Europa. Durante il suo percorso nel Centro Europa incontra Angeline, una ragazza francese interpretata da Karina Testa, e insieme decidono di esplorare i boschi circostanti. Quello che doveva essere un momento di rinascita e libertà si trasforma rapidamente in un incubo quando due cacciatori iniziano a inseguirli, spingendoli verso una zona della foresta dove, secondo la leggenda locale, alcuni ribelli furono bruciati vivi anni prima. Ma il vero terrore non sono i fantasmi del passato.

La durata contenuta di 80 minuti è una scelta precisa, che riflette la consapevolezza del regista nel gestire il ritmo. Non c’è un minuto di troppo, ogni scena contribuisce a costruire la tensione crescente che esplode nel confronto finale. Questa economia narrativa è un segno di maturità registica, particolarmente apprezzata in un genere dove il rischio di cadere nella ridondanza è sempre presente.

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Intervistato nel podcast Club Random di Bill Maher, il due volte premio Oscar ha rivolto un appello diretto alla piattaforma, invitandola a riconsiderare una decisione che tiene il film bloccato ormai da quasi dieci anni.

“Spero che Netflix cresca e cambi idea, perché è un film straordinario. È uno dei migliori che abbia mai realizzato.”

Diretto da Michael Hoffman, Gore era entrato in post-produzione quando Netflix interruppe il progetto in seguito alle accuse rivolte a Spacey. Il film, costato circa 40 milioni di dollari, non è mai stato distribuito né ceduto ad altri studi.

Secondo quanto raccontato in passato dal produttore Andy Paterson, Netflix avrebbe respinto ogni richiesta di distribuire il film o venderne i diritti a una terza società, lasciando l’opera completamente inutilizzata.

Nel corso dell’intervista, l’attore ha spiegato di aver vissuto per mesi nella casa di Gore Vidal, a Ravello, in Italia, per prepararsi al ruolo. Ma ha sottolineato soprattutto come la mancata distribuzione abbia penalizzato l’intero cast e la troupe.

“Il regista, lo sceneggiatore, Michael Stuhlbarg e tutta la troupe vengono puniti insieme a me. E non dovrebbero esserlo.”

Prima che il progetto venisse accantonato, Netflix aveva pianificato anche un’uscita nelle sale e aveva richiesto la realizzazione di un trailer in vista di una possibile campagna per la stagione dei premi. Tutti i piani furono però cancellati dopo lo stop imposto nel 2017.

A distanza di anni, Gore resta uno dei casi più particolari nella storia recente della piattaforma: un film completato, costato decine di milioni di dollari e mai mostrato al pubblico, senza che Netflix abbia finora manifestato l’intenzione di distribuirlo o cederne i diritti.

L'articolo Kevin Spacey chiede a Netflix di distribuire Gore, fermo dal 2017: “È un film straordinario” proviene da Il Cineocchio.

Presentato in concorso alla 76ª Berlinale e successivamente al Festival di Annecy, il film segna l’esordio alla regia di Shinomiya, già apprezzato dagli appassionati di anime per aver realizzato i suggestivi flashback di Your Name.

A New Dawn nasce da un’immagine rimasta impressa al regista. Osservando un’enorme distesa di pannelli solari, suo figlio la scambiò per il mare. Da quell’episodio prende forma una riflessione sul Giappone contemporaneo, segnato dalla ricostruzione successiva al terremoto e allo tsunami del 2011, dalla gentrificazione e dalla progressiva scomparsa dei paesaggi e delle tradizioni che hanno caratterizzato il Paese per generazioni.

Questi temi diventano il cuore di una storia di formazione che mette al centro il difficile equilibrio tra progresso, memoria e identità, accompagnata da uno stile visivo che fonde animazione 2D disegnata a mano, stop motion, clay animation, acquerelli e tecniche analogiche.

La sinossi ufficiale:

La storica fabbrica di fuochi d’artificio Obinata sta per essere demolita a causa di un progetto di riqualificazione urbana che cambierà per sempre il volto della cittadina costiera di Niura. Keitaro Obinata, cresciuto tra quei laboratori e quei ricordi, è determinato a completare lo Shuhari, il leggendario fuoco d’artificio capace di rappresentare l’armonia dell’universo, sogno rimasto incompiuto dopo la misteriosa scomparsa di suo padre.

Proprio nell’ultimo giorno d’estate, la sua amica d’infanzia Kaoru torna da Tokyo dopo quattro anni di assenza. Insieme al fratello maggiore di Keitaro, Sentaro, scoprono che lo sfratto della fabbrica diventerà esecutivo il giorno successivo e che quello sarà l’ultimo momento per salvare un luogo che ha segnato le loro vite.

I tre decidono così di tentare l’impossibile: completare e lanciare lo Shuhari, regalando alla città un ultimo spettacolo pirotecnico prima che il paesaggio della loro infanzia scompaia definitivamente. Un gesto di resistenza, memoria e speranza che si intreccia con una profonda riflessione sul delicato equilibrio tra progresso, tradizioni e identità.

A New Dawn sarà distribuito nelle sale italiane come evento speciale dal 23 al 29 luglio grazie ad Animagine, la collaborazione tra Dynit e Adler Entertainment dedicata ai grandi anime del passato e del presente.

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Ambientato nell’Inghilterra del XIII secolo, Werwulf racconta di una comunità rurale sconvolta dall’arrivo di una misteriosa creatura che trasforma le antiche leggende popolari in una realtà terrificante. Al centro della storia troviamo Aaron Taylor-Johnson, protagonista di una metamorfosi che il trailer suggerisce senza mostrarla completamente, preferendo costruire tensione attraverso ombre, dettagli e frammenti visivi.

Ed è proprio questa la prima qualità del filmato: invece di inseguire l’effetto facile, Eggers punta ancora una volta sull’attesa. La creatura rimane quasi sempre nascosta, mentre il paesaggio, il fango, le foreste e la nebbia diventano parte integrante dell’orrore. È un approccio che richiama direttamente The Witch e, in parte, anche The Lighthouse, dove il vero terrore nasceva prima dall’atmosfera che dalla presenza del mostro.

Il trailer offre però anche qualche indizio sulla direzione estetica del progetto. Eggers ha raccontato di aver girato il film in 35 mm, applicando inoltre un particolare trattamento ortocromatico capace di alterare gli incarnati e conferire all’immagine un aspetto più sporco, malato e quasi fuori dal tempo. A questo si aggiunge una lavorazione della grana ispirata alle vecchie pellicole in bianco e nero, una scelta tecnica che dovrebbe rendere Werwulf diverso da molti horror contemporanei.

L’ossessione del regista per la ricostruzione storica resta infatti uno degli elementi più interessanti della sua filmografia. Dai rituali puritani di The Witch al folklore nordico di The Northman, passando per la Transilvania di Nosferatu, ogni sua opera cerca prima di tutto di ricostruire un mondo credibile, nel quale il soprannaturale si inserisce senza mai apparire estraneo. Anche Werwulf sembra seguire la stessa filosofia, trasformando il Medioevo inglese in un ambiente duro, sporco e profondamente superstizioso.

Il progetto segna inoltre una nuova collaborazione con Sjón, già co-sceneggiatore di The Northman, e riunisce diversi volti ormai abituali del cinema di Eggers. Oltre ad Aaron Taylor-Johnson tornano infatti Lily-Rose Depp, Willem Dafoe e Ralph Ineson, interpreti che hanno già dimostrato di adattarsi perfettamente al suo modo di raccontare personaggi tormentati e mondi sospesi tra storia e leggenda.

Colpisce anche il lavoro svolto da Taylor-Johnson per prepararsi al ruolo. Eggers ha rivelato che l’attore ha osservato da vicino il comportamento dei lupi reali per costruire una trasformazione più credibile, lontana dagli stereotipi cinematografici del licantropo. È un dettaglio che conferma quanto il regista continui a cercare autenticità persino negli aspetti più fantastici dei suoi film.

Naturalmente un trailer non basta per capire se Werwulf riuscirà davvero a reinventare il mito del lupo mannaro. Tuttavia le immagini diffuse lasciano intuire un’opera più interessata alla paura ancestrale, alla superstizione e alla disgregazione dell’uomo che al semplice spettacolo della trasformazione.

Se manterrà queste premesse, Werwulf potrebbe diventare non soltanto uno degli horror più attesi dell’anno, ma anche un nuovo tassello coerente all’interno della filmografia di Robert Eggers, autore che continua a dimostrare come il cinema di genere possa ancora trovare forme visive, narrative e stilistiche profondamente personali.

L’uscita nelle sale è prevista per il 25 dicembre, una data ormai quasi simbolica per il regista dopo il successo di Nosferatu. Se il trailer rappresenta davvero il tono del film, il Natale 2026 promette di essere tutt’altro che rassicurante.

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Il progetto è tratto dall’omonima light novel scritta da Jun Esaka e illustrata da Sayaka Suwa, una raccolta di storie originali dedicate alle protagoniste femminili create da Eiichiro Oda. Per questa trasposizione animata è stato scelto il capitolo Episode: Nami, mai raccontato nel manga principale.

L’avventura segue la celebre navigatrice della ciurma di Cappello di Paglia alle prese con un misterioso paio di scarpe che sembrano non calzarle mai nel modo giusto. Quella che inizialmente appare come una situazione curiosa si trasforma ben presto in un’indagine per rintracciare il misterioso designer responsabile.

Rispetto al romanzo originale, l’anime introdurrà anche Nico Robin, assente nella storia cartacea, regalando ai fan nuove interazioni tra due dei personaggi più amati della serie.

Lo special è diretto da Haruka Kamatani, con character design affidato a Takashi Kojima e sceneggiatura supervisionata da Momoka Toyoda. Nel cast vocale debuttano inoltre Maaya Sakamoto, che interpreterà Miucha, e Takehito Koyasu, voce del personaggio Lubun.

One Piece Heroines debutterà in Giappone il 5 luglio. Al momento non è stata ancora annunciata una distribuzione internazionale.

Lo spin-off si inserisce in un periodo particolarmente ricco per il franchise. Oltre ai nuovi episodi dell’arco di Elbaph, Netflix sta preparando diversi progetti dedicati a One Piece, tra cui lo special LEGO previsto per l’autunno, il remake anime The One Piece, atteso nel 2027, e la terza stagione della serie live-action, intitolata La Battaglia di Alabasta.

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The Highwaymen – L’ultima imboscata (2019)

Diretto da John Lee Hancock, The Highwaymen racconta la caccia ai celebri fuorilegge Bonnie e Clyde dal punto di vista dei Texas Rangers che riuscirono a fermarli. Kathy Bates interpreta Miriam “Ma” Ferguson, governatrice del Texas, in un ruolo breve ma significativo che contribuisce a delineare il contesto della vicenda. Pur appartenendo principalmente al filone crime, il film mantiene una costante tensione narrativa e offre una rilettura originale di uno dei casi di cronaca più celebri della storia americana.

Diabolique (1996)

Remake del classico francese diretto da Jeremiah S. Chechik, Diabolique è un thriller ricco di tensione e colpi di scena. Kathy Bates interpreta l’investigatrice Shirley Vogel, determinata a fare luce sulla misteriosa scomparsa del preside di un collegio. Accanto a Sharon Stone e Isabelle Adjani, l’attrice offre una prova solida in un film che gioca continuamente con i confini tra verità e inganno.

Ultimatum alla Terra (2008)

Nel remake fantascientifico diretto da Scott Derrickson, Kathy Bates interpreta Regina Jackson, il Segretario alla Difesa degli Stati Uniti. Mentre il misterioso alieno Klaatu, interpretato da Keanu Reeves, lancia un ultimatum all’umanità, il suo personaggio è chiamato a prendere decisioni cruciali nel tentativo di evitare una catastrofe globale. Pur in un ruolo di supporto, Bates aggiunge autorevolezza a un blockbuster fantascientifico che riporta sul grande schermo uno dei grandi classici della science fiction.

L’ultima eclissi (1995)

Tratto dall’omonimo romanzo di Stephen King e diretto da Taylor Hackford, L’ultima eclissi è uno dei thriller psicologici più riusciti ispirati alle opere dello scrittore americano. Kathy Bates interpreta una donna accusata di omicidio mentre riaffiorano i traumi del suo passato, offrendo una prova intensa e ricca di sfumature. Ancora oggi questa rimane una delle interpretazioni più apprezzate della sua carriera.

Misery non deve morire (1990)

Il ruolo che ha cambiato per sempre la carriera di Kathy Bates. Nel thriller diretto da Rob Reiner, tratto dal celebre romanzo di Stephen King, interpreta Annie Wilkes, un’ex infermiera e fan ossessiva dello scrittore Paul Sheldon che, dopo avergli salvato la vita in seguito a un incidente, rivela una personalità sempre più inquietante e imprevedibile. La sua straordinaria interpretazione le valse l’Oscar come miglior attrice protagonista, dando vita all’unica performance tratta da un’opera di Stephen King ad aver conquistato una statuetta in una categoria attoriale. Ancora oggi Annie Wilkes è considerata una delle antagoniste più iconiche della storia del thriller e dell’horror psicologico.

Dall’horror psicologico ai thriller, passando per fantascienza e crime, Kathy Bates ha costruito una carriera straordinariamente versatile, imponendosi come una delle interpreti più autorevoli del cinema americano. Questi cinque film raccontano alcune delle sue prove più memorabili e dimostrano la sua capacità di lasciare il segno nel cinema.

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Identità (2003)

Diretto da James Mangold, Identità è considerato da molti uno dei thriller psicologici più interessanti degli anni Duemila. Dieci sconosciuti rimangono bloccati in un motel isolato durante una violenta tempesta, ma presto iniziano a morire uno dopo l’altro. Cusack interpreta Ed Dakota, un autista di limousine che si ritrova coinvolto in una notte sempre più inquietante, mentre la tensione cresce fino a un colpo di scena ancora oggi ricordato dagli appassionati del genere.

1408 (2007)

Tratto dall’omonimo racconto di Stephen King, 1408 vede John Cusack nei panni di Mike Enslin, uno scrittore scettico che visita presunti luoghi infestati per documentare i suoi libri. Quando decide di trascorrere una notte nella famigerata stanza 1408 del Dolphin Hotel, si ritrova intrappolato in un incubo sempre più inquietante. Gran parte della riuscita del film si basa sull’interpretazione di Cusack, affiancato da Samuel L. Jackson in un ruolo chiave.

The Raven (2012)

In questo thriller gotico diretto da James McTeigue, John Cusack interpreta Edgar Allan Poe, che viene coinvolto dalla polizia nelle indagini su un serial killer deciso a riprodurre gli omicidi descritti nei racconti dello scrittore. Pur prendendosi diverse libertà narrative rispetto alla realtà storica, il film offre una rilettura affascinante dell’autore americano e una delle interpretazioni più particolari della carriera di Cusack.

2012 (2009)

Diretto da Roland Emmerich, 2012 è uno dei disaster movie più rappresentativi degli anni Duemila. John Cusack interpreta Jackson Curtis, uno scrittore in difficoltà economiche che lavora anche come autista di limousine e cerca disperatamente di mettere in salvo la propria famiglia mentre il pianeta viene devastato da una catastrofe globale. Tra effetti speciali imponenti e sequenze d’azione spettacolari, il film è diventato uno dei titoli più celebri del cinema catastrofico moderno.

Essere John Malkovich (1999)

Tra i film più originali degli ultimi decenni, Essere John Malkovich segna l’esordio alla regia di Spike Jonze su sceneggiatura di Charlie Kaufman. Cusack interpreta un burattinaio che scopre un portale capace di entrare nella coscienza dell’attore John Malkovich per circa quindici minuti. Tra commedia surreale, fantasy e riflessione sull’identità, il film è considerato uno dei capolavori del cinema contemporaneo e uno dei punti più alti della carriera dell’attore.

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Ha influenzato intere generazioni di registi e dimostrato che l’omaggio può passare anche attraverso la comicità. Soprattutto che i generi più amati e visti, come quelli sopracitati, non devono necessariamente passare per il dramma. Anzi, le sue parodie conservato tutti gli elementi delle opere che vogliono prendere bonariamente in giro. Oggi, per chi non lo sapesse, Mel Brooks compie la veneranda età di 100 anni. E riesce ancora a sfornare film. Un traguardo che in pochissimi hanno raggiunto. Per l’occasione questi quattro film raccontano meglio di tutti il suo talento e l’enorme impatto che ha avuto sulla cultura pop.

Mezzogiorno e mezzo di fuoco (1974)

Nello stesso anno dell’uscita di Frankenstein Junior, il suo film più rinomato, Brooks riuscì nell’impresa di realizzare un altro classico senza tempo. Mezzogiorno e mezzo di fuoco prende di mira il western americano, demolendone gli stereotipi con una comicità irriverente che, per l’epoca, risultò sorprendentemente audace. Dietro le gag si nasconde anche una brillante satira sociale sul razzismo e sui pregiudizi, dimostrando come una commedia potesse far ridere senza rinunciare a un messaggio che conserva ancora oggi una sorprendente attualità.

Balle Spaziali (1987)

Tra le parodie fantascientifiche più famose della storia del cinema, Balle Spaziali parodizza principalmente Star Wars, ma non rinuncia a citare anche altri grandi classici della fantascienza come Star Trek, Alien, Il pianeta delle scimmie e 2001: Odissea nello spazio. Rick Moranis, John Candy e lo stesso Mel Brooks, nel doppio ruolo di Yogurt e del Presidente Skroob, hanno dato vita a personaggi diventati iconici. Il successo del film è tale che, a quasi quarant’anni dall’uscita, l’universo di Balle Spaziali è pronto a tornare sul grande schermo con un sequel.

Robin Hood – Un uomo in calzamaglia (1993)

Tra le ultime grandi parodie dirette da Brooks, Robin Hood – Un uomo in calzamaglia prende di mira sia il mito dell’eroe di Sherwood sia il successo di Robin Hood – Principe dei ladri con Kevin Costner. Ma non solo, perché attinge pienamente dal contesto dei film di avventura e azione, senza mai perdere quelle specificità che hanno reso grande questo genere. Il risultato è una commedia ricca di slapstick, battute metacinematografiche e citazioni che continua ancora oggi a essere riscoperta e apprezzata dagli appassionati della comicità demenziale e delle grandi parodie cinematografiche.

Alta tensione (1977)

Con Alta tensione, Mel Brooks rende omaggio ai thriller di Alfred Hitchcock, costruendo una parodia che richiama alcuni dei suoi capolavori più celebri, tra cui Vertigo – La donna che visse due volte, Intrigo internazionale, Psycho e Gli uccelli. Il protagonista, il noto psichiatra Richard H. Thorndyke, interpretato dallo stesso Brooks, si ritrova coinvolto in una serie di misteriosi omicidi e complotti. Tra suspense, comicità surreale e continui riferimenti ai grandi classici del thriller, il film dimostra ancora una volta la capacità del regista di prendere in prestito i codici del cinema di genere senza mai perdere di vista il rispetto per le opere originali.

A oltre cinquant’anni dal suo esordio, Mel Brooks continua a rappresentare uno dei punti di riferimento assoluti della commedia cinematografica. Dal gotico di Frankenstein al mito di Star Wars, passando per il western, il thriller hitchcockiano e le leggende di Robin Hood, ha dimostrato che i grandi generi del cinema possono essere omaggiati attraverso la comicità senza perdere la loro identità. Le sue parodie continuano ancora oggi a essere un punto di riferimento per chiunque voglia raccontare il cinema con intelligenza, ironia e un profondo rispetto per i classici.

L'articolo Thriller, azione e fantascienza, ma diversi dal solito: per i 100 anni di un regista leggendario ecco le parodie che devi vedere proviene da Il Cineocchio.

Durante la lavorazione di Superman, uscito nel 1978, una delle sfide più grandi fu proprio trovare un modo credibile per mostrare Christopher Reeve in volo. Oggi quelle sequenze sono considerate iconiche, ma i primi test realizzati prima dell’intervento di Donner erano tutt’altro che convincenti.

Il problema, però, non riguardava solo gli effetti speciali. Fin dal suo arrivo, Donner decise di rivoluzionare il progetto, abbandonando ogni tentazione camp e imponendo un approccio molto più serio e rispettoso nei confronti dell’Uomo d’Acciaio.

“Volevo fare un buon film su questo personaggio amato e trattarlo con il massimo rispetto.”

Il regista sapeva che Superman non poteva sembrare una parodia. Doveva essere spettacolare, certo, ma anche sincero, epico e credibile. Per questo il volo non era un dettaglio tecnico qualsiasi: era la promessa stessa del film.

Quando Donner vide i test iniziali, capì subito che non avrebbero funzionato. Gli attori venivano ripresi sdraiati su una tavola davanti a uno schermo, con un effetto che il regista giudicò artificiale e poco cinematografico.

“Sembrava pessima televisione. Era terribile.”

Per un film costruito attorno all’idea che il pubblico dovesse davvero credere nel volo di Superman, quel risultato era semplicemente inaccettabile.

Anni dopo, Donner avrebbe definito Superman “il film impossibile”. Non solo per le difficoltà tecniche, ma anche perché la produzione prevedeva di girare contemporaneamente il primo film e parte del sequel, Superman II, in un processo lungo, complesso e pieno di tensioni.

Donner decise quindi di ripartire da zero. La produzione venne divisa in diverse unità di ripresa e una di queste fu dedicata esclusivamente alle sequenze di volo di Superman.

La soluzione arrivò grazie all’artista degli effetti visivi Zoran Perisic, che aveva sviluppato un innovativo sistema di front projection. La tecnologia permetteva di sincronizzare cinepresa e proiettore, dando ai movimenti di Superman una fluidità molto più credibile rispetto ai metodi tradizionali.

“Quando vidi i test dissi: ‘È fantastico!’. Ma i produttori non volevano spendere i 25.000 dollari necessari per completare lo sviluppo della tecnologia.”

Alla fine fu Warner Bros. a finanziare lo sviluppo del sistema, permettendo a Perisic di completarlo e a Donner di realizzare finalmente le sequenze che aveva immaginato.

Il risultato colpì profondamente la troupe. Donner ricordò che, quando videro per la prima volta Christopher Reeve volare in modo realmente convincente, sul set calò il silenzio.

“Quando vedemmo Superman volare davvero per la prima volta calò il silenzio. Alcuni membri della troupe si misero perfino a piangere.”

Quelle immagini diventarono uno degli elementi decisivi del successo del film. Non erano solo un effetto speciale: erano la prova che un cinecomic poteva essere preso sul serio, emozionare il pubblico e costruire un immaginario destinato a durare per generazioni.

Guardando oggi quelle sequenze può sembrare normale vedere Christopher Reeve sfrecciare tra i grattacieli. Ma nel 1978 nessuno era mai riuscito a convincere davvero il pubblico che un uomo potesse volare. Richard Donner ci riuscì, trasformando uno slogan pubblicitario in una delle promesse mantenute più celebri della storia del cinema.

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Lo scorso 25 Giugno 2026 è uscito in tutti i cinema italiani il film Supergirl, con Milly Alcock protagonista e Jason Momoa nei panni di Lobo. Quale occasione migliore di questa per rispolverare le antiche conoscenze sul personaggio che ogni fan nuovo o vecchio devono sapere? Ecco cinque curiosità sulla Ragazza d’Acciaio.

1. La prima Supergirl non era Kara Zor-El

2. La scomparsa dalla continuity principale

3. La serie animata

4. Per un periodo Supergirl divenne un Earth Angel

5. Supergirl è entrata persino nelle Lanterne Rosse

A differenza di Superman, cresciuto serenamente sulla Terra, Supergirl ha sempre dovuto fare i conti con il trauma della distruzione di Krypton e con il ricordo del suo pianeta natale. Proprio questa complessità ha permesso a Supergirl di ritagliarsi uno spazio unico nell’universo DC, rendendola una delle eroine più amate e sfaccettate del fumetto (e ora del cinema) americano.

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In Suspiria e Inferno le Tre Madri non erano semplici antagoniste horror. Erano presenze, atmosfere, architetture del male. Il terrore nasceva dai colori, dagli spazi, dalla musica, dalla sensazione che il mondo obbedisse a una logica oscura e incomprensibile. In La terza madre, invece, tutto viene portato in superficie: la mitologia viene raccontata, la minaccia diventa fisica, il male prende la forma di streghe urlanti, rituali espliciti e spiegazioni esoteriche. Così facendo, Argento toglie alla trilogia gran parte della sua forza evocativa.

La storia ruota attorno a Sarah Mandy, interpretata da Asia Argento, una restauratrice coinvolta nel ritrovamento di un’antica urna capace di risvegliare Mater Lacrimarum, l’ultima e più potente delle Tre Madri. Da quel momento Roma viene travolta da una follia crescente, tra omicidi, suicidi, violenza urbana e apparizioni soprannaturali. Sulla carta, il materiale sarebbe perfetto per una conclusione apocalittica. Il film, però, non riesce mai a trasformare questa premessa in un incubo davvero compatto.

Il difetto principale sta nella scrittura. La sceneggiatura accumula eventi, personaggi e spiegazioni senza trovare un vero equilibrio. Ci sono indagini, apparizioni, riferimenti al passato, momenti splatter, passaggi quasi fantasy e improvvise parentesi esoteriche, ma tutto sembra procedere per blocchi separati. Sarah attraversa la storia più di quanto la guidi, mentre molti personaggi entrano ed escono dal racconto senza lasciare un peso reale. Il risultato è un film che corre molto, ma costruisce poco.

Anche la regia appare lontana dalla precisione visionaria del miglior Argento. Non mancano alcuni omicidi efficaci e qualche intuizione visiva, soprattutto quando il film spinge sul corpo, sul sangue e sulla violenza più brutale. Tuttavia la messa in scena non possiede più quella qualità ipnotica che rendeva i vecchi film esperienze quasi sensoriali. La fotografia è più piatta, l’atmosfera meno malata, gli ambienti meno memorabili. Là dove Suspiria trasformava ogni corridoio in una minaccia, La terza madre si affida spesso all’effetto immediato dello shock.

Lo splatter è infatti l’elemento più riconoscibile del film. Argento alza il livello di violenza grafica e alcune sequenze riescono ancora a colpire per brutalità e costruzione. Il problema è che il sangue, da solo, non sostituisce la paura. Nei momenti migliori il gore restituisce almeno un lampo dell’antica ferocia del regista; nei peggiori diventa un modo per coprire la mancanza di tensione, atmosfera e progressione narrativa.

Il discorso su Asia Argento resta inevitabile. La sua presenza ha una certa coerenza dentro un film così familiare e autoriflessivo, ma l’interpretazione non sempre regge il peso del ruolo. Alcuni passaggi emotivi risultano fragili, diversi dialoghi suonano poco naturali e la protagonista fatica a diventare il centro magnetico della storia. Il problema non è solo la performance: è anche un personaggio scritto in modo discontinuo, chiamato a reagire a una serie di eventi più che a compiere un vero percorso.

La scelta più discussa rimane però la rappresentazione di Mater Lacrimarum. Dopo decenni di attesa, il film la mostra troppo e troppo presto, privandola di quell’aura enigmatica che avrebbe dovuto renderla terrificante. Più che incarnare il male assoluto, finisce spesso per sembrare una villain da horror sopra le righe, circondata da accolite che scivolano facilmente nel grottesco involontario. È qui che il film perde definitivamente il confronto con la propria mitologia.

Anche il ritorno simbolico di Daria Nicolodi non produce l’effetto emotivo sperato. L’idea avrebbe potuto dare profondità e malinconia alla chiusura della trilogia, ma la resa visiva e narrativa delle sue apparizioni indebolisce il momento, trasformando un possibile omaggio in una parentesi poco convincente. Allo stesso modo, la colonna sonora di Claudio Simonetti accompagna il film senza riuscire a imporsi come presenza autonoma, lontana dall’impatto memorabile dei Goblin in Suspiria.

Il punto più interessante, però, è che La terza madre non è semplicemente un film brutto o svogliato. È un film che mostra in modo evidente la frattura tra due idee di horror. Da una parte c’è l’Argento del passato, fondato su visione, colore, architettura, irrazionalità e paura come esperienza estetica. Dall’altra c’è un tentativo di aggiornarsi all’horror degli anni Duemila, più esplicito, più corporeo, più rumoroso. Il problema è che queste due anime non si fondono mai davvero.

Per questo il film risulta così frustrante. Dentro La terza madre ci sono ancora tracce di un immaginario potente: l’idea di Roma invasa dal caos, la riscoperta della mitologia delle Tre Madri, alcuni omicidi feroci, il desiderio di chiudere un discorso iniziato quasi trent’anni prima. Ma ogni intuizione viene indebolita da una realizzazione incerta, da dialoghi spesso maldestri e da un tono che oscilla tra horror esoterico, splatter estremo e involontaria autoparodia.

Il finale conferma tutti questi limiti. Dopo una lunga attesa, lo scontro conclusivo arriva in modo brusco e poco solenne, riducendo un conflitto mitologico a una risoluzione quasi sbrigativa. Una trilogia fondata sul mistero avrebbe avuto bisogno di una chiusura capace di lasciare un’immagine, un trauma, una vertigine. La terza madre, invece, lascia soprattutto il rimpianto per ciò che avrebbe potuto essere.

Resta un film che gli appassionati di Dario Argento guarderanno comunque, anche solo per completare il percorso delle Tre Madri. Qualche sequenza splatter funziona, alcune idee non sono prive di fascino e il tentativo di riallacciarsi a Suspiria e Inferno conserva un interesse storico. Ma come conclusione di una delle mitologie più suggestive dell’horror italiano, il risultato è fragile, disordinato e lontano dalla grandezza promessa.

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1. The Good German (2006)

Diretto da Steven Soderbergh, The Good German è un thriller noir ambientato nella Berlino del secondo dopoguerra. Accanto a George Clooney e Cate Blanchett, Tobey Maguire sorprende con una delle interpretazioni più insolite della sua carriera, nei panni di un ambiguo soldato americano. Un ruolo lontanissimo dall’immagine dell’eroe che lo ha reso famoso.

2. Spider-Man: No Way Home (2021)

Il ritorno di Tobey Maguire nei panni di Peter Parker è stato uno dei momenti più emozionanti della storia recente dei cinecomic. Pur non essendo il protagonista del film, il suo contributo è fondamentale per la storia e rappresenta un omaggio alla trilogia diretta da Sam Raimi, oltre a regalare ai fan l’attesissimo incontro tra le tre incarnazioni cinematografiche dell’Uomo Ragno.

3. Il piccolo grande mago dei videogames (1989)

Il primo ruolo di un giovanissimo Tobey, ma già grande star. Un viaggio attraverso l’America che mescola gli archetipi del road movie alla competizione videoludica, un film di avventura che spinge sull’acceleratore nell’ambito nerd e pop, quando ancora questi termini non erano decisamente pop. Per il futuro interprete di Spider-Man, Il piccolo grande mago dei videogames rappresentò il debutto cinematografico assoluto, una piccola parte che aprì la strada a una carriera destinata a farlo diventare una delle star più pagate di Hollywood.

4. Spider-Man 2 (2004)

Per molti rappresenta ancora oggi uno dei migliori cinecomic mai realizzati. Diretto da Sam Raimi, Spider-Man 2 porta Peter Parker ad affrontare il difficile equilibrio tra la vita da supereroe e quella privata, regalando al pubblico uno dei più memorabili antagonisti del cinema Marvel: Doctor Octopus, interpretato da Alfred Molina.

5. Spider-Man (2002)

Il film che ha cambiato per sempre la storia dei cinecomic moderni. Con Spider-Man, Sam Raimi dimostrò che un film tratto dai fumetti poteva conquistare critica e pubblico senza rinunciare al cuore dei personaggi. L’interpretazione di Tobey Maguire nei panni di Peter Parker è diventata iconica e continua ancora oggi a essere uno dei riferimenti più amati dai fan dell’Uomo Ragno.

A oltre vent’anni dall’uscita del primo Spider-Man, Tobey Maguire resta una figura fondamentale della cultura pop. Pur avendo scelto pochi ruoli nel corso della sua carriera, ha lasciato un segno profondo soprattutto nella storia dei cinecomic moderni e del cinema di genere, contribuendo a definire un’intera generazione di blockbuster.

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